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0 Comment tenir un médiator et l'utiliser pour bien jouer ? ...
Petit triangle semi-rigide qui se perd à tout bout de champ, le médiator rend pourtant bien des services aux guitaristes en herbe comme aux plus confirmés. En plus de soulager les doigts, il apporte plus de puissance à la musique et permet un jeu rythmique élaboré et précis. L'utilisation du médiator est enseignée quasi systématiquement, car il est essentiel de prendre de bonnes habitudes en guitare dès les premiers cours. Petite histoire du médiator en guitareLe médiator, autrement appelé plectre ou encore pick par les fabricants, fait son apparition quelques milliers d'années avant notre ère. Vers 1500 av. J.-C., une chanteuse égyptienne du nom de Har-Mose s'accompagnait de ce qui semble être la première version d'une guitare ancestrale. Cet instrument doté de trois cordes reliées à un manche fit très vite fureur et se propagea jusqu'en Europe. À son cou s'accrochait un cordon au bout duquel pendait le plectre, qui servait à pincer les cordes. Impossible de le perdre, de cette façon !À partir du Moyen-Âge, le médiator est largement utilisé par les joueurs de luth, un instrument proche de la guitare dont il est parfois dit qu'il en serait le précurseur. Le plectre peut se présenter sous la forme d'un morceau de plastique, de bois, de métal, voire même d'un objet du quotidien à l'instar du guitariste de Queen qui jouait avec... une pièce de monnaie.Aujourd'hui, la majorité des grandes marques de guitare proposent des médiators personnalisés avec le portrait de stars musiciennes, des logos graphiques, ou encore des pin-up légèrement vêtues. Avec l'habitude, le guitariste développe une préférence pour un genre de plectre, allant jusqu'à en faire son accessoire fétiche. Les grandes stars de la guitare ont leurs petites manies. Les techniques de guitare avec médiatorSi vous pensez que les techniques de guitare avec et sans médiator sont les mêmes, vous avez tort... et raison. Fondamentalement, le plectre remplace les doigts et devrait se substituer à ces derniers, et inversement. Sauf que les doigts sont, en théorie, au nombre de cinq. Impossible de les remplacer par un seul accessoire. La technique utilisant exclusivement les doigts s'appelle le picking, et ne peut pas se transposer réellement avec un plectre. Il est possible de jouer avec le médiator et les autres doigts libres de la main, mais un déséquilibre se produira entre les différentes sonorités. Voici les techniques que vous pouvez utiliser si vous jouez avec un médiator.L'aller-retour au médiator (ou alternate picking)C'est la méthode la plus utilisée. Elle permet d'acquérir une précision dans le jeu tout en gardant une attaque puissante des cordes.La main repose sur le chevalet de la caisse de la guitare (à l'endroit où se rejoignent toutes les cordes). Avec le poignet, pratiquez un mouvement vers le bas en pinçant une corde, puis vers le haut sur la même corde, et ainsi de suite. Vous pouvez ensuite déplacer le médiator sur les cordes suivantes en respectant l'alternance aller/retour, ou jouer sur la même corde en produisant différentes notes grâce aux doigts de la main située sur le manche.Le jeu directionnel avec un plectreEn gardant la même position que dans la technique précédente, vous allez enchaîner les cordes dans l'ordre en attaquant par exemple par le haut sur l'aller, puis par le bas sur le retour. Ceci permet d'éviter de devoir pratiquer systématiquement des allers-retours lorsque les cordes se suivent.Jouer une rythmique au médiatorCette fois, vous devrez faire sonner plusieurs cordes en même temps afin d'obtenir des accords. Donnez un grand coup avec le médiator sur toutes les cordes de l'accord. Cette façon de jouer permet de créer une infinité de rythmiques différentes en alternant des coups vers le bas, vers le haut, en étouffant les cordes avec la main droite entre chaque coup de médiator, etc. Comment choisir son médiator ?De nombreux critères entrent en jeu si vous voulez choisir le médiator le plus adapté à votre style, à savoir :Sa taille, qui varie entre 2 et 5 cmSon épaisseur généralement quantifiée par l'adjectif Thin (0,4 mm), Medium (0,7 mm) ou Heavy (1,5 mm)Le matériau qui le compose : bois, plastique, métal pour les plus usuels, mais aussi os, écaille de reptile, corne animale, etc.La taille se définira en fonction de vos préférences et de la grandeur de vos mains. L'épaisseur est le critère primordial, car il joue à la fois sur le ressenti du musicien et sur le rendu sonore. Plus le médiator est fin, plus il glissera facilement sur les cordes et produira un son doux. En revanche, les médiators plus épais apporteront un volume sonore important, mais tiendront également mieux dans les doigts. Pour choisir un médiator dans le bon matériau, tenez compte de vos préférences. C'est aussi un conseil qui prévaut dans le choix de tous vos accessoires de guitare. Le bois offre un son plus chaleureux, tandis que le métal "claque" sur les cordes avec un son clair. Le plastique reste une valeur universelle, avec le désavantage de glisser sous l'effet de la transpiration (d'où les pertes fréquentes de ce petit ustensile...) et de se détériorer plus rapidement.Quel médiator pour une guitare classique ?Les plectres sont rarement utilisés en guitare classique, qui privilégie plutôt la fluidité des doigts et la douceur des sonorités. C'est pourtant un outil idéal pour les rythmiques ou pour apporter de la puissance en l'absence de micro. Les médiators les plus fins, de type Thin, conviennent bien à cet usage.Quel médiator pour une guitare folk ?Les médiators pour guitare folk peuvent être de taille Thin ou Medium en accompagnement, car les cordes en acier possèdent déjà une bonne résonance et risquent de couvrir la voix du chanteur. Pour des morceaux uniquement à la guitare, choisissez le modèle de plectre que vous voulez en fonction des effets souhaités.Quel médiator pour une guitare électrique ?Un solo clinquant qui allie vitesse et précision des notes ne saurait se passer d'un bon médiator Heavy. La dureté et l'épaisseur de l'accessoire rendent l'attaque plus incisive. Pour le métal ou le rock, privilégiez les médiators en inox ou laiton par exemple. Un morceau de jazz ou de blues se satisfera mieux d'un plectre en bois, surtout sur les guitares Hollow Body dont le sustain ressortira à merveille. Suivez le lien pour plus de renseignements sur la façon de jouer du blues.Comment tenir son médiator ?Droitier ou gaucher, c'est votre main dominante qui va tenir le médiator pendant le jeu, à savoir la main qui gratte les cordes. Saisissez le plectre entre votre pouce et votre index, en le maintenant solidement sans perdre de souplesse dans vos mouvements. S'il y a un creux prévu pour le pouce, placez-le à cet endroit. Sinon, vous pouvez avancer vos doigts jusqu'au milieu du médiator au maximum, de façon à ce que la partie libre puisse encore se plier.La façon de tenir le médiator dépend également de chaque musicien. Certains l’aplatissent entre leurs doigts, d'autres arrondissent le pouce et l'index en fermant le poing. Ce n'est qu'à l'usage que vous découvrirez votre propre préférence.Apprendre à utiliser un médiator n'est qu'une infime partie de la pratique instrumentale. Les techniques utilisées en guitare sont nombreuses et parfois difficiles à expérimenter seul. Connaissez-vous nos cours de guitare ? Des professeurs compétents dispensent des cours particuliers à des élèves motivés pour apprendre rapidement à jouer leurs morceaux préférés. Horaires flexibles, leçons adaptées à chaque niveau, notions clairement expliquées, correction des postures, mais aussi entretien de la régularité et de la motivation : autant d'atouts qui vous pousseront à vous dépasser dans votre pratique grâce aux cours.
0 Cours de Chant : Comment chanter avec sa propre voix ? ...
« Hmm.. » Pourriez-vous penser, « je n’avais jamais réalisé que je pouvais chanter avec une autre voix que la mienne ! » Cela peut vous sembler étrange, mais c’est pourtant tout à fait possible. En cours de chant, nombreuses sont les personnes à tenter d’imiter un autre chanteur plutôt que de trouver leur propre voix. De ce fait, ils appliquent les mauvaises méthodes, perdent leur voix, ou mettent du temps à trouver leur style, parfois plusieurs années. Les erreurs que commettent la plupart des débutants en chantNotre voix est souvent source d’incertitudes lors des leçons de chant, et rien n'est plus normal. Mais les problèmes commencent quand nous cherchons à nous comparer à nos chanteurs préférés et que nous arrivons à nous convaincre que nous ne pourrons jamais être aussi bons qu’eux. Et nous nous décourageons en nous reprochant sans cesse le fait que notre voix ne sonne pas comme celle de Pavarotti ou Whitney Houston. Sur le long terme, cette façon de penser pousse de nombreux apprentis chanteursà abandonner.Mais, arrivé à ce point, il est important de se rappeler que vous avez une bonne voix, et qu’elle ne demande qu’à se développer. Et pour cela il n’est pas nécessaire qu’elle soit semblable à la voix de quelqu’un d’autre. Il faut juste qu’elle devienne la meilleure version qui soit de votre propre voix. S'entrainer pour bien chanterChanter est une activité physique qui requiert d’avoir le bon entrainement et surtout les bonnes techniques.Considérez votre voix comme un instrument de musique à part entière. On ne naît pas en étant doué pour le piano. Cela demande du travail et les bonnes techniques, et plus vous vous entraînerez, meilleur vous serez. Pour la voix, c’est exactement la même chose. Vous êtes né avec une voix, maintenant il faut travailler avec.Vous aussi vous avez une belle voix ! Chacun a en lui une très belle voix, toutefois, si certains ne l’ont jamais entendue, c’est qu’en quelque sorte, ils l’empêchent d’émerger. Inutile d’essayer de produire des sons plus marqués en ouvrant grand la bouche ou de faire monter votre voix d’un seul coup.Le seul résultat que vous obtiendrez sera de très mauvaises habitudes qui vous laisseront enroué ou sans voix le jour suivant. Des techniques peu viables donc, surtout sachant qu’il vous faudra des années pour retrouver la bonne méthode.Mais trouver la technique adéquate vous permettra de découvrir votre voix « naturelle ». Et vous serez surpris de découvrir à quel point elle peut être belle. Alors, dites-vous que votre voix vaut la peine d’être entendue.Parfois, certaines personnes sont tellement persuadées de ne pas avoir une bonne voix, qu’elles restent insensibles à leurs progrès. Elles restent focalisées sur le fait que leur voix semble ne pas sonner juste car elle est différente de ce que l’on peut entendre chez tel ou tel chanteur. Votre voix est uniqueCe qu’il faut retenir, c’est que chaque voix est unique en son genre, et que lorsqu'elle est poussée à son potentiel maximum, il est bien possible qu’elle devienne emblématique. Voilà pourquoi vous percevrez toujours une différence entre votre voix, et celles des musiciens que vous appréciez. Et chacun d’eux a des capacités vocales que vous pouvez facilement distinguer de celle des autres. Ainsi, pour un même morceau, vous reconnaîtriez la voix d’Adèle face à celle d’Otis Redding, celle de Céline Dion face à celle de Stevie Nicks. Elles sont toutes uniques et différentes, tout simplement. Le mot de la fin Même si vous adorez imiter vos chanteurs favoris, cela ne fera pas pour autant avancer votre carrière si vous décidez de vous professionnaliser. Tout le monde connaît déjà ces artistes. En revanche, ce que tout le monde attend, c’est de pouvoir entendre votre voix !
0 Comment choisir sa première guitare ? ...
Acheter son premier instrument est une étape importante dans la vie de tout musicien. Le choix de sa première guitare n’est donc pas à faire à la légère. L’essentiel est d’avoir un instrument jouable et qui sonne juste. Cependant, en posséder un qui vous plaît et qui correspond à vos attentes en termes de son et de confort n’est pas un luxe. Il existe de très nombreuses variantes de guitares, afin de couvrir tous les besoins des guitaristes ainsi que de coller aux répertoires voulus. Vous souhaitez acheter votre première guitare mais vous ne savez pas comment vous y prendre : voilà de quoi y voir plus clair.Electrique ou acoustique ?La première question à vous poser est de savoir si vous comptez vous diriger vers une guitare électrique ou acoustique. Heureusement, vous ne devriez pas hésiter bien longtemps : la réponse se trouve dans vos goûts musicaux. Vous connaissez sans doute l’adage selon lequel il faudrait commencer sur une guitare acoustique, pour ‘’apprendre les bases’’, avant de passer à l’électrique. Oubliez cette fausse vérité, le seul instrument qui vaille est celui qui vous fait envie. Il est tout à fait possible de commencer sur une guitare électrique, qui sera d’ailleurs bien souvent plus facile à jouer que ses consœurs acoustiques.Le son d’une guitare électrique non amplifiée est faible et peu flatteur, c’est pourquoi un ampli spécifique est nécessaire. Les guitares acoustiques existent elles aussi en version amplifiée : ce sont les électro-acoustiques. Leur avantage est de pouvoir enregistrer et jouer en groupe plus facilement, ce qui n’a pas forcément grand intérêt lors de ses premiers pas de guitariste. Choisir sa guitare acoustique Taylor K28eLes guitares acoustiques se divisent en deux grandes familles : celles à cordes en acier (souvent appelées folk) et celles à cordes en nylon (la guitare classiques). Les folks (14 cases accessibles) possèdent un manche rond et étroit tandis que celui des classiques (12 cases) est plutôt plat et très large, avec un grand espace entre les cordes. La plupart des gens trouvent la guitare folk plus facile à jouer, mais la tension et la texture des cordes en acier rendent le jeu beaucoup plus physique et douloureux pour des doigts de débutant. Les guitares folks et classiques produisent un son radicalement différent, c’est pourquoi le répertoire que vous souhaitez aborder devrait déterminer votre choix final.Les cordes en nylon sont bien sûr adaptées au répertoire classique, mais sont aussi prisées par les joueurs de flamenco. Leur son est très rond et très chaud, avec un volume plutôt faible, et elles sont peu adaptées au jeu au médiator.Les guitares à cordes en acier sont plus communes car plus polyvalentes et dédiées à des styles plus populaires. Blues, rock, pop, folk, variété… La plupart des morceaux que vous connaissez ont été enregistrés avec des cordes en acier. Leur son est plus métallique, brillant et percussif. Il en existe plusieurs types (les dreadnoughts, très grosses pour un son chargé en basses, idéal pour la rythmique, les guitares dédiées au jazz manouche…) Quel bois pour quel son ?Le son d’une guitare est le fruit de la vibration des cordes qui se propage et résonne dans le bois. Pour cette raison, les essences utilisées pour la fabrication d’une guitare définissent sa personnalité. Chaque bois possède ses propriétés spécifiques en matière d’équilibrage des fréquences, d’ampleur du son, de sustain (longueur de note)…Certaines guitares acoustiques sont dotées de bois massifs, d’autres de contreplaqué (feuilles de bois collées les unes aux autres). Le bois massif a la réputation d’être affecté par le temps et par son environnement : à la manière d’un bon vin, ses propriétés acoustiques vont s’améliorer pour gagner en résonnance. A l’inverse, le bois contreplaqué n’évolue pas ou presque. Ce qui peut être un avantage si vous destinez votre guitare à un usage très nomade, lui imposant souvent de forts changements de température et d’humidité qui pourraient affecter négativement du bois massif. En terme de son, le bois massif se place nettement au-dessus du contreplaqué, les vibrations s’y propageant mieux.Une guitare acoustique est constituée de différentes pièces de bois : les éclisses (côtés), le fond, le manche et la table. C’est cette dernière qui possède la plus grande influence sur le son, c’est pourquoi il est fortement conseillé d’acheter une guitare à table massive. Un bois massif étant toujours indiqué dans les spécifications des guitares, considérez que vous avez affaire à du contreplaqué si rien n’est précisé.Etant données les différentes parties de la guitare, de nombreuses essences de bois entrent dans sa fabrication. Afin d’éviter de vous perdre, concentrez votre attention sur l’essentiel : la table. La grande majorité des tables sont en épicéa ou en cèdre. Choisissez de l’épicéa pour un son cristallin et percutant, ou du cèdre pour plus de basses et de chaleur.Les différentes essences possèdent leurs caractéristiques sonores, mais n’allez pas croire que le choix du bois de votre première guitare est capital. Il reste possible de jouer n’importe quelle musique avec n’importe quel bois, le son sera seulement plus ou moins adapté mais pas moins bon. Evitez seulement les guitares dont l’essence n’est pas habituellement destinée aux guitares ou est décrite de façon floue (‘’teck’’/’’bois massif’’/’’bois dur’’). Choisir sa guitare électriqueLes guitares électriques peuvent être séparées en deux catégories sonores, en fonction des micros qui y sont montés. Les micros simple bobinage (aussi appelés single coils) délivrent un son plutôt brillant, tandis que les micros double bobinage (ou humbuckers) ont un son plus rond et plus épais, et produisent moins de bruits parasites. Il est ici seulement question de goût et pas de qualité. On peut résumer leur usage à celui-ci : les micros simples sont plus adaptés aux sons clairs, tandis que les humbuckers sont plus à l’aise avec les distorsions.Il ne s’agit pas d’une vérité absolue mais plutôt d’une tendance générale puisque l’on peut obtenir toutes sortes de sons intéressants avec des simples comme avec des doubles. L’idéal pour un débutant est de posséder une guitare équipée des deux types de micros afin de se familiariser avec leurs différentes possibilités. Cependant, il ne faut pas y voir une importance capitale. Les oreilles des non-initiés ne sont généralement pas suffisamment développées pour accorder une réelle importance au type de micros. Deux micros simple bobinage et un humbuckerUne autre façon de classifier les guitares électriques : leur construction. Il existe des guitares à corps plein (solid body) et des demi-caisses (corps creux, épaisseur de la moitié d'une acoustique). Les demi-caisses sont appréciées pour la chaleur et l’ampleur de leur son, mais provoquent vite des larsens à fort volume ou lorsque le son est saturé. Pour une première guitare, il est plus judicieux de commencer avec une solid body qui sera plus polyvalente et plus souple dans son utilisation. Mais si une demi-caisse vous fait envie, il n’y a aucune raison de vous priver, vous apprendrez tout aussi bien !Au niveau des essences de bois, elles sont nombreuses là aussi. Les matières les plus utilisées pour le corps d’une guitare électrique sont l’acajou et l’aulne. L’acajou donne un son rond et chaud, sombre et assez peu précis : c’est le bois de prédilection des guitares de la marque Gibson, autant à l’aise pour un blues sentimental que pour des riffs ravageurs. L’aulne, plus neutre, offre un bon équilibre des fréquences malgré une certaine brillance : la base de la Fender Stratocaster. D’autres bois sont régulièrement utilisés comme le tilleul, le peuplier (proche de l’aulne) ou le frêne, assez aigu et qui compose les Fender Telecaster.Restent tout de même des bois qui sont à fuir, comme l’agathis qui est presque toujours utilisé pour la fabrication de guitares de très faible qualité. Gibson Les Paul Standard Des guitares pour toutes les taillesIl existe des guitares de toutes les tailles afin d’équiper tous les guitaristes. Les dreadnoughts, format de guitare folk le plus courant, sont très grosses et peu adaptées aux petits gabarits, de même que les Jumbo aux formes plus arrondies. Les folks de taille plus réduite sont classées 0, 00 ou 000 en fonction du format, mais restent des guitares à ‘’taille adulte’’. Guitare Martin au format DreadnoughtPour les enfants, il est préférable de débuter sur une guitare classique. Un système numérique a été inventé pour catégoriser ces guitares en fonction de la taille de leur caisse. Une guitare normale est une 4/4, puis viennent les 7/8, les 3/4, les ½, les ¼ et les 1/8 de caisse qui sont les plus petits modèles destinés aux jeunes enfants. Naturellement, acheter une guitare pour enfant revient beaucoup moins cher.Du côté des électriques, il existe quelques guitares pour enfants mais elles sont plutôt rares puisqu’on les fait presque toujours démarrer sur une classique. Pour le reste, la taille varie suivant les modèles mais en restant à destination d’un public adulte. Certaines guitares restent tout de même très imposantes pour les plus petits gabarits, comme les Gibson Les Paul qui sont souvent très lourdes et fatiguent le dos. Combien ça coûte ?Comme pour tous les instruments de musique, le prix d’une guitare varie fortement selon la qualité. Les modèles premier prix sont très abordables, autour de 100 euros, tandis que les plus haut de gamme ou de luthiers se comptent en milliers d’euros. Certaines guitares de collection peuvent se vendre pour plusieurs dizaines voire parfois même centaines de milliers d’euros. Mais ce qui nous intéresse ici, ce sont les guitares d’entrée et de moyenne gamme. Les guitares les moins chères vous permettront de faire vos premières armes. La qualité des instruments premier prix ne fait qu’augmenter avec les années, et il est possible aujourd’hui de trouver un instrument correct pour un prix très bas. Cependant, vous en sentirez vite les limites en progressant. Pour cette raison, il est recommandé d’allonger légèrement le budget, tout du moins si vous êtes sûr de continuer la guitare au moins quelques années. Pour 200 ou 300 euros, vous pourrez ainsi déjà vous procurer une guitare de très bonne facture. En-dessous de ce prix, attardez-vous bien sur les réglages de la guitare, sa justesse, sa tenue de l’accord et sa solidité apparente afin de tomber sur le bon modèle, car il peut y avoir des disparités au sein d’une même série. Nos conseils pour acheter une guitareVous ne vous y retrouvez toujours pas ? Vous voulez acheter une guitare folk, classique ou électrique mais vous êtes perdu par la multitude des modèles ? Ces guitares sont des valeurs sûres réputées pour leur qualité et leur fiabilité. Garanties sans mauvaises surprises, elles sont parfaites si vous n’êtes pas trop sûr de votre choix.Folk : La Cort Earth 70 est une référence très connue des guitaristes. Il s’agit là d’un instrument au rapport qualité/prix excellent (200 euros) que vous garderez de nombreuses années avant de sentir le besoin de passer à la vitesse supérieure. Classique : La Yamaha C40 est bien connue des débutants. Son coût est dérisoire (110 euros) mais le rapport qualité/prix est imbattable ! Sa sonorité et son confort font l’unanimité et cette guitare est très souvent recommandée aux aspirants guitaristes. Electrique : L’Epiphone G400 est sans doute la guitare préférée des débutants. Copie petit budget de la célèbre Gibson SG, elle a été la première guitare d’un très grand nombre de joueurs. Très polyvalente, légère, facile à prendre en main et look d’enfer : pour 300 euros, vous avez là encore un très bon instrument. Certaines marques commercialisent des packs (guitare, ampli, sangle, médiators, câble jack, housse, accordeur). Ces packs, en plus d’être vendus à des tarifs souvent très avantageux, ont l’avantage de rassembler tout l’attirail nécessaire pour démarrer, ce qui vous évite des recherches parfois fastidieuses. Cependant, la qualité n’est bien souvent pas au rendez-vous. Vous y trouverez peut-être une guitare bien réglée et facile à jouer, cependant elle risque fort d’être associée à un ampli très médiocre au son désagréable, même pour des oreilles peu averties.Et pourtant, s’il est un aspect du son trop négligé par les guitaristes, c’est bien celui de l’ampli. Nombreux sont ceux à le voir comme une simple boîte à bruit. En réalité, il joue un rôle plus important que la guitare dans le son. Faites le test : une piètre guitare branchée dans un bon ampli sonnera infiniment mieux qu’une excellente guitare dans un mauvais. Malgré tout, des amplis très corrects sont vendus à des prix abordables. La star du moment est le Fender Mustang, qui présente de nombreux effets et textures sonores de bonne qualité pour un coût inférieur à 150 euros. Où acheter ma première guitare ?La meilleure solution pour acheter votre première guitare est, en toute logique, de vous rendre dans un magasin de musique. Vous pourrez écouter différents modèles et surtout tester leur prise en main. Le confort de jeu d’une guitare est une notion personnelle et totalement indépendante de sa qualité. Même si vous ne savez pas encore jouer, testez un maximum de guitares afin de trouver celle avec laquelle vous êtes le plus à l’aise. Vous pourrez en outre profiter des conseils du vendeur, qui saura vous aiguiller vers des modèles correspondant à vos critères.Vous pouvez aussi commander sur internet, via des sites comme Woodbrass ou Thomann (Allemagne). Cette option a l’avantage de proposer un choix énorme et des tarifs légèrement inférieurs à ceux pratiqués dans bon nombre de magasins. Cependant vous n’aurez pas la possibilité d’essayer, ce qui est vraiment dommage. Une guitare n’est pas un gadget technologique, et l’appréciation de son instrument est avant tout une question de ressenti. Vous ne saurez si une guitare est faite pour vous qu’en l’ayant entre les mains, c’est pourquoi il est préférable de vous rendre dans un magasin, surtout si vous ne savez pas ce que vous voulez.Lorsque le budget est limité, la meilleure solution reste l’occasion. Le matériel de guitare est généralement solide et tient la durée, pour peu qu’il soit bien entretenu. Comme les prix peuvent fortement chuter, surtout pour le bas de gamme, il est possible de faire de très bonnes affaires. Avec un peu de patience, vous trouverez une guitare meilleure et moins chère que si vous achetez neuf, et dans un état impeccable. Certains magasins vendent des guitares et amplis d’occasion, mais c’est du côté des particuliers que vous aurez le plus de choix, notamment sur Le Bon Coin et Audiofanzine. Toutefois, il faut rester prudent sur l’état et l'authenticité des instruments d’occasion, c’est pourquoi il est préférable d’acheter à une personne de confiance ou de se faire accompagner par quelqu’un d’expérimenté. Quelles que soient vos aspirations guitaristiques, vous devrez bien commencer quelque part. Trouver l’instrument qu’il vous faut n’est pas toujours facile, mais pas de panique. Ces indications vous permettront de faire votre choix dans les meilleures conditions, mais n’oubliez pas que le but est avant tout d’apprendre la guitare. Vous aurez ensuite tout le temps d’affiner vos goûts et de savoir précisément ce qui vous correspond. Après tout, Slash, le guitariste des Guns n’ Roses, a débuté avec une guitare qui n’était dotée que d’une seule corde. Maintenant que vous êtes paré, il ne vous reste plus qu’à prendre des cours de guitare !
0 Conseils pour combattre les douleurs classiques des violonistes ...
D'une manière générale, les musiciens d’instruments à cordes se plaignent de douleurs au dos ainsi qu’aux membres supérieurs. À noter que la posture asymétrique du violon n'est pas naturelle et sollicite des muscles rarement développés. Heureusement, voici quelques conseils pour limiter ces désagréments – notamment au début de la pratique !Les douleurs classiques du violoniste Les douleurs musculaires dans le dosChez le violoniste débutant, les douleurs et les courbatures dans le dos viennent traditionnellement de la (bonne) tenue de l'instrument : ce rapport asymétrique implique de travailler les mêmes parties du corps sur le côté opposé pour rétablir un certain équilibre et limiter l’apparition des douleurs. Au fil des mois, ces dernières vont petit à petit disparaître.Les douleurs aux cervicalesEn cas de douleurs aux cervicales, le premier réflexe est de vérifier sa posture avec son professeur de violon. Si cela persiste, vous pouvez changer de mentonnière et en choisir une centrale, afin de réduire la pression exercée. Sans amélioration, il est préférable de consulter un médecin. Les douleurs à l’épauleSouvent surélevée pour le besoin du jeu, l’épaule du violoniste peut se crisper : n’hésitez pas à bien la relâcher au moment des pauses, en faisant quelques mouvements de rotation.Les douleurs aux doigtsUn violoniste débutant peut constater quelques douleurs au niveau des doigts, notamment ceux de la main gauche : cette impression de crispation peut se dissiper rapidement, en prenant quelques minutes pour la détendre. Là encore, la pratique régulière va substituer progressivement cette sensation par un certain endolorissement au bout des doigts après quelques heures de jeu.D’une manière générale, on observe un durcissement des doigts et une perte légère de leur flexibilité et rapidité. Sans oublier l’apparition d’une callosité, symbole du musicien que vous êtes devenu.Les autres gênes possibles liées à la pratique du violon Des troubles auditifsMalgré une pratique soutenue du violon, sa sonorité vous indispose toujours - notamment en fin de journée, lorsque la fatigue est plus prononcée. Ce constat semble indiquer que vous souffrez de troubles auditifs, que l’on peut heureusement corriger, en adoptant des cordes en boyau ou des cordes synthétiques en lieu et place des cordes métalliques. Avec ces matières, vous obtiendrez une sonorité à la fois plus riche et plus plaisante, tout en réduisant voire supprimant les désagréments dont vous souffriez jusqu'ici. Des allergiesChez les violonistes, la majorité des allergies viennent soit de la colophane soit du nickel potentiellement présent dans les cordes et l’archet :Volatile, la colophane peut irriter les yeux et occasionner une gêne respiratoire. Pour éviter ce désagrément, il suffit de choisir un modèle hypoallergénique.L’allergie au nickel se traduit la plupart du temps par des démangeaisons entraînant des réactions visibles sur la peau, comme de l'eczéma ou des croûtes sur les zones en contact. Comme la solution est d’éviter tout contact avec l’allergène, il est possible de trouver des cordes sans nickel et de privilégier un archet en argent.Le conseil-clé ? Écouter son corps ! La pratique du violon est exigeante avec notre corps, il convient donc de réaliser des pauses lors des sessions de jeu. Pour les débutants, il est conseillé de faire des pauses de 15 minutes toutes les 30 minutes. Mais comme chacun est différent, il faut surtout être à l’écoute de son corps !Voici quelques recommandations générales :Débutez la session par un échauffement musculaireRelaxez vos muscles avec des pausesN’oubliez pas de respirer en jouant, car la concentration favorise l’apnée qui fatigue le corpsSurveillez votre posture aux endroits où s’accumule votre tensionÉtirez-vous à la fin de la session Au-delà de ces conseils, si la douleur ou la gêne persiste, n’hésitez pas à prendre conseil auprès de votre professeur et/ou d’un kinésithérapeute ou ostéopathe !
0 Les adultes et la musique ...
Nous proposons des cours de musique pour tout le monde, pour tous les âges : y compris pour les adultes ! D'ailleurs, plus de la moitié de nos élèves sont des adultes. Mais trouver une école de musique qui accepte les adultes n'est pas forcément chose facile ! Pourtant, il n'y a pas d'âge pour aimer la musique et chez nous, il n'y a pas d'âge pour commencer la musique. Les cours de musique pour adultesIl n'est pas facile de trouver une école qui accepte les adultes. Dans les conservatoires, ce n'est pas la peine d'y penser ! La plupart refusent carrément les adultes. Même ailleurs, il est très difficile de trouver une solution qui soit compatible avec une activité professionnelle. Pourtant il n'y a pas d'âge pour commencer la musique ! Evidemment ce n'est pas pour en faire son métier, mais bien pour se faire plaisir ! Nos professeurs ont l'habitude de travailler avec des élèves adultes débutants et pourra s'adapter aux désirs de l'élève. Les cours de musique avec les élèves adultes ne peuvent s'appréhender de la même manière que les cours pour enfants. Les adultes ont souvent une idée précise de leurs objectifs musicaux. Le rôle du professeur de musique est alors de donner à son élève les moyens de réaliser ses envies musicales et donc de s'adapter au cas par cas.Le solfègeLe solfège fait souvent peur. C'est une préoccupation récurrente chez une majorité des personnes qui nous appellent. Beaucoup de gens croient qu'il faut d'abord apprendre le solfège pour ensuite démarrer un instrument. Pas du tout !C'est pourquoi, noss cours ont été conçus de manière à ce que tous les élèves puissent jouer de leur instrument dès le premier cours. Concrètement, les élèves apprennent les bases du solfège (lecture de note et rythme) progressivement, tout en commençant à jouer de leur instrument. L'objectif à atteindre est de prendre du plaisir dès les premières heures de cours en jouant les morceaux favoris de l'élève ! Je rappelle souvent que la France est l'un des rare pays à mettre en pratique, dans les conservatoires et les écoles de musique, la dissociation de l'apprentissage du solfège et de l'instrument. Interrogez vos amis anglais, allemands, suisses, italiens... Ils sont déconcertés par nos pratiques. On trouve pourtant dans ces pays une pratique musicale d'un excellent niveau ! Les horaires de coursJe le rappelais au début de ce post, pas facile pour un adulte de trouver une solution qui soit adaptée à ses contraintes professionnelles. Certaines personnes ont un emploi du temps assez chargé ou irrégulier. Je pense en particulier aux demandes de médecins ou d'infirmiers hospitaliers qui changent d'emploi du temps toutes les semaines. Pas facile à satisfaire... mais quand même possible ! Chaque cas est particulier et nous faisons toujours notre maximum pour que le choix du professeur soit parfaitement adapté à la demande qui nous a été faite. Du côté des formules, nous avons conçu des formules de cours très souples. Qu'ils s'agissent de carnet de cours ou de forfait mensuel, la fréquence et la durée de cours peuvent se moduler librement en fonction de l'emploi du temps de l'élève. Pour finir donc, si vous avez envie de (re)commencer l'apprentissage d'un instrument, il ne faut pas hésiter. L'important est que chacun progresse à son rythme et surtout se fasse plaisir !
0 Le petit guide de l’apprenti guitariste ...
Que vous commenciez à apprendre la guitare à l’âge adulte, ou que vous veniez d’inscrire votre enfant à son premier cours, tout apprenti guitariste doit acquérir les mêmes connaissances théoriques et techniques, s’il est déterminé à devenir un guitariste confirmé. Bien sûr, pour arriver à ce résultat différentes méthodes d’apprentissage existent, et il revient à chacun de trouver celle qui lui convient le mieux. Pour bien débuter, voici un petit condensé des bases que tout futur guitariste se doit d’acquérir dès le début de son enseignement. La bonne guitare tu achèterasL’achat de la première guitare est une évidence, cependant, savoir laquelle choisir parmi les nombreux modèles l’est beaucoup moins. Avant toute chose, il faut déterminer les styles musicaux qui vous plaisent, et si vous souhaitez commencer par l’acoustique ou l’électrique. Une fois cela décidé, le mieux est de vous rendre dans un magasin de musique et d’en essayer plusieurs. N’hésitez pas à vous faire conseiller par le vendeur en lui expliquant vos objectifs, il sera de bons conseils pour un premier achat. Connaissance avec ta guitare tu ferasAvant de vous lancer et de jouer vos premiers accords, il est essentiel de bien connaître votre guitare. Observer les différentes composantes de l’instrument et connaître leur rôle vous aidera à mieux comprendre son fonctionnement. Veillez à connaître chaque corde du bout des doigts, ce qui vous fera gagner du temps lorsque vous travaillerez les accords et les arpèges.Les accords basiques tu maîtriserasApprendre rapidement les accords de base est indispensable et vous permettra de jouer vos premiers morceaux ! De plus, la connaissance de ces accords vous aidera à construire d'autres accords plus complexes comme les barrés et les accords de septième.Le rythme tu comprendras, et régulier tu serasJouer en rythme est indispensable pour conserver la structure et l’harmonie du morceau. Pour commencer, privilégiez les rythmes binaires à 4 temps. Si vous avez du mal, travaillez en mesure et au métronome. Il vous donnera le tempo et vous aidera à garder une certaine régularité. Quand vous serez plus à l’aise, vous pourrez alors apprendre à jouer sur des rythmes plus complexes, surtout si vous êtes amateur de Jazz. Dans les livres et sur internet tu te documenterasAujourd’hui de nombreux ouvrages traitent de l’apprentissage de la guitare. Tablatures, méthodes d’apprentissage, histoire de la musique, il est bon de compléter son apprentissage avec quelques connaissances théoriques qui enrichiront votre culture et seront toujours utiles. Pour progresser rapidement, vous pouvez également avoir recours à internet où vous trouverez certaines vidéos tutoriels très bien faites pour apprendre de nouveaux morceaux, ou bien de nouvelles techniques.Des cours de musique avec un professeur tu prendrasÊtre encadré par un professeur est souvent nécessaire, surtout dans les premiers temps de l’apprentissage. Prendre des cours avec un professeur compétant évite aux débutants de prendre de mauvaises habitudes et de leur permet d’acquérir rapidement de bonnes bases.La clé du succès, tu décrocherasOn ne le répètera jamais assez, mais une pratique régulière de son instrument de musique est essentielle si l’on souhaite voir ses progrès. Jouer régulièrement est le meilleur moyen de devenir rapidement un bon guitariste. Préférez des séances courtes et régulières plutôt que de longues séances occasionnelles. Si un accord ou une technique vous pose problème, ne vous découragez pas, entraînez-vous et demandez conseil autour de vous. Votre travail finira par payer !
0 Quelles partitions de piano faciles à jouer pour les débutants ? ...
Lorsque l’on débute le piano à l’âge adulte et que l’on souhaite éviter les traditionnelles comptines pour enfant comme « j’ai du bon tabac » ou « au clair de la lune », il n’est pas toujours facile de savoir vers quels types de partitions se tourner. Des morceaux qui semblent faciles à l’oreille peuvent s’avérer plus complexes à jouer qu’ils n’y paraissaient. De la même manière, les partitions, lorsque l’on débute en solfège, ne sont pas toujours très parlantes. Comment identifier les partitions de piano qui correspondent à son niveau ? Nous vous proposons quelques astuces et des exemples !Identifier la difficulté d’une partition de piano Que l’on apprenne le piano en solo ou avec un professeur de musique, il est toujours agréable de pouvoir jouer des morceaux que l’on apprécie pour son bon plaisir. Cependant, en fonction de son niveau, surtout si l’on commence à peine son apprentissage, tous les morceaux ne seront pas aussi accessibles et peuvent parfois être un motif de découragement. Pour savoir comment choisir des partitions de piano pour débutant, voici quelques éléments à observer sur les partitions. La longueur du morceauLorsque l’on est un pianiste débutant, mieux vaut éviter les morceaux trop longs qui s’étalent sur des pages et des pages. Jouer des morceaux courts et diversifiés vous permettra d’appréhender différents styles et d’explorer des rythmes et des sonorités différentes.Les écarts de doigts et les mouvements de mainLorsque l’on joue ses premiers morceaux, il est préférable de choisir des partitions qui ne possèdent pas de notes trop éloignées les unes des autres, qui obligeraient à faire de grands mouvements de mains ou des écarts de doigts importants. Un débutant n’a pas la souplesse ni l’agilité d’un pianiste professionnel, ce qui est bien normal. Il faut donc commencer par des morceaux confortables pour les doigts et ainsi éviter de se faire mal ou de se décourager prématurément. Sur la partition, vérifiez donc qu’il n’y a pas de notes consécutives trop éloignées.Choisir une rythmique simpleUn autre élément non négligeable dans le choix de vos partitions, c’est bien entendu le rythme ! Point faible de nombreux débutants, il existe de nombreuses rythmiques et certaines sont beaucoup plus complexes que d’autres. Lorsque l’on commence le piano, on privilégie les rythmes binaires, symbolisés sur la partition sur la première portée par l’indication C, 4/4, 3/4 ou bien 2/4 ou des rythmes ternaires simples (3/8, 6/8, etc). Vérifiez également que les morceaux se composent principalement de rondes, blanches, noires, et croches. Évitez également les tempos trop rapides et les morceaux composés exclusivement de croches pointées, doubles ou triples croches. Bien sûr, si vous trouvez quelques doubles croches sur une partition mais qu’elles restent minoritaires, vous pouvez toujours vous lancer. Au contraire, cela constituera une bonne introduction à des rythmes plus complexes que vous aurez à apprendre lorsque vous aurez acquis un peu plus d’expérience.L’accompagnement et l’indépendance des deux mainsUne des principales difficultés au piano est l’indépendance des deux mains. Pour la travailler progressivement, commencez par choisir des morceaux qui ont un accompagnement plutôt basique, c’est-à-dire, des morceaux où la main gauche a peu de notes à jouer ou bien de quelques accords. Jouez ce qu’il vous plaît !Apprendre progressivement permet d’éviter d’accumuler des lacunes. En revanche, attention à ne pas rester trop longtemps dans sa zone de confort. Lorsque vous maîtrisez 3, 4 ou 5 morceaux du même niveau, n’hésitez pas à augmenter légèrement la difficulté des morceaux suivants pour progresser et éviter de vous lasser.Si toutefois vous souhaitez absolument jouer un morceau en particulier qui vous semble difficile, gardez en tête que rien n’est insurmontable. Si vous souhaitez absolument jouer un morceau qui vous émeut particulièrement, quel que soit son niveau de complexité, lancez-vous ! Cela vous constituera un beau challenge ! Pour maîtriser un morceau complexe, ne vous mettez pas trop la pression. Allez-y progressivement, déchiffrez-le mesure après mesure et n’hésitez pas à vous faire aider par un professeur, des amis musiciens, en regardant des vidéos sur internet, etc.En revanche, continuez à travailler des exercices et des morceaux plus faciles qui vous aideront à atteindre votre objectif et vous redonneront confiance en vous dans les périodes de découragement !Quelques idées de morceaux de piano faciles à jouerVoici quelques idées de morceaux de piano faciles à jouer lorsque l’on est débutant :Mistral Gagnant – Renaud Let it Be – The Beatles My heart will go on – Céline Dion Gymnopédie n°1 – Erik Satie Lettre à Elise – Beethoven Hallelujah – Leonard Cohen My baby just cares for me – Nina Simone No surprises - Radiohead
0 Le vocabulaire du violon et de l'archet ...
Appartenant à la famille des cordes frottées, le violon est un instrument de musique qui se joue, la plupart du temps, avec un archet. Certains musiciens peuvent également choisir de pincer les cordes, suivant la technique du pizzicato. Composé de 70 à 85 pièces, assemblées par collages et emboîtements, le violonl a dévoilé un vocabulaire propre que tout apprenti doit connaître pour apprendre à en jouer correctement. Les grandes parties d’un violonSchéma de l’intérieur d’un violon La têteLa tête du violon est traditionnellement ornée d’une volute (également appelée « coquille », un terme évoquant davantage sa forme enroulée), librement façonnée par le luthier, qui en fera sa signature. Ensuite, la tête se poursuit par le chevillier percé de 4 trous (à raison de 2 par côté), dans lesquels on insérera les chevilles chargées de tenir et de régler la tension de chaque corde : Sol, Ré, La et Mi.Le mancheLe manche relie la tête et le corps du violon. Sur le devant, le luthier colle le sifflet (avec ses 4 encoches pour stabiliser les cordes) et la touche en bois d’ébène sur le manche. Comme son nom l’indique, la touche est l’endroit que l’on touche avec ses doigts.Le corps du violonLa caisse de résonance est composée, sur le devant, d’une table d’harmonie, percée par 2 ouïes, à laquelle on oppose un fond. L’instrument compte également 6 éclisses ondulées sur ses côtés. À noter la présence d’un filet (3 brins de bois) incrusté dans la table et le fond pour suivre et souligner les courbures du violon et prévenir les cassures.À l’extrémité basse du violon, une courte cheville de bois dur est enfoncée dans le tasseau : appelée « bouton », elle sert à fixer le cordier, chargé de recevoir les cordes. À noter qu’un sifflet inférieur vient empêcher le cordier d’altérer la table d’harmonie.Entre la touche et le cordier se trouve le chevalet, situé au niveau des ouïes du violon. Ajourée, cette petite planchette d’érable supporte les cordes et transmet la vibration générée par le passage de l’archet. Les grandes parties d’un archetÉtymologiquement, l’archet est le « petit arc » qui accompagne systématiquement (ou presque) tous les violonistes… Là encore, la connaissance de son vocabulaire conditionne sa bonne utilisation… La têteL’extrémité haute de l’archet abrite une plaque de tête, sous laquelle sont fixés les crins de chevaux. Cette protection peut être réalisée en ivoire, en argent, en or, en nacre ou en bois rares, voire en galalithe (un polymère ressemblant à l’ivoire). À son strict opposé se trouve la tête de l’archet.La baguetteLa mèche compte, en moyenne, environ 80 crins d’étalons, provenant de régions froides comme la Sibérie, la Mongolie ou la Mandchourie. Trop lisses pour produire un son, les crins doivent être frottés avec de la résine de pin ou colophane.À l’opposé de la mèche, il y a la baguette : légèrement cambrée, elle est traditionnellement fabriquée en bois du Brésil, même si certains modèles peuvent être conçus avec d’autres matières comme la fibre de carbone.La poignéeAu talon de l’archet se trouve le bouton : il s’agit d’une vis destinée à régler la tension de la mèche, dont l’écrou se situe dans la hausse, sur laquelle se trouve la pastille, traditionnellement faite dans un matériau précieux (nacre, or, argent…).Pour favoriser la préhension de l’archet, il est muni d’une poucette, au début de la baguette, suivie par la garniture. Un fil de métal fin entouré sur 4 centimètres, destiné à équilibrer l’ensemble et à protéger l’archet de l’usure.
0 Apprendre à jouer de la batterie en 8 étapes ...
En autodidacte ou accompagné par un professeur, apprendre à jouer de la batterie se fait progressivement, étape par étape. Ce n’est pas parce l’on frappe des peaux pour produire du rythme et des sons que l’apprentissage est plus facile que celui d’un instrument « mélodique » comme le piano, la guitare ou le violon. Bien au contraire, dans un ensemble instrumental, la batterie est l’instrument qui va donner le tempo et le rythme. C’est sur son rythme que tous les autres instruments vont se caler. Jouer de la batterie demande donc beaucoup de régularité et de rigueur. Pourtant, une fois que l’on a acquis certaines bases, il est rapidement possible de jouer des morceaux qui ont une rythmique simple. L’apprentissage de la batterie, tout comme celui des percussions classiques doit se dérouler étape par étape et être cohérent pour se voir rapidement progresser. Voici donc les fondamentaux d’un apprentissage réussi en 8 points essentiels. 1. Apprendre à connaitre sa batterieCela résonne comme une évidence, mais avant toute chose il est indispensable de bien connaitre son instrument de musique. Une batterie qu’elle soit acoustique ou électronique se compose traditionnellement :D’une caisse claireD’une grosse caisseDe tomsD’un charlestonD’au moins deux cymbales (ride, crash ou splash)Selon les besoins du batteur, la batterie peut s’étoffer avec l’ajout de cymbales supplémentaires ou de toms. Selon les genres musicaux, il est également possible de voir des batteries complétées par des tambourins, des gongs, ou une cloche. Parfois, principalement dans les groupes de hard rock ou de métal on trouve également des batteries avec deux grosses caisses. Cependant, tous ces éléments complémentaires viennent après avoir acquis un certain niveau. Lors des premiers mois, un kit de base sera amplement suffisant !Dès les premières leçons, le professeur de cours de batterie (> Cours de batterie) vous apprendra le rôle de chacune des peaux. Avec le temps vous serez capables de les reconnaître facilement à l’oreille.Par la suite, l’apprentissage des différentes routines d’entretien vous permettra de conserver votre instrument en bon état : nettoyage des fûts, lubrification des tirants, application de paraffine sur le chanfrein, réglage des ressorts, plus vous prendrez soin de votre batterie, plus vous aimerez en jouer.Posséder une batterie acoustique n’est pas à la portée de tous les débutants. Si vous faites vos gammes sur une batterie électronique, ou que vous préférez simplement utiliser cet instrument plutôt qu’un modèle traditionnel, il faudra vous familiariser avec l’installation des kits pour jouer du rock, du métal, du jazz ou de la musique folklorique. L’entretien, de son côté, sera largement simplifié puisque les modèles électriques ne se dérèglent jamais. 2. Se familiariser avec les rythmes de basesInutile de se précipiter sur votre batterie et d’essayer d’imiter Stewart Copeland ou Keith Moon si nous n’avez aucune notion du rythme. La notion de rythme, cela s’apprend et peut se travailler sans batterie. Dans un premier temps, il est indispensable de connaître les temps en binaire :Ronde = pause : 4 tempsBlanche = demi-pause : 2 tempsNoire = soupir : 1 temps2 croches = 2 demi-soupirs : 1 temps1 croche = 2 quarts de soupir : ½ temps2 doubles croches = 2 quarts de soupir : ½ temps1 double croche = 1 quart de soupir : ¼ de tempsEntraînez-vous à battre la pulsation d’une main et de frapper le rythme de l’autre. Au début, si vous avez l’impression d’être lent c’est normal. Il est préférable de prendre une pulsion lente et d’être juste dans son rythme, plutôt que d’accélérer et de perdre la cadence. En vous entraînant régulièrement, les temps deviendront vite un automatisme et vous permettront de jouer vos premiers morceaux avant de passer à des rythmes plus complexes.3. Apprendre à tenir ses baguettesBien tenir ses baguettes, fermement sans être trop raide nom plus est une étape importante de l’apprentissage de la batterie. La batterie se joue à l’aide d’un outil intermédiaire qui prolonge le corps du batteur. Il est possible de les tenir de différentes manières selon son aisance ou son style de jeu. Pour les débutants, les professionnels recommandent une prise dite « Match Grip » à la française. Dans cette position, la baguette se tient entre le pouce et l’index et la paume de la main reste verticale.Pour en savoir plus consultez notre article sur les différentes prises de baguettes . 4. Jouer progressivement sur les percussionsLa difficulté de la batterie réside dans la synchronisation et l’indépendance des mains et des pieds. Contrairement à un autre instrument de musique, la batterie monopolise le corps entier : les yeux pour la lecture de la partition, les oreilles pour l’écoute des sons et du rythme, les deux mains, les deux bras pour réguler l’intensité de la frappe, les deux pieds (pédale du charleston et pédale de la grosse caisse) ainsi que les jambes. Il faut donc être capable de rendre chaque mouvement indépendant des autres.Là aussi, procéder par étape est essentiel pour être certain de prendre de bonnes habitudes. Dans un premier temps, entrainez-vous à enchainer des rythmes sur une table, par exemple, sans les baguettes. L’idée est vraiment de vous focaliser sur le rythme, le tempo et la régularité. Une fois que vous vous sentez à l’aise, prenez vos baguettes et reproduisez les exercices que vous avez effectués sur la table, sur la caisse claire ou bien sur un pad. Après quelques séances vous pourrez alors commencer à entrainer vos pieds. Votre professeur vous fera travailler le charleston et la grosse-caisse. Quand vous serez à l’aise, vous pourrez alors commencer à travailler l’ensemble sur des tempos lents. Au fur et à mesure que vous progresserez, vous accélèrerez le rythme.5. Utiliser un métronomeL’utilisation d’un métronome est fortement conseillée pour tous les instruments de musique et particulièrement pour l’apprentissage des percussions, afin de vérifier que l’on est bien en rythme. Les professeurs recommandent souvent l’utilisation du métronome aux élèves débutants, mais quelque soit son niveau, utiliser le métronome de temps en temps permet de régler certains petits décalages qu’il est parfois difficile d’identifier par soi-même.En tant que batteur, vous êtes le métronome dans le groupe ou l’orchestre. C’est à vous de savoir donner et garder le bon tempo tout au long du morceau. Pour vous entraîner à appréhender les différentes vitesses, essayez de trouver le nombre de pulsations par minute de vos morceaux préférés, à l’oreille ou en comptant. Au fur et à mesure, votre système auditif s’habitue et retrouve de plus en plus facilement les valeurs correspondantes. Inversement, tentez de jouer un rythme à une vitesse donnée, puis vérifiez avec le métronome la pertinence de votre jeu.Tous les morceaux ne s’effectuent pas à vitesse constante. Dans les parties solos, les ponts ou les interludes, il n’est pas rare de constater un changement de tempo sur la partition, d’où l’importance de pouvoir retrouver rapidement la vitesse adéquate.6. Apprendre le solfège rythmiqueLe solfège rythmique est ce qui permet de lire et d’écrire une partition de batterie. Cette étape est redoutée par beaucoup de débutants, et pourtant elle ne constitue pas une difficulté majeure de l’apprentissage. Elle est néanmoins indispensable pour jouer des partitions ou pour retranscrire sur le papier des compositions. Contrairement à une partition de piano, une partition de batterie ne possède qu’une seule portée, toujours composée de 5 lignes. Sur ses lignes sont notés des symboles correspondant aux différentes percussions et aux différents temps. Selon s’il s’agit des cymbales, des toms ou de la caisse claire, les symboles ne seront pas placés au même endroit sur la portée. Il est donc indispensable de tous les apprendre par cœur pour être rapidement à l’aise dans la lecture de partition.Le solfège peut se pratiquer en voyage, dans les transports en commun, sur le canapé de son salon ou sur sa terrasse. Munissez-vous simplement d’une partition et entrainez-vous à la lire en visualisant les gestes dans votre tête. Si cela vous aide, vous pouvez aussi mimer les coups de caisse claire, de cymbales ou de pédale. Plus votre cerveau déchiffre de partitions, plus cet acte devient instinctif et facile.7. Apprendre des rythmes plus complexesSi vous maitrisez déjà tous les points précédents, il est temps de vous attaquer à des rythmes plus complexes, qui vous permettront de diversifier et de nuancer votre jeu. Certaines rythmiques vous aideront à progresser de manière ciblée :le funk : idéal pour bien apprendre à désynchroniser les deux mains et les piedsle shuffle : s’ initier au ternairele swing : travailler l’indépendance, le ternaire et les cymbalesle bossa nova : travailler l’indépendance en binaire et les doubles coups de grosse caissele reggae : maitriser les triolets et les doubles-crochesle jungle : s’entrainer aux rebonds sur la caisse claire8. S’entrainer régulièrement sur sa batterieIl n’y a pas de secret. Pour progresser il faut s’entrainer, et régulièrement. Ce n’est pas en jouant une heure par semaine que vous pourrez constater de gros progrès. Le mieux est de consacrer un peu de son temps chaque jour à la batterie. Même si cela semble peu, jouer 20 minutes par jour est suffisant progresser de manière régulière. Bien sûr, plus vous jouerez, plus vous progressez !La motivation, utile pour réaliser de longues séances, fait souvent défaut au quotidien. Pour parer à cela, fixez-vous un créneau régulier d’entrainement, et tenez-vous à cette habitude. Après quelques semaines, vous n’aurez même plus besoin d’y penser et vous réaliserez votre session quotidienne avec spontanéité. N’oubliez pas de vous fixer des objectifs et de les évaluer après chaque séance, afin de continuer à progresser. Un plan affiché à proximité de votre batterie peut être une solution idéale pour les avoir toujours à l’œil.Vous avez désormais toutes les clés en main pour devenir un bon batteur ! N’hésitez pas à vous faire accompagner par un professeur pour aller encore plus loin.
