Cours de Musique à Paris Categories
0 Piano au conservatoire: l'intérêt de prendre un professeur particulier ...
Dans le cadre d'une formation au conservatoire, choisir professeurs de piano permet d'agencer une progression constante et rapide, et de varier les méthodes utilisées.Quel est le cursus suivi par les pianistes du conservatoire ? Principalement axé sur la voie classique, le conservatoire est un institut qui propose des cursus de formation dans divers instruments. Plusieurs organismes coexistent :Le conservatoire à rayonnement communal/intercommunal, ou CRC/CRILe conservatoire à rayonnement départemental, ou CRDLe conservatoire à rayonnement régional, ou CRRLe conservatoire national supérieur de musique et de danse, ou CNSMD La formation traditionnelle comporte trois cycles de quatre ans, et un cycle de préparation au milieu professionnel. Au cours du premier cycle, les élèves de piano effectuent 2h30 de pratique musicale par semaine, dont 1h dédiée à l'instrument choisi ou attribué. Intéressant, mais pas suffisant pour s'approprier le clavier et décortiquer les morceaux appris. En plus du travail personnel, le recours à un professeur particulier de piano représente un bon complément à la formation au conservatoire pour progresser rapidement. Comment trouver un professeur de piano de conservatoire ? Le statut de professeur de musique ne cantonne pas à un seul type d'activité. Il est donc fréquent de retrouver des professeurs agréés qui donnent alternativement des cours de piano et des leçons au conservatoire. Nos professeurs possèdent les compétences requises et pourront vous aider ou accompagner votre enfant dans son cursus de piano au conservatoire. Le professeur de piano, un soutien disponible Seul devant son piano, difficile de se remémorer les termes appris au cours de solfège et les indications pointées par le professeur. Ce qui semblait limpide et clair lors de la leçon devient beaucoup moins évident hors contexte. Les cours collectifs, fréquents les premières années, ne laissent pas le loisir à chaque élève de poser toutes les questions qu'il souhaite. Un professeur de piano se montre dans ces cas d'une grande aide pour reprendre calmement les points qui posent problème. Plus fréquent est l'entraînement, plus rapide sera la progression. En ajoutant un cours hebdomadaire ou mensuel à votre programme, vous serez d'autant plus sollicité et motivé sur l'apprentissage du piano. Au lieu de développer des réticences lors des séances d'entraînement à force de rejouer les mêmes passages, vous pourrez varier à loisir avec plusieurs morceaux et redonner à votre cerveau le goût du piano. Et qui sait, les exercices proposés par votre professeur de piano particulier vous aideront peut-être à enchaîner ces fameuses variations de Mozart ! Diversifier sa technique et ses méthodes de pianoPour découvrir les bases du jazz au piano ou apprendre des morceaux de variété en complément de votre bagage classique, rien de tel que de prendre quelques leçons en plus du conservatoire. Pourquoi se cantonner à un style, une méthode, une pédagogie ? Lors du cursus de formation au conservatoire, le professeur désigné suit généralement l'élève plusieurs années, ce qui présente à la fois des avantages et des inconvénients. Si le maître de piano connaît parfaitement l'apprenant et sait identifier ses difficultés, les morceaux qui lui conviennent, ou les points à travailler plus intensément, il risque également d'être moins attentif aux nouveautés qui émergent au cours de la vie artistique du pianiste. Goût pour de nouveaux styles de musique, blessures aux doigts ou aux poignets, difficultés à s'éloigner des acquis : les écueils se surmontent parfois plus aisément avec un professeur de piano extérieur, qui apportera un nouvel angle de vue.
0 Distinguer les principales formes de morceaux pour piano ...
À travers les époques, les compositeurs s'appuient sur différentes formes musicales pour créer des morceaux qui respectent certaines structures ou s'en affranchissent volontairement. Le piano constitue peut-être l'un des rares instruments qui se prête aussi bien aux morceaux en solitaire qu'à l'accompagnement du chant, à la musique de chambre ou à la musique d’orchestre. Voici un tour d'horizon des principaux types de morceaux que vous pourrez trouver en piano.Les formes musicales pour piano seul La sonate pour pianoFigure du classicisme et très prisée de Mozart et Beethoven, la sonate fait la part belle à l'instrument dans une structure évolutive qui reprend généralement les quatre mouvements suivants :Un premier mouvement rapide (allegro)Un deuxième mouvement lent (adagio)Une danse (menuet, scherzo)Un quatrième mouvement rapide (vivace) Your browser does not support the video tag. Les danses : valse, menuet, polonaise, gavotte, etc.La musique accompagne de tout temps la danse, qu'elle soit inspirée des traditions régionales (polonaise, mazurka) ou spécifique à une époque (le menuet de Louis XIV, le boléro de Charles III). Ces morceaux ancrent les temps forts pour accompagner les danseurs dans leur évolution, à l'image du trois-temps de la valse. Ils alternent des nuances marquées et jouent sur un tempo vivant, enjoignant au mouvement. Your browser does not support the video tag. Les étudesSi vous suivez des cours de piano, votre professeur pourrait bien vous proposer une étude d'un des maîtres du genre, que Bach a fortement inspirés avec son "Clavier bien tempéré". Pièce destinée à travailler un aspect technique du piano, l'étude ne s'adresse pas qu'aux débutants et figure fréquemment sur le programme des plus grands pianistes d'aujourd'hui dans ses versions les plus abouties. Your browser does not support the video tag. Les variations En partant d'un thème donné, les variations exploitent cette mélodie sous diverses formes en jouant sur la tonalité, le tempo ou l'accompagnement. Le thème utilisé provient du répertoire populaire, sous la forme d'un hymne national ou d'une chanson connue comme les célèbres variations de Mozart sur "Ah vous dirai-je maman". Il peut également être issu d'un morceau contemporain de l'époque du compositeur, qu'il apprécie particulièrement.La fugue pour pianoCette forme typique associe plusieurs voix qui s’interpellent sous la forme de questions-réponses autour d'un thème. La fugue et son principe d'imitation se retrouvent dans les canons, qui au lieu de présenter les voix chacune à leur tour, les mêlent ensemble dans un savant travail de contrepoints. Your browser does not support the video tag. Les morceaux de piano qui accompagnent le chant Le liedLa forme du lied provient de l'Allemagne et désigne un poème assez court chanté avec l'accompagnement d'un clavier. Il revêt une forme caractéristique de la mélodie française, avec couplets et refrains. Romantique par définition de par les textes qu'il utilise, le lied s'inspire de thèmes mélancoliques dont l'amour, la nature, la nuit ou le voyage. Il met en valeur la voix et les grandes capacités d'accompagnement du piano. Your browser does not support the video tag. La cantateDu latin cantare, chanter, la cantate marque l'époque baroque à travers des textes profanes ou sacrés. Une voix, parfois deux ou trois, mettent en musique un poème, et sont soutenues par l'accompagnement d'un ou plusieurs instruments. Cette forme, moins utilisée après la période romantique, reste toutefois largement relayée par des compositeurs récents. Your browser does not support the video tag. Les formes musicales pour piano et orchestre symphonique Le concerto pour pianoCette forme très connue des musiciens peut s'apparenter à un dialogue entre l'orchestre et le soliste. Le thème, repris par l'un ou par l'autre, se développe selon trois mouvements :Un premier mouvement rapide (allegro)Un deuxième mouvement plus lent (andante)Un troisième mouvement rapide (allegro)Il s'apparente de par sa structure précise à la sonate et à la symphonie. Your browser does not support the video tag. Les messesD'un caractère sacré, la messe comporte des textes liturgiques interprétés lors des cérémonies religieuses. Initialement, cette forme musicale concernait exclusivement les chœurs. Elle s'accompagne progressivement d'orgues, de claviers et d'autres instruments, jusqu'à devenir une véritable pièce d'orchestre. Une des compositions maîtresses de ce registre est le Requiem, ensemble de morceaux funèbres joués pour un enterrement. Your browser does not support the video tag. Les suites pour piano et orchestreLa suite constitue l'une des plus anciennes formes de musique. Elle reprend différents morceaux en alternant les tempos, pour produire un ensemble cohérent et agréable à écouter, sans lassitude. La structure d'une suite varie beaucoup selon les époques, elle peut tout aussi bien comporter des morceaux d'opéra, des danses de ballets ou servir de bande-originale à un film. Elle intègre cependant la plupart du temps un prélude ou une ouverture, qui en caractérise la tonalité générale. Your browser does not support the video tag.
0 4 conseils pour créer vos séances d'entrainement au piano ...
Que vous preniez des cours de musique avec un professeur ou que vous appreniez le piano en autodidacte, une notion prime pour garantir la réussite de votre parcours : la régularité. Pour observer une progression constante et satisfaisante, il est essentiel de prévoir des séances d'entraînement aussi fréquentes que possible.S'entraîner au piano : souvent plutôt que longtempsNon, passer deux heures au piano chaque dimanche ne revient pas au même que de pratiquer chaque jour 20 minutes d'exercice. Avoir recours à un professeur particulier de piano ne vous dispense donc pas de vous entraîner entre les cours. C'est d'ailleurs la meilleure façon de retenir ce qui a été abordé avec le professeur.L'intensité de la concentration fluctue, au bout de trois quarts d'heure environ, la majorité des élèves de piano éprouvent des difficultés à conserver leur niveau d'attention. Plusieurs séances de durée inférieure à une heure seront donc plus productives qu'une seule grosse séance hebdomadaire, car le processus d'apprentissage se fait dans la répétition. Fixer un objectif pour chaque séance de pianoAujourd'hui, vous allez approfondir votre connaissance des gammes majeures, travailler le passage difficile d'un nouveau morceau ou développer l'agilité de votre main droite. Mettre en place un objectif défini permet à la fois d’accroître votre motivation, de visualiser votre progression, et d'être efficace même sur des séances courtes. Notez sur un planning hebdomadaire ou mensuel les points clés de vos entraînements, et tâchez d'adapter le contenu de vos séances dans leur intégralité. Par exemple, si vous prévoyez de maîtriser une notion de solfège, faites vos gammes en citant le nom des notes pour vous échauffer. Si votre but du jour consiste à progresser dans l'accompagnement de la main gauche, commencez par réviser vos accords, etc. Un bon objectif doit être court (pas plus de quelques mesures sur un morceau, une seule gamme ou notion à apprendre à la fois), clair et accessible. Ne pas négliger l'échauffement des doigts du pianisteParmi les défauts récurrents chez les débutants, la position des doigts arrive en bonne place. Des mains crispées, qui tremblent ou qui manquent de souplesse entraînent fatalement des difficultés dans le jeu.L'échauffement des doigts et des poignets constitue une étape importante, car elle prépare les articulations et les muscles qui seront sollicités pendant la séance. C'est d'autant plus pertinent en hiver : pour peu que vous jouiez dans une pièce mal chauffée, vous perdrez en fluidité et en confort dans vos mouvements.Afin de pallier aux douleurs de dos et de cervicales inhérentes à la position assise, faites quelques cercles avec la tête, grandissez-vous, puis étirez vos épaules et vos avant-bras. Pour les mains, essayez les techniques suivantes.Imitez un chat qui fait ses griffesSecouez les poignets, comme pour égoutter vos mainsFaites tourner vos poignets dans les deux sensÉtirez vos doigts vers la paume puis vers le dos de la mainAmenez le pouce vers le creux du poignet, puis en arrièreTendez votre bras en avant, coude vers le bas, et tirez vos doigts vers le bas pour étirer le poignet en profondeurÉcartez vos doigts les uns des autres et rapprochez-les, doucement puis rapidement Créer une routine d'entraînement au piano dans de bonnes conditionsLe téléphone qui bip toutes les cinq minutes, la petite dernière qui réclame son goûter, les portes qui claquent à chaque passage... Fuyez toute stimulation inutile qui viendrait perturber votre concentration. D'abord, choisissez un moment fixe pendant lequel vous serez sûr de ne pas être interrompu, si possible le même pour chaque jour d'entraînement, dans un lieu calme éloigné des zones de passage. La meilleure façon de rester régulier, c'est de créer une habitude. Celle-ci se base sur des rituels ou des réflexes qui doivent s'instaurer dès que vous prévoyez de jouer, dont suivent quelques exemples.Déposer le téléphone dans la cuisine, ou le mettre en silencieuxSe laver les mainsRégler la hauteur du tabouretPratiquer quelques respirations conscientesÉcouter une version audio du morceau que vous travaillezInspirez-vous-en pour composer votre propre routine !
0 Bien se préparer pour un concours de chant ...
Plus en vogue que jamais, les concours de chants attirent des milliers de candidats chaque année. Par désir de notoriété ou de reconnaissance, les apprentis chanteurs profitent de ces opportunités pour tester leurs capacités vocales devant un jury averti. Il ne suffit pourtant pas de savoir chanter pour réussir une audition. De nombreux critères entrent en compte et vous permettront d'assurer une prestation de qualité.S'inscrire à un concours de chant ou à une audition Comment trouver un concours de chant ?Il existe une grande diversité de concours, de la simple audition de fin d'année organisée par votre professeur de musique jusqu'au concours international de chant. Avant de vous inscrire à une audition, identifiez le niveau requis en écoutant par exemple les prestations des candidats de l'année précédente, ainsi que le style de chant retenu. Les concours se distinguent généralement entre le chant lyrique ou classique et le chant pop/variété.Vous souhaitez concourir pour une émission de chant télévisée ? The Voice, X Factor ou Nouvelle Star, elles font décoller l'audimat et constituent une voie rapide et efficace pour gagner en notoriété. En revanche, les places y sont rares.D'autres concours s'organisent régulièrement au niveau régional ou national, comme le Tremplin des voix ou les Auditions de la voix. Rapprochez-vous d'une école de musique ou d'un conservatoire pour glaner des informations sur les prochaines dates. Vous trouverez également ces renseignements sur les sites officiels des institutions.Enfin, les maisons de disque recrutent ponctuellement de nouveaux talents en organisant des auditions au cours desquelles elles repèrent le potentiel de certains chanteurs. Elles établissent ensuite des contrats d'engagement avec les artistes sélectionnés. Formalités administrativesLe dossier à remplir pour les inscriptions doit impérativement être envoyé dans les délais. Veillez à y faire figurer vos coordonnées exactes et mises à jour, de façon lisible. Joignez également les documents requis, et une photo qui vous mette en valeur : tenue décente, fond neutre, qualité professionnelle du cliché.En fonction des concours, il pourra vous être demandé d'envoyer une maquette, notamment pour les maisons de disque. Choisissez un enregistrement de qualité sonore optimale, si possible effectué dans un studio avec du matériel professionnel.Choisir une chanson pour un concours de chantLe choix de la chanson est une étape cruciale qu'il ne faut pas négliger. Il est même essentiel de connaitre au moins deux titres à interpréter. Vous souhaitez quelques pistes à suivre pour déterminer le morceau idéal ? Ce dernier doit dans la mesure du possible respecter ces indications :Niveau de chant adapté, sans difficulté technique pour vousFacilité d'interprétation dans le style et la mélodieChanson qui correspond à votre âge et à votre personnalitéTesté au moins une fois avec succès sur un publicRespecte votre tessitureParoles en anglais ou en français (un titre de chaque dans l'idéal)Les deux morceaux doivent être bien distincts (une ballade et une chanson rythmée par exemple)Chanson qui a une signification pour vousFait partie de votre répertoire habituelRéservez également un morceau que vous pouvez interpréter a capella, en cas de soucis techniques ou de demande particulière du jury.La préparation physique et mentale au concours de chant Connaître sa voix et la travailler correctementEn suivant un cours de chant, vous apprendrez le bon placement de la voix, et comment tirer parti de vos talents de chanteur. Si vous êtes autodidacte, suivez les conseils des professionnels distillés sur les plateformes vidéo, les blogs consacrés au chant ou les sites personnels pour trouver votre voix sans abîmer vos cordes vocales.L'un des points importants pour un concours sera de savoir placer votre voix pour gagner en puissance, car le jury peut vous demander de chanter sans sonorisation.Apprendre une chanson pour un concoursEn théorie, vous connaissez déjà la chanson que vous allez interpréter. Cependant, ce n'est qu'à force de répétitions quotidiennes que vous intégrerez parfaitement le sens et la mélodie du morceau.Portez une attention particulière aux paroles. Apprenez-les par cœur, en vous entraînant à commencer depuis le deuxième couplet ou le refrain plutôt que systématiquement au début, car le jury pourra vous demander de reprendre un passage en particulier. Il est également intéressant de pouvoir situer la chanson dans son époque, et de connaitre quelques détails de la vie de son auteur ou de son principal interprète.Construisez votre personnage en jouant sur votre tenue de scène. Sans en faire trop, harmonisez le contexte ou le style de votre répertoire avec vos habits. Ils doivent vous laisser respirer amplement, sans serrer la poitrine ou le ventre.Un petit conseil pour vous améliorer et repérer vos points faibles : enregistrez-vous en vidéo puis regardez avec attention votre gestuelle, votre visage, vos pieds, votre façon d'aborder les passages plus difficiles.Quel accompagnement choisir pour une audition ?Pour les concours lyriques, il vous faudra obligatoirement disposer d'un accompagnateur pianiste. Si possible, répétez votre morceau plusieurs fois en sa compagnie, et échangez sur l'interprétation que vous souhaitez lui donner.Pour les concours de variété, l'accompagnement est plus libre. Si vous disposez d'une trame sonore, elle doit être d'excellente qualité. S'accompagner avec son propre instrument reste possible, mais peut entraver la concentration et le positionnement pour une voix bien placée (en jouant assis par exemple). Quel que soit votre choix, là encore, répétez et répétez votre morceau pour ne pas rater votre entrée. Vaincre le trac pour réussir le concoursDepuis la méditation jusqu'aux techniques de respiration, les façons d'apaiser le corps et le mental se rejoignent vers le souffle. À vous de trouver celle qui vous convient le mieux.Pour vaincre le trac, rien ne vaut l'entraînement. Profitez de toutes les situations qui se présentent pour parler en public. Les karaokés, par exemple, permettent de se produire devant un public inconnu, sur des titres variés.Pensez à sourire, cette simple action détend les muscles du visage et apporte un réel bienfait psychologique. La visualisation positive, souvent utilisée par les sportifs de haut niveau, permet d'appréhender une situation en se la représentant plusieurs fois mentalement. Associez-y quelques phrases positives : Je vais réussir, Je connais les paroles, J'ai confiance en ma voix...La prestation finale : réussir son audition de chant Logement, déplacement, comment s'organiser pour se présenter au concours ?Les concours se déroulent généralement dans de grandes villes. Si vous devez vous déplacer, prévoyez votre moyen de transport et éventuellement votre logement, avec une bonne marge horaire. Moins vous serez stressé par les impératifs matériels, plus vous serez apte à aborder le concours sereinement.Bien que cela ne soit pas toujours possible, essayez de visiter la salle d'audition pour avoir un aperçu de sa taille, et de son acoustique. Enfin, gardez du temps pour vous relaxer avec un bain chaud, une promenade dans un parc ou un footing de dernière minute.Les horaires indiqués pour les auditions sont rarement respectés. Arrivez en avance et échauffez impérativement votre voix, pour ne pas vous blesser. Il est recommandé de conserver une bonne hygiène de vie avant de chanter.Interprétation : entre justesse et personnalitéC'est le moment de vous lancer, vous arrivez sur scène devant le jury. Respirez profondément, imprégnez-vous de l'ambiance, et entrez dans votre personnage.Inutile de commencer à douter : lâchez prise sur les détails insignifiants et concentrez-vous sur ce que vous savez faire, chanter. Si vous connaissez votre morceau et que vous vous êtes bien échauffé, une audition n'est rien de plus qu'un entraînement comme vous en avez pratiqué. Restez précis, notamment sur la justesse des notes, et évitez l'improvisation et les effets trop travaillés.Votre interprétation comporte l'aspect musical, mais également toute votre gestuelle et votre présence. N'hésitez pas à regarder les personnes présentes, à accompagner vos phrasés d'une main naturelle. Articulez suffisamment pour que le public puisse saisir le sens de la chanson. Que faire en cas d'oubli des paroles ou d'erreur ?C'est arrivé aux plus grands : un trou de mémoire, une phrase échangée avec une autre, un décalage sur le tempo. Dans la mesure du possible, il vaut mieux rattraper la chanson et continuer plutôt que de recommencer. Si vous oubliez les paroles, reprenez celles du premier couplet. Si vous êtes en léger décalage, chantez moins fort le temps de vous remettre sur l'accompagnement.L'important est de savoir rebondir et continuer malgré tout. Une erreur sera vite oubliée si vous chantez le reste du morceau avec passion et justesse. Elle peut même passer inaperçue.Débriefing après le concours de chantVous voici de retour dans les loges, le cœur battant la chamade et les mains moites. Félicitez-vous d'avoir été jusqu'au bout ! C'est l'heure d'un retour en arrière sur votre performance. Tenez compte des opinions que le jury vous a éventuellement délivrées, mais également de celles des autres candidats. C'est d'ailleurs en les écoutant chanter que vous identifierez certains points forts à vous approprier. Et, quel que soit le résultat du concours, continuez à vous entraîner régulièrement. C'est la seule façon de devenir un bon chanteur !
0 Comment choisir l'archet de mon violon ? ...
L’archet est l’accessoire essentiel sans lequel le violon n’est rien (et vice versa). Également utilisé pour d’autres instruments à cordes frottées, comme le violoncelle, l’alto ou encore la contrebasse, l’archet est une baguette qui se choisit avec soin – tant au niveau des matériaux utilisés pour sa conception qu’au niveau de sa prise en main. La composition d’un archet de violonL’archet moderne est le fruit du travail d’un archetier français : François Xavier Tourte (1747-1835). Présent dans le monde entier, sa composition reste la même depuis ses origines. Seules les matières peuvent varier… D’apparence simple, sa fabrication nécessite un véritable savoir-faire ! La partie principale de l’archet est composée de la baguette et de la mèche. À la pointe, on oppose la tête à la plaque de tête qui retient les crins de la mèche. À l’extrémité du talon, on trouve le bouton, la poucette et la garniture, avant de retrouver la baguette. En dessous, après le bouton, on retrouve la hausse (sur laquelle se trouve la pastille) et la virole, chargé d’accueillir régulièrement les crins.Les critères liés à l’archet du violonLa baguette d’archetGénéralement, plus l’archet est cher, plus il est confectionné dans des matériaux de qualité. Sur le marché des archetiers et des luthiers, nous pouvons trouver des baguettes en matériaux composites (fibre de verre et fibre de carbone) et en bois (bois du Brésil ou Pernambouc).En matériaux compositesLA FIBRE DE VERREComposées de plastique renforcé par du verre, les baguettes d’archet en fibre de verre se moulent très facilement, ce qui réduit leur coût de fabrication. Elles sont particulièrement adaptées pour les enfants, car elles s’avèrent très résistantes aux chutes et aux abrasions. Sans oublier le prix, très attractif, qui permet de mieux accompagner l’apprentissage de l’enfant, puisqu’avec l’évolution de la taille de son instrument, il devra faire évoluer celle de son archet.Pour les violonistes plus accomplis, ce choix de baguettes est rarement considéré dans la mesure où elles s’avèrent plus lourdes que les autres, tout en offrant un mauvais rebond et une mauvaise réponse par rapport aux autres modèles.LA FIBRE DE CARBONEÀ la fois rigides et légères, les baguettes d’archet en fibre de carbone assurent un excellent ratio résistance / poids. Leur qualité offre des performances nettement supérieures aux baguettes en bois d’entrée de gamme. Le contrôle de leur fabrication permet de prédéterminer, aussi bien leur rigidité, leur équilibre que leur réponse. En boisTraditionnellement, un archet en bois bénéficie d’une meilleure confection qu’une baguette synthétique, même s’il convient de faire très attention à l’essence utilisée : il est vivement recommandé de se limiter au bois du Brésil et au pernambouc, dont les essences sont parentes. LE BOIS DU BRÉSILParmi les espèces de bois du Brésil plébiscitées par les artisans se trouvent l’ipé rose, le massaranduba ou encore le bois rouge. Attention toutefois, certains luthiers ou archetiers peuvent préférer d’autres espèces, réputés plus stables. Pour contrôler l’absence de déviation, il suffit de placer l’archet au niveau de son œil et regarder sur toute la longueur de l’objet - de la hausse et la pointe. PERNAMBOUCPoussant au nord du Brésil, le pernambouc est un bois, à la fois dense et rigide, doté d’une belle couleur rouge. Menacée depuis des siècles par des exportations massives (pour en extraire sa teinture), l’espèce est aujourd’hui protégée, surveillée de près par des associations de luthiers et d’archetiers. La mècheLa mèche est constituée d’environ 80 crins blancs, issus de la queue des chevaux blancs provenant de régions froides, telles que la Sibérie, le Canada ou la Mongolie. En effet, le climat assure la production de crins, à la fois plus épais et plus résistants que dans des milieux tempérés, voire chauds.À noter qu’il est possible de voir des crins foncés, d’apparence plus grossière. Offrant une meilleure accroche sur les cordes épaisses, ils sont utilisés par les contrebassistes.S’il existe des substituts synthétiques, la différence est telle que même les débutants peuvent l’apprécier : à ce jour, rien ne remplace le crin de cheval !La hausseLa hausse correspond à la partie coulissante qui met en tension les crins de la mèche. La matière utilisée influence le prix final de l’archet : elle peut être en plastique, en bois, en métal, en os, en écaille de tortue ou en ivoire de mammouth ou d’éléphant. Majoritairement, elle est réalisée en métal ou en ébène. Le boutonSitué à l’extrémité de l’archet, le bouton – par un mouvement de rotation - assure le réglage de la tension des crins : traditionnellement, il s’agit d’un cylindre de bois d’ébène agrémenté d’une bague d’argent. Avant tout achat, il est vivement conseillé de l’actionner, pour tester si les crins se relâchent et se tendent correctement. Les critères liés au maniement de l’archet du violon Avant de choisir votre archet de violon, il s’agit de déterminer dans quelle catégorie vous vous inscrivez. Pour des archets d’étude, le prix oscille entre 20 et 250 €, tandis que pour des modèles semi-professionnels, cela peut aller de 300 € à 1 000 €.Enfin, au-delà des matériaux utilisés pour sa composition, le violoniste doit pouvoir apprécier l’archet – que ce soit en termes de maniabilité, de son ou de taille. Pour cela, il devra le tester avec son instrument, avant tout achat. La sonorité de l’archetLes essais devront être réalisés sur le même violon pour qu’ils aient une véritable valeur dans l’évaluation de l’archet. Idéalement, il faudrait que le morceau interprété soit également le même. De cette manière, le timbre, les capacités acoustiques de l’instrument, tout comme les mouvements seront identiques : la seule variable sera l’archet testé.Débutant ou violoniste émérite, tout le monde peut appréhender les différences de sons d’un archet à l’autre. La maniabilité de l’archetLe violoniste doit pouvoir apprécier le contrôle et la vitesse de son archet. Or, pour assurer un parfait rapport entre ces deux notions, l’archet doit peser entre 60 et 65 grammes. Plus léger, il privilégie la vitesse ; plus lourd, il privilégie le contrôle.Cette maniabilité est plus difficile à appréhender chez les violonistes débutants, dont le jeu est encore assez limité. Pour eux, mieux vaut s’en remettre aux conseils de leur professeur de violon ou du luthier sollicité. La taille de l’archetL’archet doit être adapté à la taille du violon. Il faut savoir que les instruments vont de 37 à 58 cm de longueur totale. Par exemple, un violon 1/16 (37 cm) est parfait pour des enfants de 3 ou 4 ans. Les adolescents d’environ 12-13 ans pourront jouer sur un violon d’adulte, un violon entier ou 4/4. À noter qu’il existe également un « violon de dame » de taille 7/8 (se situant entre le 3/4 et le 4/4). Pour conclure, le choix d’un archet est très subjectif : il dépend de votre violon et de votre ressenti propre. Si vous devez, évidemment, considérer la dimension « prix », cette donnée n’est pas essentielle et ne peut s’apparenter systématiquement à un gage de qualité. Un modèle à 80 € pourra vous convenir, alors qu’il n’ira pas du tout à un autre violoniste… Ici, tout est affaire de confort, de qualité de jeu et de son, des éléments directement connectés à votre expérience de violoniste et à votre oreille.
0 Piano : 10 morceaux faciles à jouer pour les débutants ...
Pour progresser au piano, le plus simple est de commencer par imiter ses prédécesseurs. Voici 10 morceaux faciles à jouer pour les apprentis pianistes. Imagine – John Lennon (1971)La chanson phare de John Lennon fait partie des indispensables du répertoire de tout pianiste. Rythme lent, accords classiques, mains faciles à coordonner : la ballade pop ultime est aussi simple à jouer que belle à écouter. La lettre à Elise - Beethoven (1810)Le classique absolu du piano. Les pianistes ne sachant pas jouer la Lettre à Elise se comptent sur les doigts de la main. Le morceau n’est pas évident à reprendre entièrement, mais la première partie (la plus connue) est nettement plus simple que les suivantes. Cette mélodie est parfaite pour développer votre sensibilité en raison des nombreuses nuances à apporter pour la rendre plus vivante. Dream on - Aerosmith (1973)Le piano joue un rôle essentiellement rythmique sur ce morceau, les deux mains se complètent naturellement et le tempo est raisonnable : pas de difficulté notable. Vous pouvez attaquer ce standard du rock très tôt dans votre apprentissage. Comptine d’un autre été – Yann Tiersen (2001)La musique culte du Fabuleux destin d’Amélie Poulain est sans doute compliquée pour les tout débutants, mais reste tout de même assez vite abordable. L’essentiel de la difficulté réside, comme souvent au piano, dans l’indépendance des deux mains. Cependant la partie jouée par la main gauche est la même tout au long du morceau, ce qui vous laissera l’opportunité de vous concentrer sur la main droite pour jouer la mélodie. Breakfast in America - Supertramp (1979)Les deux mains ne jouent ici que des plans rythmiques très simples et il n’y a pas de difficulté technique particulière, bien au contraire. Le tout sera de mettre les accents aux bons endroits afin de retranscrire le feeling du morceau originel. Angie – The Rolling Stones (1973)Travailler cette chanson permet de rompre la monotonie : alors que les morceaux les plus faciles à jouer consistent souvent en la répétition d’un motif, sa partie de piano est assez variée et suit une évolution tout au long de la musique. Le challenge n’est pas spécialement technique mais apprendre à jouer Angie devrait bien vous occuper. Someone like you - Adele (2011)Des arpèges par séries de 3 notes, de longs accords… il est difficile de faire plus simple. Le piano, très sobre, est avant tout là pour accompagner la voix d’Adele, ce qui ne vous empêche pas de vous entraîner à le reproduire. Back to black – Amy Winehouse (2006)La singularité de la partie de piano tient dans l’utilisation des mains. Alors que vous êtes habitué à jouer le rythme avec la main gauche et la mélodie avec la droite, vous aurez ici à faire l’inverse. Mis à part cela, rien de bien déroutant. Halloween Theme – John Carpenter (1978)Voilà de quoi égayer vos longues soirées d’hiver. La musique associe une mélodie répétitive et de longs accords au son très lourd. En somme très simple à reproduire, mais il faudra un travail d’interprétation pour retranscrire cette ambiance oppressante. Hold the line – Toto (1978)Techniquement, Hold the line est assez facile et le positionnement des doigts ne devrait pas vous poser problème. L'enchaînement des accords vous paraît peut-être difficile, mais vous y arriverez si vous prenez le temps de les travailler un par un . En vérité, le défi tient surtout dans la vitesse d’exécution, notamment au niveau de la main droite qui doit jouer à un rythme soutenu. Etudiez ce morceau pour améliorer votre vélocité et votre endurance. Une pratique assidue est essentielle pour progresser, mais rien ne remplace des cours de piano. Trouvez le professeur qu'il vous faut et lancez-vous ! Pour en savoir plus sur la musique et ses bienfaits, nous vous invitons à télécharger notre livre blanc !
0 Top 10 des morceaux faciles à jouer au violon pour les débutants ...
Le violon est un instrument qui semble toujours complexe lors des premiers mois d’apprentissage. Alors que le piano ou la guitare semblent proposer de larges palettes de morceaux accessibles, le violon ne jouit pas de la même image. On fait tomber les masques et nous vous livrons 10 morceaux faciles à jouer au violon, accessibles aux débutants.1. La mélodie de votre chanson préférée !Nous ne le répéterons jamais assez : la musique est une histoire de patience, de travail mais aussi de passion. Et si vous progressiez à l’aide d’une de vos chansons préférées ? Demandez à votre professeur de cours de violon (> Cours de violon retranscrire les notes chantées par votre groupe ou artiste préféré. Il est très probable que cet air vous entraîne dans de longues heures de pratique instrumentale, et de chant aussi par la même occasion. Vous pouvez aussi chercher sur internet la partition du morceau en accès libre. Même si celle-ci est originalement écrite pour un autre instrument, concentrez-vous sur la ligne mélodique et vous obtiendrez déjà un air très agréable. Certains logiciels de musique vous aideront également à écrire une partition simplifiée ou à transposer une mélodie pour pouvoir la jouer plus facilement. Avec un peu de créativité, et quelques notions de solfège, vous pouvez même écrire vos propres morceaux !2. La Valse n°2 de ChostakovitchRendue célèbre par de nombreux films ou publicité (pour une grande banque française notamment), cette valse de Chostakovitch est connue de tous, à la fois entêtante, entraînante et gaie. C’est une valse accessible qui plaît toujours au violoniste, mais aussi à son entourage. Septième et avant-dernier morceau de la "Suite pour orchestre de variété n°1", cet air joyeux présente le mérite de rallier à sa cause aussi bien les amateurs de variété que les mélomanes de musique classique. Cette mélodie est idéale pour travailler le rythme en trois temps, qui sert à mieux appréhender ensuite les morceaux en ternaire (pour lesquels chaque temps est divisé en trois croches au lieu de deux dans le rythme binaire). 3. La lettre à Elise de BeethovenNon, la Lettre à Elise n’est pas seulement réservée aux pianistes. Comme pour de nombreuses autres partitions de piano célèbres, la partie écrite pour la main droite peut être jouée par un violoniste débutant. Cette précision vaut pour beaucoup d’autres morceaux, demandez conseil à votre professeur.Le violon ne reproduit pas l'intégralité des notes extrêmes que le piano atteint, mais il dispose tout de même d'une large tessiture propre à jouer des mélodies variées. Dans le cas où il vous semble impossible d'atteindre certaines notes de la pièce de Beethoven, n'hésitez pas à les jouer à l'octave inférieure ou à improviser. 4. Le Canon de PachelbelLà encore, ce classique des classiques est un morceau accessible aux violonistes débutants, et qui porte quand même toute la puissance d’une musique qui a traversé les siècles. Commencez à le jouer et écouter vos proches chantonner peu à peu.Le début, lent et mélodieux, vous familiarisera avec les gammes. La deuxième partie du morceau, plus rapide et plus difficile, demandera plus d'entraînement pour être bien exécutée. Pour un résultat encore plus prenant, faites vous accompagner d'un piano sur les accords, ou d'une piste de playback. 5. Amazing GraceCet air traditionnel irlandais est présent dans de nombreux films, séries et repris de nombreuses fois dans les séries télévisées, et même les églises ! Le doigté est simple, les mouvements assez lents, le combo gagnant pour les violonistes débutants. Les chansons traditionnelles irlandaises sont une mine d’or pour les violonistes, tous niveaux confondus. En effet, les instruments à corde ont la part belle dans la musique folklorique, le violon en étant l'un des représentants les plus célèbres, et les plus faciles à transporter lors des fêtes traditionnelles ou des soirées en famille. 6. Le générique du film TitanicQuel que soit votre âge, difficile de ne pas connaître la musique du film Titanic. La bande originale chantée par Céline Dion sera sublimée par votre jeu au violon. Là encore, pas de complexité technique, juste des émotions à faire passer à votre public, qui aura une nouvelle fois envie de chanter.Vous aimez manier l'informatique, disposez d'un logiciel et d'un matériel d'enregistrement adéquat ? Jouez une première fois l'accompagnement à base d'accords simples, avec un métronome si vous avez du mal à garder le rythme. Sauvegardez la piste et entraînez-vous ensuite à reproduire la mélodie soutenue par l'audio créé : c'est un excellent moyen de travailler la régularité dans le tempo. 7. Les berceuses pour enfant Les berceuses telles que celle de Brahms, comme "Lullaby" sont des morceaux qui lient douceur, lenteur et qui seront très appréciés de votre entourage. C’est aussi un beau moyen de faire découvrir le violon aux plus petits. Si l'aspect technique n'est pas le plus important, la justesse du son et l'expressivité prennent le pas sur le respect du rythme. Laissez-vous porter par l'air sans craindre de faire des pauses plus longues ou retenir certaines notes. C'est ainsi que vous obtiendrez une berceuse agréable et reposante. 8. Santiano d’Hugues AufrayLa chanson de marin Santiano est une incontournable des soirées « feu de camp » mais pas seulement ! Elle peut être jouée dès les premières années de violon, apprise en pizzicati puis jouée avec l’aide de votre archet en liés. Apprenez également les accords qui accompagnent la chanson pour pouvoir alterner avec la mélodie et soutenir les chanteurs improvisés, qui ne pourront pas se retenir d'entonner l'un ou l'autre complet. 9. Ave MariaSchubert, Caccini, Gounod, Bach… Tous les grands compositeurs ont écrit des Ave Maria magnifiques. Ils vous permettront de jouer des morceaux connus, lents et assez simples, tout en vous faisant travailler votre vibrato et vos mouvements d’ouverture et de fermeture. Un(e) de vos proches apprécie le chant lyrique ? Pourquoi ne pas l'accompagner dans l'interprétation de l'un de ces chefs d’œuvres ? Jouez dans ce cas les notes de la basse, ou la mélodie à la tierce (séparée par des notes originales de deux tons, comme le do et le mi). 10. La musique du jeu TétrisRien que l’évocation du nom du jeu vous fait venir en mémoire la mélodie qui l’accompagnait. Ce morceau russe nommé en réalité « Korobeiniki » et écrit par le compositeur Nikolaï Nekrassov, vous donnera envie de jouer de plus en plus vite, entraînant à la fois votre mémoire et votre jeu de doigts. Grand classique des musiques soviétiques, le violon côtoie aussi bien les orchestres symphoniques que les rues animées de Moscou. Sa polyvalence lui permet d'exprimer aussi bien la joie que la tristesse, le désespoir le plus profond ou enthousiasme le plus communicatif. Après avoir travaillé ces morceaux, vous disposerez peut être du niveau adéquat pour aborder un autre grand classique du folklore russe, "Kalinka", une chanson dansante également très connue.
0 Comment apprendre l’improvisation au piano ? ...
Beaucoup de pianistes ayant une formation classique partagent la même difficulté : se détacher de sa partition. Contrairement à la guitare où une majorité d'apprentis guitaristes apprennent à jouer à l'oreille, les apprentis pianistes apprennent à reproduire ce qu'ils voient sur une partition et non ce qu'ils entendent. Résultat, beaucoup se sentent désemparés quand il s'agit de faire preuve de création et de laisser libre cours à leur imagination. Voici quelques astuces pour initier les élèves de piano à l'improvisation. La base de l'improvisation : la techniqueAvant toute chose, le B.A. BA est d’aider votre élève à se bâtir des fondations très solides en technique et théorie musicale. Pendant les leçons, vous êtes déjà concentrés sur le doigté, la position des mains, les gammes et tant d’autres choses, mais il faut également leur apprendre à avoir une bonne oreille et une bonne compréhension de la composition théorique des morceaux. Comprendre la construction et la structure des morceaux est indispensable pour que vos élèves soient capables de devenir des improvisateurs de génie.Un bon répertoire musicalChoisissez un répertoire, un répertoire qui aura du sens pour votre élève. Le but étant de lui fournir tous les outils, tous les éléments dont il aura besoin pour pouvoir improviser sans difficulté sur différents styles musicaux. Pour plus d’efficacité, faites travailler l’improvisation sur les morceaux que votre élève apprend ou bien encore sur une chanson avec laquelle vous savez qu’il est déjà à l’aise. De bons exemples chez les musiciensAvant de lancer votre élève tête baissée sur la création de A à Z de ses propres solos, donnez-lui tout d’abord à écouter et à étudier ceux d’autres artistes. Il pourra alors retranscrire ces solos et apprendre à les jouer seulement à l’oreille avec les rythmes et articulations. Ce seront de très bons entraînements et de bons exemples pour lui permettre de découvrir son propre style.Guidez son élève pas à pasComme pour n’importe quel autre morceau que vous leur apprenez pendant vos leçons, mettez en évidence les gammes et les accords utilisés dans la construction des solos que vous lui montrez en exemple. Faites le lien entre la manière dont les gammes sont liées aux accords et comment ils peuvent être utilisés pour fabriquer ses propres solos. Improviser ce n’est pas juste se laisser porter par l’inspiration, au départ, cela s’apprend et demande de la rigueur. Encouragez sa part de créativité musicaleUne fois que votre élève maîtrise le solo que vous lui avez donné à travailler en guise d’exemple, encouragez-le à doucement y intégrer ses propres idées, sa touche personnelle. Il est essentiel qu’il se détache peu à peu de la théorie et commence ainsi à sortir du cadre et à jouer avec ses émotions. Vous pouvez l’aider en utilisant une piste d’arrière-plan pour qu’ils se focalisent simplement sur le solo. Et rappelez-lui qu’il n’y a pas de mauvaises notes quand on expérimente l’improvisation ! Il est important d’explorer et de trouver sa voie. Il ne faut pas que votre élève ait peur de faire des erreurs, encouragez-le à essayer, tenter de nouvelles choses. C’est en tâtonnant voire en se trompant qu’il apprendra énormément.Le mot de la finPendant les cours de piano, continuez à faire attention au doigté, à la position des mains et à tous les autres détails techniques pendant que votre élève improvise. Faire des solos ne devrait pas être qu’une envie hors de portée. Alliez théorie, technique et pratique pour que votre élève soit à l’aise sur ses bases quel que soit le morceau. Mélangez cela avec des morceaux plus classiques pour pouvoir mettre en évidence les similarités entre les techniques nécessaires pour bien jouer, quel que soit le style de musique que votre élève veut jouer. Avoir une bonne technique permet de savoir mieux improviser de manière créative et leur permettra peut-être de déchaîner les foules un jour, qui sait ! Dans le même thème : Comment jouer du piano en transmettant de l'émotion ? / 8 incroyables bienfaits de l'improvisation pour apprendre la musique.
0 Comment jouer du piano en transmettant de l’émotion ? ...
Jouer d’un instrument tout en étant expressif et communicatif est l'objectif de bon nombre de musiciens. Vous êtes-vous déjà retrouvé à jouer le même morceau encore et encore jusqu’à vous rendre compte qu’il sonnait toujours de la même façon ? Il n’y a aucun point culminant : pas de mystère au début, et la fin n’apporte pas de véritable final transcendant. La beauté d’un concerto de piano, c’est que chaque performance sera différente si le pianiste transmet à travers sa musique une part de son émotivité. Qu’est-ce qu’être expressif en musique?Etre expressif, c’est donner de la valeur ajoutée aux mélodies. C’est comprendre l’histoire que le compositeur a voulu raconter à travers son œuvre afin qu’elle soit dévoilée par celui qui l’écoute, ou exprimée le pianiste.Etre expressif peut également signifier ajouter sa propre interprétation de l’œuvre, et lui donner un peu de soi-même afin de le partager avec le public.Existe-t-il une véritable méthode pour être plus communicatif sur scène ?Chacun possède son propre moyen d'expression, subjectif et très personnel. Cependant il est possible de mettre en place certains comportements qui vous aideront à faire ressortir votre émotion dans votre manière de jouer du piano. Voici une courte liste d’attitudes qui vous permettront de jouer tout en faisant preuve d’expressivité, avec un peu d’entraînement toutefois. Et peut-être serez-vous capable d’émouvoir votre public aux larmes… Susciter de l'émotion en jouant du piano :1. Faites un choix entre exprimer les sentiments du compositeur et l’histoire derrière son morceau ou vos propres émotions.2. Si ce sont les émotions du compositeur que vous voulez exprimer, faites quelques recherches sur le morceau ou la chanson en question. Essayez de comprendre ce qu’il a vraiment voulu partager avec son auditoire et décelez l’image ou l’histoire cachée derrière son œuvre.3. Vous devez également essayer de vous « connecter émotionnellement » avec l’œuvre que vous interprétez. Peut-être qu’un passage vous évoquera quelque chose et que vous comprendrez mieux ce que le compositeur a voulu exprimer.4. Si vous voulez exprimer vos propres sentiments, donner votre propre conception du morceau, cela signifie que vous devez trouver une représentation récurrente en vous. A chaque fois que vous jouerez cette œuvre, il vous faudra invoquer cette image, la rendre aussi réelle que possible pour vous, et créer un lien avec elle.5. Il faut que vous soyez capable de jouer votre morceau sans rencontrer la moindre difficulté technique. Dans le cas contraire, il vous sera difficile de vous concentrer ce qui aura pour effet de laisser totalement de côté l’aspect émotionnel de l’œuvre. Une fois que vous la connaissez parfaitement vous pourrez vous occupez de l’image qu’elle génère en vous. 6. N’hésitez pas à combiner plusieurs éléments techniques, de Piano à Fortissimo, afin de créer des vagues musicales. Travaillez bien les nuances et les temps de pause qui donneront du relief et de la rondeur au morceaux. Souvenez-vous qu’une phrase musicale n’est pas conçue pour être monotone. Il y a toujours différentes dynamiques en œuvre, et vous devez faire en sorte de mettre en évidence chaque partie du morceau. Chaque composition a son point culminant, alors gardez un peu d’énergie pendant que vous jouez pour que ce soit parfaitement exécuté.7. Si vous avez des difficultés à exprimer vos émotions en dehors de la scène, vous trouverez la tâche particulièrement ardue une fois devant votre piano. Essayez d’en parler avec une personne particulièrement expressive durant ses performances. Puis installez-vous au piano et jouez la même phrase musicale de plusieurs façons différentes. Essayez de le faire les yeux fermés, le menton baissé, en essayant de vous connecter à vos émotions et à la représentation mentale que vous avez créée à partir de l’œuvre.Une fois que vous aurez procédé étape par étape, vous deviendrez à coup sûr plus expressif en jouant de votre instrument. A chaque fois que vous serez au piano, vous offrirez une petite part de vous-même à tous ceux qui vous écouteront. Une forme d’amour.Le mot de la fin De l’amour que vous exprimerez à chaque performance, et votre audience ne vous en aimera que plus encore lorsqu’elle verra que vous lui offrez une des plus belles parties de votre personnalité. Une bonne raison de vous ouvrir aux autres ! Et si vous avez besoin d'aide et d'être guidé n'hésitez pas à faire appel à un professeur de piano !
0 Les différents styles de musique joués à la guitare ...
Du choix de l’instrument à celui des morceaux interprétés en passant par la posture prise pour jouer, le style de musique de référence d’un musicien influence jusqu’à son look vestimentaire. Loin d’être une lubie d’artiste, cet ensemble de stratégies permet d’exprimer une personnalité unique, qui peut tout aussi bien emprunter à plusieurs univers.Pourquoi est-ce important de connaitre les différents styles en guitare ? L’ensemble de la théorie musicale, sous la forme du solfège, est la même pour la musique classique ou le rock ‘n’ roll, et même pour le flamenco et le métal symphonique. Cependant, chaque style présente des particularités techniques qui lui sont propres, qu’il convient de connaitre si vous souhaitez reprendre des morceaux de ce registre. L’improvisation au jazz sur des accords complexes, les rythmiques endiablées de la musique espagnole, la saturation maîtrisée du hard rock sont autant de points incontournables qui font de chaque style un véritable domaine de connaissance.Bien qu’il soit judicieux en tant que débutant de tenter différentes manières de jouer, le guitariste professionnel se doit de trouver son identité en dominant à la perfection les techniques appropriées. En suivant des cours de guitare, vous pourrez demander à votre professeur de vous faire découvrir plusieurs styles, pour repérer celui qui semble le mieux vous correspondre. Pour vous aider à appréhender les spécificités de chacun, voici un résumé des grands genres musicaux joués à la guitare, et leurs principales caractéristiques. Le classique en guitare, une base solide et exigeanteDe nombreux guitaristes ont débuté avec des cours de musique classique, comme au piano ou au violon. En effet, le classique permet d’ancrer des notions de solfège utiles dans tous les milieux, et d’améliorer sa technique sous tous ses aspects. Cette voie, jugée la plus difficile avec le jazz, apporte toutefois une maîtrise complète et précise de l’instrument, ainsi que de la musique en générale.Les techniques spécifiques du classiqueLes guitares classiques conservent leur douceur et leur musicalité par l’usage quasiment exclusif de la technique des doigts pincés. Les arpèges ainsi produits s’organisent avec une belle liaison, plus difficile à effectuer en utilisant un médiator.Du côté des morceaux classiques pour guitare seule, on retrouve des pièces qui mêlent accompagnement et ligne mélodique dans le même instrument. La difficulté réside donc dans l’acte de bien faire entendre les notes principales tout en assurant la base régulière. La position adoptée dans le classique rejoint celle des joueurs de flamenco, avec un manche bien relevé et une caisse calée entre les cuisses. Your browser does not support the video tag. Il faut également connaitre la musique, et particulièrement le solfège, car les partitions de guitare classique se rédigent normalement sur des portées, et non sur des tablatures.Choisir une guitare pour jouer de la musique classiqueLa guitare acoustique, c’est-à-dire non électrique, est l’instrument le mieux adapté pour l’interprétation de morceaux classiques. Dans les orchestres, on retrouve généralement des modèles issus d’artisans luthiers : Antonio de Torres, René Lacôté, Manuel Adalid, etc. Les grandes marques fabriquent également des guitares classiques adaptées à tous les budgets, des entrées de gammes à moins de 100 euros jusqu’aux modèles signés qui dépassent allègrement les milliers d’euros.Pour bien choisir votre instrument, suivez ce guide d’achat de la guitare classique qui compile l’essentiel des conseils indispensables avant de vous lancer.Le jazz en guitare, une musique cosmopolite et riche Le frénétique jazz, appréhendé par les non-connaisseurs, serait-il réservé à une élite de musiciens extrêmement doués et un brin décalés ? Si vous avez vu le magnifique « Whiplash » de Damien Chazelle, peut-être éprouvez-vous encore quelques frissons au souvenir des doigts ensanglantés du batteur, rompu à un exercice toujours plus difficile par son éminent, mais terrifiant professeur ? En réalité, le jazz prend ses racines dans un climat de convivialité, d’échange et d’influence multiculturelle.La musique jazz incorpore des instruments aux sonorités chaleureuses, dont les cuivres : trompette, saxophone, trombone et clarinette y ont la part belle aux côtés du piano. Mais les guitaristes ont su faire leurs preuves au sein de cet univers en tirant des intonations feutrées de leurs instruments. L’un des maîtres du genre, Sylvain Luc, impressionne par ses capacités extraordinaires d'improvisation et par son sens du rythme parfaitement maîtrisé : Your browser does not support the video tag. Les techniques spécifiques du jazzÉvoquée plus tôt, l’improvisation reste un pilier phare du jazz. Cette technique consiste à jouer une mélodie ou un rythme sans partition, en s’inspirant simplement de sa propre créativité. Pour que plusieurs musiciens puissent improviser ensemble, il faut bien sûr suivre certaines suites d’accords, et rester dans la tonalité choisie. Cet exercice difficile requiert une excellente oreille et une bonne connaissance de la musique jazz, notamment de ses accords complexes.La rythmique en jazz diffère des conventions classiques. Elle utilise le swing. Au lieu de jouer deux croches de durée équivalente, la première est augmentée et la deuxième diminuée, ce qui donne une sensation de déséquilibre ou de rebond. Pour vous représenter le swing, comptez trois temps et jouez la première note sur les deux premiers temps, la deuxième note sur le troisième temps. Cependant, selon le style de jazz joué, la durée de la première croche et de la seconde peuvent légèrement changer, se rapprochant plus ou moins de la convention binaire. Choisir une guitare pour jouer du jazzMythique instrument du jazz, relativement méconnue des autres guitaristes, la guitare archtop allie une caisse bombée, une esthétique souvent très aboutie, et un corps creux (hollow body) ou semi-plein (semi-hollow body). Ses cordes métalliques lui confèrent une sonorité pointue, avec un sustain très présent. La résonance profonde de la caisse permet à l’instrument de se faire entendre au sein d’un orchestre ou dans une salle sans amplification.Les guitares manouches apportent également des sonorités intéressantes pour le jazz. Chevalet flottant, manche très fin et cordes métalliques supportent des rythmiques appuyées, tout en offrant la chaleur et le moelleux indispensables au jazz.Le blues en guitare, un son rythmé et mélancolique Avoir le blues, « to feel blue » en anglais fait référence à cette humeur maussade qui s’emparait de l’âme des esclaves africains dépêchés dans les colonies américaines du Mississippi. La musique qui en découle est chargée d’émotion, de mal-être, avec des thèmes abordés qui charrient la mélancolie et le mal du pays. De nombreux styles émergent du blues, qui a posé les bases du rock ‘n’ roll.Longtemps considéré comme l’exclusivité des peuples noirs, le blues s’invite au répertoire d’artistes blancs à partir des années 1960. Stevie Ray Vaughan, Johnny Winter ou Éric Clapton mènent la transition en apportant au style afro-américain leur virtuosité. Plus récemment, Ben Harper et John Mayer prennent la relève pour faire vivre le blues à travers leurs compositions : Your browser does not support the video tag. Les techniques spécifiques du bluesLa confusion entre les gammes mineures et majeures est savamment entretenue dans le blues, lui donnant une couleur immédiatement identifiable. Celles qu’on nomme les « notes bleues » correspondent à des notes jouées avec un abaissement ou rehaussement d’un demi-ton maximum. En sachant que la différence entre un accord fondamental majeur et un accord fondamental mineur tient seulement à un demi-ton sur la tierce (troisième note de la gamme), il est facile de comprendre comment le blues mélange les couleurs au sein de sa musique. L’effet produit apporte une tension auditive, propice à exprimer le désarroi ou la tristesse.Un accessoire particulièrement utilisé dans le blues est appelé bottleneck, ou slide. Cet ustensile en métal (initialement, les musiciens utilisaient un goulot de bouteille en verre) permet de faire glisser le doigt sur les cordes pour produire un glissando et intégrer des quarts de tons impossibles à jouer directement sur les cases. Cette technique demande une grande précision, et ne s’adapte pas à tous les modèles de guitare.Vous pouvez retrouver ici quelques conseils pour mieux appréhender la pratique du blues.Choisir une guitare pour jouer du bluesLes guitares à demi-caisse pleine (semi-hollow body) sont plébiscitées par les joueurs de blues, qui apprécient la qualité de la sonorité plus que les possibilités techniques offertes par l’instrument. Elles représentent toutefois un budget plus important que les guitares électriques habituelles. Ces dernières conviennent également parfaitement au blues, à condition d’opter pour des réglages qui délivrent peu de saturation, afin de préserver la douceur du son initial et d’apporter une certaine distorsion.La guitare lap-steel est un instrument particulier, qui se positionne à l’horizontale. Les doigts n’appuient pas sur les cordes, mais les effleurent simplement. La lap-steel se montre particulièrement adaptée à l’utilisation d’un bottleneck. Joni Mitchell interprète ici une de ces chansons avec ce modèle de guitare original : Your browser does not support the video tag. Le rock en guitare, un pilier vigoureux particulièrement hétéroclite Son apparition remonte aux années 1950, en Amérique, sous la houlette du futur géant Elvis Presley. Le rock se développe ensuite à travers de nombreux sous-genres : rock psychédélique et folk rock des années 1960, glam rock et rock progressif des années 1970, punk rock puis rock alternatif dans les années 1980, grunge, rock indépendant, etc. La base d’un groupe de rock repose généralement sur une guitare soliste, une guitare rythmique, une basse, une batterie et un chanteur ou une chanteuse. Viennent s’y ajouter, selon les besoins et les influences, des synthétiseurs, cuivres, cordes, et plus récemment des extraits de MAO (musique assistée par ordinateur).Avec la doctrine « sex, drugs and rock’n’roll », la musique rock a acquis une réputation sulfureuse, condamnant parfois ses vedettes à perdre le sens des réalités. Le fameux club des 27, qui regroupe des artistes décédés à l’âge de 27 ans, concentre d’ailleurs principalement des rockeurs : Jimi Hendrix, la chanteuse Janis Joplin, Brian Jones des Rolling Stones, Kurt Cobain de Nirvana, et récemment Amy Winehouse. Aujourd’hui, la rébellion véhiculée par le rock trouve volontiers son écho dans le rap.Les techniques spécifiques du rockUn morceau de rock se décompose en couplets et refrains, avec des solos instrumentaux et des ponts (ou bridges). Il respecte souvent une progression binaire en quatre temps par mesure, dont le premier et le troisième temps sont accentués.Comme la pop, le rock apporte une attention particulière à la mélodie, mais les paroles des chansons y sont plus graves, plus recherchées. Les guitaristes accumulent les effets de saturation, overdrive et wah-wah pour produire un son toujours plus puissant et personnel. Bien qu’il existe des ballades rock très délicates, les morceaux concentrent le plus souvent une grande énergie, mélange d’indignation, d’exultation et de déception.La technique du guitariste soliste joue pour beaucoup dans le succès d’un groupe de rock. Il doit pouvoir transmettre des émotions fortes tout en impressionnant le public par sa virtuosité et la musicalité du solo. Choisir une guitare pour jouer du rockÀ l’évidence, le rock requiert une guitare électrique même si certaines parties rythmiques ou mélodiques peuvent être assurées par une guitare acoustique. Pour un instrument maniable et polyvalent, qui supporte la saturation, tournez-vous de préférence vers une guitare à caisse pleine (solid body). Le choix de la guitare électrique conditionne en partie les sonorités obtenues, plus ou moins claquantes, avec plus ou moins de sustain. Mais il ne faut pas oublier que l’essentiel du son provient aussi du choix du système d’amplification et des effets retenus pour modifier la nature du signal.Les parties acoustiques du rock, par exemple les concerts unplugged ou les sessions acoustiques, peuvent être exécutées avec une guitare folk, qui apporte plus de brillant et de résonance qu’une guitare classique.Flamenco, métal, musique orientale ou médiévale : la guitare dans tous les univers La seule limite aux styles interprétés par le guitariste réside dans sa propre imagination, et ses propres influences. La guitare se montre très polyvalente, notamment grâce à la panoplie d’effets qui peuvent lui être attribués. Elle s’intègre tout aussi bien dans un orchestre que dans un trio, et se suffit à elle-même pour l’interprétation ou l’accompagnement.Cet instrument universel se retrouve sur tous les continents, sous diverses formes :shamisen au Japonbajo sexto au Mexiquecharango au Péroukabosy à Madagascaret bien d’autres encore. Le musicien possède le pouvoir de s’ouvrir au monde pour enrichir ses sonorités et faire vivre l’interculturalité à travers la musique.
