0 Premiers cours de musique : comment préparer son enfant ? ...

• Le Coin des Parents
• by Administrator
• 22-02-2019

Votre enfant s’apprête à suivre ses premiers cours de musique : vous ne savez pas encore à quel point il peut « accrocher » ni même si cela va vraiment lui plaire. Comment l'armer pour cette grande première ? Pour éviter les crises de panique et la sensation de découragement face aux difficultés du début, respectez ces quelques astuces qui vous aideront à préparer votre enfant en toute sérénité.   Jusqu’à 5 ou 6 ans, misez sur l’éveil musicalOn conseille rarement aux parents d’inscrire leurs enfants à des cours avant 6 ans : on considère qu’il s’agit du minimum requis pour être capable de comprendre les premières consignes, de les suivre de façon disciplinée et de vraiment progresser sur un instrument. Cela ne signifie pas qu’avant 6 ans, votre enfant doit totalement ignorer que la musique existe, bien au contraire?!   Dès son plus jeune âge, votre bébé peut jouer avec des objets spécialement élaborés pour lui, produisant des sons variés en fonction du bouton sur lequel on appuie, par exemple. Petit à petit, il découvrira le champ des possibles, tout en associant la musique à quelque chose de ludique et plaisant.De nombreuses autres méthodes éveillent à la musique : la ronde avec les copains de maternelle, les danses en rythme, l’écoute de sons apaisants pendant la sieste, les comptines, etc.   Permettre à votre enfant de découvrir l’instrument pour créer une envieIl n’est pas simple d’imposer un instrument : à 6 ou 7 ans,  votre enfant suivra naturellement vos consignes et se rendra à sa leçon si vous l’y avez inscrit. Toutefois, la démarche sera beaucoup plus intéressante si elle provient de sa propre volonté.Pour générer une envie d’apprendre, plusieurs méthodes existent. Si les grands frères, grandes sœurs ou parents jouent déjà beaucoup, le petit dernier risque de s’exprimer à un moment donné, d’affirmer qu’il veut lui aussi s'initier : dans ce contexte, la vocation viendra tout naturellement.   En revanche, si vous n’avez personne pour encourager l’enfant, faites-le entrer dans des magasins d'instruments, rendez-vous à des réunions d’information dans les écoles de musique. Ainsi, très jeune, votre enfant pourra toucher les guitares et autres pianos, voir des personnes en jouer. S’il manifeste de l’intérêt, entretenez cette envie jusqu’à ce qu’il soit en âge de prendre des leçons?!    Rester patient et commencer les cours au bon moment Si votre enfant brûle d’impatience à l’idée de commencer le violon, le piano ou la guitare, votre rôle peut aussi être de tempérer ses espoirs. En effet, lorsque l’on débute trop tôt, on manque de discipline et l’on parvient difficilement à se plier aux contraintes propres à l’apprentissage de la musique. Finalement, le jeune émerveillé par la musique pourrait rapidement s’en dégoûter, estimant qu’elle est trop difficile d’accès.   Il faut donc s’assurer que votre enfant soit assez mature pour commencer la musique, comprendre que ce n’est pas forcément facile, qu’il doit s’acharner un peu puis progresser. Car il ne faut pas l’oublier, même si l'art est toujours source de plaisir, il demande beaucoup de temps pour être apprivoisé  et il faut généralement plusieurs années avant d’avoir une aisance suffisante pour jouer ses morceaux préférés.   Quelques mois avant le premier cours de musique, préparez bien votre enfant : assistez à toutes les réunions d’information qui peuvent être utiles, déplacez-vous dans un magasin de musique qui permettra de tester plusieurs instruments, écoutez des chansons à la maison et dialoguez. Répondez simplement aux questions, insistez sur l'épanouissement lié à la pratique d’un instrument, sans omettre de lui rappeler qu’au début, cela sera probablement difficile — mais qu’il sera d’autant plus satisfait plus tard s’il réussit à s’accrocher?!    

0 Accords de 7ème, de 9ème... comment les trouver facilement à la guitare ? ...

• La Guitare
• by Administrator
• 21-02-2019

Que vous soyez débutant en solfège ou déjà bien aguerri, la décomposition des accords n'est pas toujours une tâche facile. Derrière des termes d'apparence barbare se cachent en fait de simples indications par rapport aux notes de la gamme concernée, qui renseignent sur la façon de jouer l'accord. Découvrez les pistes pour décrypter plus facilement les notations sur vos grilles d'accords.    Comment trouver le nom d'un accord de guitare à partir des notes ?Il parait qu'il suffit de maîtriser 12 accords de guitare pour tout savoir jouer. Aussi surprenant cela soit-il, les morceaux de variété ou de rock reprennent en effet régulièrement les mêmes diagrammes d'accords, parce qu'ils ont fait leurs preuves, sonnent bien à l'oreille, ou sont faciles à décliner. Mais utiliser d'autres configurations d'accords ouvre un monde de diversification musicale très intéressant pour les guitaristes plus avancés.Tiens, cet accord que vous venez de gratter sans y penser sonne plutôt bien. Mais quel est son nom, et comment le retrouver facilement ? Pour connaitre le nom d'un accord de guitare à partir de la position de vos doigts sur le manche, il faut avant tout savoir à quelle note correspond chaque case.Dans l'accordage classique, les notes jouées avec les cordes à vide de la guitare sont, de la plus grave à la plus aiguë :MILARÉSOLSIMIÀ partir de là, chaque case supplémentaire apporte un demi-ton en plus à la note de la corde à vide. Si votre doigt se place sur la troisième case de la corde de MI, il est en train de jouer un SOL (un demi-ton entre MI et FA, un demi-ton entre FA et FA#, un troisième demi-ton entre FA# et SOL).    Une fois que vous connaissez toutes les notes jouées, il vous faut encore déterminer à quel accord elles appartiennent. Pour les néophytes en solfège, certains sites web ou certaines applications permettent de renseigner les notes jouées et vous apprennent directement le nom de l'accord. Il est également possible de retrouver à l'oreille la fondamentale, c'est-à-dire la note de base, qui donne le nom à l'accord, pour ensuite connaitre l'accord en fonction des autres notes jouées. Vous suivez des cours de guitare ? Votre professeur vous renseignera sur la meilleure méthode à utiliser pour forger votre oreille aux différentes tonalités.   Septième, neuvième, add ou sus, que signifient ces notations en guitare ?Pour apprendre un morceau de guitare par cœur, il faut en connaitre tous les accords. Si les LA mineur et autres SOL majeur sont désormais à votre portée, vous tiquez encore sérieusement sur les chiffres ou lettres qui s'y ajoutent : 7, 9, add, sus, etc. Pour comprendre leur intérêt, rappelez-vous d'abord ce qu'est un accord.L'accord de base se compose de trois notes, qui sont dans la gamme la première, la troisième et la cinquième note. Pour un DO majeur, vous obtiendrez DO-MI-SOL. À cet accord, il est possible de rajouter une note qui va colorer la sonorité, par exemple, la septième note de la gamme de l'accord, très utilisée dans le blues. Le DO7 correspond donc à l'accord de DO, auquel s'ajoute la septième note de la gamme, le SI. Plutôt facile jusqu'à présent, mais qu'en est-il du 9 ? Il n'y a pourtant que 8 notes dans une gamme ! Très simplement, l'accord de neuvième rajoutera la 9ème note si vous poursuivez la gamme, soit un RÉ. Vous obtenez : DO-MI-SOL-RÉ.Attention, un accord de 9ème peut être joué avec un SI bémol, un SI normal, un RÉ bémol ou normal, tout ceci en fonction de la couleur souhaitée pour l’accompagnement. Les notations indiquées sont sous la forme DO 7M 9, ou encore DO 7 9aug pour une 9ème augmentée sur un RÉ#.Une autre notation répandue concerne les add et les sus. Pour le premier, add signifiant ajouter en anglais, il s'agit de l'ajout d'une note à l'accord de base : add2 ajoute la deuxième note majeure située après la fondamentale (RÉ pour le DO), add9 ajoute la neuvième (RÉ, mais celui situé après le deuxième DO de la gamme), etc.La notation sus, pour les notes suspendues, parait plus complexe à comprendre. Il faut en effet maîtriser les noms d'intervalles comme la quarte juste ou la quinte, pour pouvoir retrouver les notes de l'accord. Si vous hésitez, apprenez-les par cœur, ils se montrent plutôt peu fréquents.    Mi dièse et fa, do dièse et ré bémol : comment différencier ces accords ?Histoire de compliquer un peu votre tâche dans l'apprentissage de la théorie de la musique, vous vous rendrez compte en cherchant le nom des accords que certains d'entre eux portent différentes appellations qui correspondent à la même suite de notes. Pour exemple, prenez l'accord de DO majeur, ou C. Il se joue avec les notes DO, MI et SOL. Prenez ensuite l'accord de SI dièse majeur, ou B#. Il se joue... de la même façon.Toutefois, même si à l'oreille les accords sonnent strictement pareil, ils sont théoriquement différents, et certains instruments comme les instruments à vent parviennent même à en tirer deux sonorités distinctes, séparées de ce qui se nomme un comma. Ce très petit intervalle, inférieur au demi-ton classique qui se retrouve sur le piano, ne présente pas forcément d'intérêt à la guitare, car que vous jouiez un do dièse ou un ré bémol, votre doigt se placera sur la même case du manche. Par contre, dans la dénomination des notes qui composent une gamme, la différence apparaît clairement.Ainsi, la gamme de DO dièse partira sur un DO dièse, et la gamme de RÉ bémol sur un RÉ bémol, bien que ces deux notes se jouent de la même façon sur la plupart des instruments. Il s'agit surtout d'une question de théorie musicale !  

0 Comment choisir son ampli de guitare électrique ? ...

• La Guitare
• by Administrator
• 21-02-2019

Le choix est vaste ! Mais l’utilisation que l’on fera de l’ampli de guitare électrique sera déterminante pour ne pas s’orienter vers un modèle qui ne servira pas ou peu, selon qu’on l’utilise pour jouer en appartement ou en studio de répétition, en concert, en espace fermé ou en plein air. Une gamme qui se décline selon les usagesGuitariste débutant ?L’Ampli de guitare à transistors   Souvent victime d’une à tort d’une mauvaise réputation d’ampli bon marché, l’ampli à transistors est pourtant un choix à considérer avec sympathie lorsqu’on débute à la guitare électrique. Tout à fait adapté aux mini-espaces, il permet, pour un coût modique, de travailler l’écho et la retransmission des accords, même si beaucoup jugent ses résonances froides et artificielles. N’étant pas conçu pour « saturer », son faible volume électrique est donc l’idéal pour s’exercer en appartement, dans un bar, ou même une petite salle de concert, sans ameuter les voisins et risquer une amende pour tapage nocturne ! Son poids, hyper-léger, en fait également une référence pour voyager avec guitare+ampli sans excédent de bagage !Selon l’utilisation, la fréquence, et le lieu, le modèle d’ampli à transistors s’il est choisi pour sa puissance maximale, permet de mettre le volume très bas pour jouer en appartement sans que la qualité du son soit altérée.   L’Ampli numérique à modélisationLe numérique ne pouvait rester longtemps absent de tout accès au domaine musical et acoustique ! Depuis quelques années une révolution fait son chemin, qui séduit bien des débutants et semi-professionnels par rapport au transistor et à la lampe classiques : son success-story ? Son prix très abordable pour des résultats bluffants :Ces amplis à transistors simulent numériquement une sonorité – à lampe, notamment, particulièrement enviée –  et le principe consiste à modifier le signal numérique dans le pré-ampli, évitant donc l’emploi d’une pédale séparée relativement onéreuse ce qui n’est pas le moindre des atouts ! Petit bémol : ils doivent être programmées sur un espace de jeu personnel où seul le guitariste a accès car ses données lui sont persos et ne lui permettent pas d’y accéder lors d’un concert à plusieurs, notamment, où chacun évolue sur la scène en alternance !Les guitaristes pros et puristes délaisseront cependant l’option numérique argumentant que le résultat optimal n’est pas à la hauteur d’un ampli à lampes et fait pâle figure vis-à-vis de l’original. Question de sensibilité ou de moyens financiers !Bon compromis par rapport à l’ampli à transistors, l’ampli numérique à modélisation permet, en outre, de stimuler l’engouement du guitariste en devenir, confiné à des sons pas toujours à la hauteur de ses attentes, et qui modifie son degré d’apprentissage en introduisant d’emblée des prestations/effets sonores intégrés, réservés jusqu’alors à des pros : une méthode attractive et économique pour une pédagogie plus étoffée !     Guitariste confirmé ?L’Ampli et le pré-Ampli HybrideUtilisant les deux techniques – pré-ampli à lampe et ampli à transistors – ce système mixé permet une approche plus perceptible des sonorités chaleureuses de l’ampli à lampe tandis que sa puissance est conservée par les transistors. Une formule qui a ses adeptes car elle permet de répercuter une meilleure acoustique à un prix bien plus raisonnable que l’ampli à lampes tout en conservant le mode puissant et pratique des transistors.Guitariste professionnel ?L’Ampli à lampesSi l’ampli à transistors s’adapte aujourd’hui selon des variables qualitatives, à presque toutes les guitares pour débutants ou pros itinérants, l’ampli à lampes jouit toujours d’une forte réputation considérée inégalable pour des professionnels devant s’exercer et jouer dans des conditions optimales similaires aux Live des concerts à venir : depuis des décennies, il représente THE Ampli qu’aucuns jugent irremplaçable de par ses résonances chaudes, profondes, à la dynamique de jeu subtile. Pour autant, l’ampli à lampes ne remplit pas forcément les conditions idéales pour être utilisé par tous :Son prix - bien évidemment - est un obstacle majeur, mais également :  un entretien exigeant, un remplacement régulier et assez fréquent des lampes, il nécessite un temps de chauffe, les lampes sont très sensibles aux choc, et il ne peut être déplacé une fois allumé,  tandis que la qualité du son diminuera au fur et à mesure que l’on montera le volume, il convient plus essentiellement aux salles de spectacles à grand public.    Dans le même thème : Nos cours de guitare / Guitare électrique : comment jouer des solos qui déchirent ?

0 Le mariage de Fender et d'Hello Kitty ...

• La Guitare
• by Administrator
• 21-02-2019

La célèbre marque de guitare Fender s'est alliée avec les produits Hello Kitty afin de proposer une gamme d'instruments dédiés aux filles. Ces produits estampillés Hello Kitty sont destinés à un nouveau marché dédié aux adolescentes, souvent très sensibles aux produits Hello Kitty. L'univers visuel de la marque est bien sur très présent sur les guitares avec les différents personnages et coloris qui ont fait son succès. Pour l'occasion un site a été mis en place afin de proposer ces instruments avec les différents accessoires possibles. Le site propose même de se faire prendre en photo avec sa guitare et d'envoyer sa photo pour qu'elle soit mise en ligne ! L'univers se veut résolument mignon et rock'n' roll. Parlons maintenant de musique. Fender propose donc une guitare électrique, Stratocaster Squier fabriquée en Asie avec corps agathis, un manche érable, 21 frets et un micro double en position chevalet. La guitare est disponible en deux coloris, rose et noire. Un modèle Folk acoustique est également proposé ainsi qu'une basse 4 cordes aux coloris plus sombres. Les accessoires sont déclinés avec des housses guitares et basses, des sangles, des médiators... Concernant la qualité des instruments, Fender propose sa gamme Squier classique, un modèle d'entrée de gamme, tout à fait intéressant en terme de rapport qualité/prix. La sonorité Fender est bien présente, le manche érable est pratique et agréable à jouer pour les débutants. Les modèles proposés, qu'il s'agisse de l'électrique, l'acoustique ou de la basse, conviennent très bien aux petites mains et s'adaptent facilement à tous les styles, avec une préférence pour les sonorités pop/rock. Les points faibles de ces guitares se situent principalement au niveau des finitions, ce qui est plutôt normal étant donné le faible coût. Le chevalet notamment possède des visses qui ressortent particulièrement ce qui ne facilite pas le jeu en Palm Mute (jeu en étouffé). On notera aussi l'absence totale de vibrato. Au final Fender propose des guitares de bonnes qualités destinées à un public féminin débutant pour un budget d'environ 200 euros, ce qui leur confère un excellent rapport qualité/prix. Et le moins que l'on puisse dire c'est que le concept fonctionne plutôt bien auprès de ces demoiselles ! A noter que Gibson a aussitôt répliqué avec un modèle Emilie The Strange destiné aux mêmes cibles et avec le même genre de caractéristiques. Donc Mesdemoiselles à vos guitares !!!   

0 Comment protéger et entretenir vos cordes de violon ? ...

• Le Violon
• by Administrator
• 16-02-2019

Les saisons automnales et hivernales sont à l’origine d’un climat plus humide et plus froid : deux paramètres qu’il faut impérativement juguler pour les instruments à cordes — et notamment pour le violon. Encore qu’il faille également les protéger d’une trop forte chaleur en été. Heureusement, il existe des conseils et astuces pour protéger et entretenir efficacement vos cordes.    Limitez les effets extérieurs?!Offrez à votre violon une certaine sécurité lors de son transport : protégez-le en le mettant dans un étui adapté, pour qu’il ne puisse subir les effets de la pluie, d’un choc ou d’un écrasement. N’hésitez pas à l’entourer d’un petit linge doux pour limiter l’action du froid et de l’humidité.Pour combattre l’humidité ambiante, vous pouvez acheter un hygromètre, pour vous permettre de facilement la mesurer : au-delà de 65 %, déplacer vite votre violon dans une autre pièce?! Vous pouvez également vous munir d’un déshumidificateur pour réduire ce taux.Astuce ? Appliquez de la craie sur les chevilles et glissez quelques grains de riz dans la caisse de votre instrument, via les ouïes. Cela va permettre à votre violon de passer un hiver plus doux, si vous n’avez pas l’occasion de le pratiquer régulièrement pendant cette période.À noter que pour un usage professionnel, la meilleure solution est d’éviter de pratiquer votre musique à l’extérieur. À défaut, il est recommandé d’utiliser un second violon, de moindre qualité, pour préserver l’instrument principal.Mais si le froid est un facteur de vigilance, la chaleur peut être à l’origine de dégâts sur le vernis de votre instrument : de fait, il convient de le protéger d’une forte exposition. Attention à ne jamais procéder au vernissage dans un violon, car cela modifie sa sonorité et diminue sa valeur marchande.     Changez les cordes avec délicatesse?!    Quelle que soit la nature des cordes du violon (boyau, matière synthétique ou acier), elles sont fragiles et leur manipulation doit retenir toute votre attention. Or, il faut a minima les changer tous les ans, voir tous les 6 mois, si vous jouez très souvent.En aucun cas, vous ne devez changer les cordes de manière simultanée, sans quoi vous risquez de faire tomber l’âme ou le chevalet : il faut le faire les unes après les autres.La plupart du temps, ce changement provoquera une période d’ajustement avant d’atteindre la sonorité idéale et la fin du désaccordage systématique entre chaque nouvelle session de jeu. Pour rappel, un violon s’accorde à partir du La, jouée sur la troisième corde à vide, en partant de la plus épaisse (le sol).Veillez à ne jamais utiliser une pince pour décoincer une cheville : elle pourrait créer des micro-fentes, qui finiraient par fragiliser et briser la cheville.Jouez régulièrement?!   L’entretien et la protection des cordes d’un violon passe par le simple fait de jouer régulièrement de son instrument : inutilisées, elles perdent leur ton et leur brillance plus rapidement.Si vous ne devez jamais utiliser des produits de nettoyage, vous pouvez passer un linge sec de coton doux sur les cordes pour les essuyer, suite aux passages répétés de l’archet, chargé de résidus de colophane.Avec ce chiffon doux, vous pouvez aussi essuyer la partie des cordes en contact avec vos doigts : la sueur étant extrêmement corrosive, cela permet d’augmenter leur durée de vie.Astuce ? Si vous êtes amené(e) à ne pas jouer pendant une longue période, n’hésitez pas à détendre légèrement les cordes de votre instrument, elles apprécieront le geste !Pendant votre cours de violon avec un professeur, demandez, à ce professionnel, des conseils pratiques sur l’entretien de vos cordes — et plus généralement de votre violon. Votre instrument n’en gardera son bon état que plus longtemps !    

0 A qui s’adressent les cours de chant ? ...

• Le Chant
• by Administrator
• 16-02-2019

Que vous souhaitiez vous lancer dans l’aventure musicale au sein d’un groupe ou d’une chorale, améliorer votre voix ou encore simplement vous amuser, les raisons de s’inscrire à des cours de chant sont multiples et seule l’envie compte. Pour savoir où vous diriger, commencez par réfléchir à vos ambitions. Pourquoi voulez-vous chanter ? La musique peut se pratiquer de nombreuses manières, le tout est de trouver la vôtre. Vous trouverez mille bonnes raisons d’apprendre le chant. En plus du plaisir procuré, c’est une façon d’améliorer sa voix et de faciliter considérablement son quotidien. Beaucoup de gens en ont fait l’expérience, il est possible de vaincre sa timidité par le chant. Vous deviendrez capable de modeler votre voix au niveau du timbre, de l’intonation, de la profondeur, de la puissance. Plus à l’aise avec vous-même, vous gagnerez en confiance, pourrez vous  débarrasser d’un complexe, parlerez mieux en public. Parce que les gens ressentiront votre confiance, vous deviendrez une personne plus charismatique.Apprendre à chanter sera d’une grande aide dans votre vie personnelle et professionnelle. Que vous soyez avocat, commercial, professeur, comédien… ou même rien de tout cela, les cours de chant sont une excellente solution pour vous perfectionner.    Trouver son styleCommencez par réfléchir au style auquel vous comptez vous frotter. Si les techniques de base restent les mêmes pour apprendre à chanter juste, vous découvrirez en vous spécialisant que chaque genre propose ses propres subtilités.Le chant lyrique se retrouve dans tout ce qui a trait à la musique classique et notamment à l’opéra. Etant donné la spécificité de la chose, vous ne devriez pas vous y inscrire par hasard. Le répertoire lyrique comprend beaucoup d'allemand et d’italien, en plus des traditionnels français et anglais. Idéal pour développer des bases solides, le chant lyrique est décrié par certains, qui lui reprochent de formater ses adeptes à une manière de chanter très spécifique, dont il serait dur de s’émanciper. Gageons tout de même que ce qui est vrai pour les uns ne l’est pas forcément pour les autres.Outre les techniques classiques et propres à d’autres styles comme la variété, le chant rock est caractérisé par l’utilisation fréquente d’un effet de saturation sur la voix. Contrairement aux clichés, cette sonorité ne doit pas être obtenue en criant ou en forçant et résulte d’un travail technique très pointu afin de ne pas abîmer les cordes vocales. Sans maîtrise, tenir tout un concert serait bien difficile, sans parler de la conservation de sa voix au fil des années. Cet effet de saturation, bien qu’indissociable du rock, est aussi utilisé dans d’autres styles comme le blues ou la soul.  La différenciation entre le chanteur et le musicien est assez floue et constitue un sujet qui divise dans le milieu de la musique. Pour beaucoup, le chanteur n’est qu’une annexe au groupe. Pour les autres, la voix est un instrument à part entière. On dit souvent que l’instrument est le prolongement de l’âme du musicien, alors pourquoi les cordes vocales feraient-elles exception à la règle ? Chanter nécessite les mêmes contraintes, à savoir de respecter le rythme et la mélodie, ainsi que d’apporter sa sensibilité afin de créer un ensemble harmonieux. Il faut donc un minimum de connaissances musicales pour s’intégrer à un groupe de musique en tant que chanteur. Cette vision du chant est d’autant plus parlante en matière de jazz. Dans ce style où l’improvisation détient une place proéminente, le chant a été utilisé comme un instrument par d’illustres artistes comme Louis Armstrong lorsqu’il inventa le scat. Cette technique de chant consiste à remplacer les mots par des onomatopées, la voix devenant un simple instrument permettant de laisser libre cours à son inspiration. La célèbre chanteuse de jazz Billie Holiday disait d’ailleurs à propos de sa voix ‘’je n’ai pas l’impression de chanter. J’ai l’impression de jouer du cor’’.     Où prendre ses cours de chant ?Le Conservatoire Au conservatoire, les cours seront délivrés par un professeur diplômé d’Etat (bac +3) ou ayant passé un Certificat d’Aptitude (bac +5). La voix sera alors considérée et étudiée de la même façon qu’un instrument de musique, avec du solfège et de la théorie musicale en parallèle. Le plus souvent, les conservatoires enseignent la musique classique, mais certains proposent aussi des départements de musiques actuelles. Des groupes (rock, jazz …) encadrés par un professeur peuvent alors être constitués avec un objectif qualitatif et débouchant sur des concerts. Entrer au conservatoire est un bon moyen d’avoir la garantie de recevoir des cours de qualité et surtout l’occasion de rencontrer des musiciens et chanteurs de tous âges, tous styles et tous niveaux. S’il s’agit d’un excellent choix pour une formation axée sur la rigueur, ce n’est pas pour autant qu’apprendre le chant se fera sans plaisir.Cours particuliers ou en groupe ?L’avantage des cours particuliers est de pouvoir bénéficier d’un suivi personnalisé. Rien n’échappera à l’oreille de votre professeur de chant et il vous consacrera l’intégralité de son attention. C’est sans doute le moyen de progression le plus rapide. En prenant des cours particuliers, vous aurez l’opportunité de chanter sereinement. Ce qui est d’autant plus important puisque chanter demande une forte implication personnelle et émotionnelle.Choisissez des cours en groupe si vous privilégiez l’aspect humain. Vous ne profiterez peut être pas d’un enseignement aussi personnalisé, mais apprendre à plusieurs peut être stimulant. En plus de voir naître un sentiment de solidarité autour d’un objectif commun, vous pourrez apprendre des autres. En voyant évoluer vos partenaires, avec leurs défauts et qualités, vous développerez un sens critique et une oreille aiguisés. Les conseils de votre professeur de chant profiteront à tous et vous n’emmagasinerez que plus de connaissances. Vous trouverez des cours en groupe dans différentes structures comme les MJC qui ont l’avantage de proposer des tarifs très abordables.    La choraleUne chorale est constituée d’un ensemble de chanteurs (les choristes) dirigés par un chef de chœur. Il s’agit d’un bon compromis lorsque vous n’êtes pas satisfait de votre voix mais que vous souhaitez malgré tout prendre part à un projet collectif. C’est aussi un bon moyen de vous ‘’cacher’’ si vous êtes trop timide pour vous montrer sur le devant de la scène. L’aspect humain est aussi à prendre en compte. Si vous espérez partager des émotions, ce qui demeure le principal intérêt de la musique, prendre part à une chorale semble tout indiqué. Vous n’aurez pas besoin d’un niveau spécialement impressionnant pour produire un ensemble de qualité et vous côtoierez de nombreuses personnes partageant la même passion que vous. L’occasion de rencontrer ceux qui feront peut être partie de vos projets musicaux à venir.Les cours pour enfantsLe chant n’est pas réservé qu’aux adultes. Bien au contraire les cours de chant sont un bon moyen pour les enfants de découvrir le monde de la musique et de se trouver une passion. Les premiers cours démarrent autour de l’âge de 5 ans, dans un objectif d’éveil musical. L’aspect ludique sera mis en avant autour de différents jeux pour les familiariser à des notions telles que le rythme et la mélodie. Quant au travail sur la posture, il pourra être abordé à partir d’exercices physiques amusants.Les enfants ont spécialement besoin d’être encouragés car ils ne développeront le plaisir de chanter que dans une ambiance positive, et perdront très vite la motivation s’ils se sentent sous pression. Par ailleurs, les contraintes liées à la fragilité des cordes vocales sont d’autant plus grandes lorsqu’il s’agit d’enfants. Il ne faut donc surtout pas les faire chanter en dehors de leur tessiture vocale. Ils ne sont pas non plus capables de chanter aussi fort ou aussi longtemps qu’un adulte, attention donc à ne pas les faire chanter trop longtemps.En plus de commencer à forger leur culture musicale, apprendre le chant est une activité particulièrement formatrice pour les enfants, qui les aidera à aiguiser leurs sens et leur rapport au corps. L’offre de cours est grande et les cadres d’apprentissages multiples. Tous ont leur intérêt et correspondent à différents objectifs. Quoi qu’il en soit, il est important de comprendre que devenir chanteur n’est pas facile et que parvenir à vos fins sans prendre de cours sera périlleux. Que vous souhaitiez devenir le prochain Mick Jagger ou simplement impressionner votre chat, vous aurez besoin d’un professionnel pour progresser.     

0 Comment aider son enfant dans ses cours de musique ? ...

• Le Coin des Parents
• by Administrator
• 15-02-2019

Parents, élèves et professeurs, tous savent que dans l’optique de faire des progrès réguliers et efficace, la pratique assidue d’un instrument de musique est essentielle. Toutefois, certains parents n’ont aucune expérience musicale sur laquelle s’appuyer, l’idée d’un entraînement quotidien peut donc apparaître quelque peu intimidante. Ce n’est pas qu’ils ne veulent pas aider leurs enfants, c’est plutôt qu’ils ont peur de les embrouiller plus que de leur être utiles. Si vous êtes dans cette situation avec votre petit prodige, voici des conseils qui pourraient bien vous être utiles pour l’aider à progresser en musique !   Fixez-lui des objectifs à atteindreQuand on apprend un nouvel instrument de musique, c’est souvent difficile de savoir par où commencer, c’est pour cela qu’il est intéressant de découper le processus d’apprentissage en une série de petites tâches facilement gérables. Cela vous permet, à vous et à votre enfant, de tirer le meilleur parti du temps d’entraînement quotidien et de maximiser ses progrès. Une bonne astuce est d’identifier chaque jour les points faibles et les petites difficultés de votre enfant pour pouvoir les travailler plus en détails par la suite. En surmontant tous les jours de petites difficultés, il gagnera en confiance en soi et en motivation. Vous pourrez ainsi valoriser le chemin parcouru et lui faire prendre plaisir à s’entraîner quotidiennement. Il y a même une chance que vous n’arriviez plus à le faire arrêter de jouer !    Travaillez main dans la main avec lui   N’imposez pas à votre enfant le moment des entraînements mais mettez en place un emploi du temps d’entraînement en collaboration avec lui. Faites en sorte de choisir un moment après le goûter, quand il n’est pas trop fatigué par les devoirs à faire pour l’école par exemple. Soyez présent pour votre enfant lors de ses entraînements quotidiens en vous asseyant avec lui pendant les premières minutes. Les plus jeunes auront bien sûr besoin de plus d’aide pour rester concentrés mais, lorsqu’ils sont plus grands, aidez-les à devenir indépendants en les laissant travailler certains exercices seuls. A la fin de chaque entraînement quotidien, vous pouvez également noter dans un petit carnet les exercices travaillés et les éventuelles difficultés rencontrées. Demandez à votre enfant s’il souhaite ajouter un commentaire ou une question à l’attention de son professeur de musique. En effet, les questions peuvent être facilement oubliées pendant la semaine avant la prochaine leçon. Essayez de faire en sorte que les commentaires restent constructifs et de toujours ajouter un élément positif.    Laissez-lui le temps de progresserN’essayez pas d’en faire trop à chaque séance, surtout lorsque votre enfant est en phase d’apprentissage d’un nouveau morceau. Il est préférable de s’y prendre doucement, de ne travailler que quelques mesures au départ, puis d’en augmenter le nombre au fur et à mesure, jusqu’à ce qu’il puisse jouer facilement le morceau sans se décourager en cours de route. Choisissez des exercices différents à travailler chaque jour. Si votre petit prodige trouve le premier facile alors passez au suivant. Si, à l’inverse, il le trouve trop difficile, laissez-lui du temps pour qu’il y arrive. Par la suite, notez ce qu’il a trouvé difficile et pourquoi, afin que le professeur puisse lui expliquer à la leçon suivante. N’hésitez pas à lui répéter que s’il n’arrive pas à faire un exercice, ce n’est pas grave et que l’essentiel c’est d’identifier la source de la difficulté pour pouvoir la travailler par la suite. Le mot de la finN’oubliez pas que ces entraînements doivent rester un moment de plaisir pour votre enfant, si un jour il ne veut vraiment pas s’entraîner laissez-le et vous reprendrez le lendemain. Aussi, ne soyez avare ni d’encouragements ni de félicitations et vous verrez que ces moments partagés ensemble vous rapprocheront beaucoup et renforceront un lien déjà privilégié entre vous.    

0 LES REFORMATIONS ROCK : ENTRE NOSTALGIE, RECUL ET RENOUVEAU. ...

• La Guitare
• by Administrator
• 14-02-2019

Vous l'aurez remarqué, beaucoup de groupes cultes d'antan reviennent sur le devant de la scène. Véritable sincérité artistique ? Coup de pub ? Envie de nostalgie ? Penchons nous de plus prés sur ces nombreux retours en force. Actuellement nous pensons évidemment à The Jesus and Mary Chain, Dinosaur JR, The Smashing Pumpkins, The Police, Rage Against The Machine, Genesis (sans Peter Gabriel), Queen (sans Freddy Mercury), ou bien le film désormais culte « Control » sur Joy Division et Ian Curtis d'Anton Corbijn ou le très médiatisé « Rolling Stones » de Scorsese. On pense aussi à la reformation des Toto sans Jeff Porcaro à la batterie décédé à la fin des années 80 ou les controversés Melvins (Ozzbourn & co).A l'heure où le public et les formations se cherchent une nouvelle identité rock, la tendance est à la nostalgie.L'inspiration semble être actuellement de plus en plus limitée tant les vagues successives se sont accumulées.       Le recul est de mise : on se passionne pour les épopées rock des 60's 70's et de plus en plus pour les 90's, on se bouscule pour les revoir sur scène et on se remémore les moments cultes de la vie de nos groupe favoris (« Control » / « Rolling Stones »). Cette fascination se vérifie dans les musiques actuelles où les vagues se calquent sur ces formations cultes pour séduire un public de plus en plus nostalgique. Le message de liberté et de créativité lancé en grande pompe en parallèle avec le contexte social et culturel de ces décennies ne semble plus respecté sur le fond mais plutôt sur la forme. On assiste à un revival associé à une envie d'adapter ces époques à notre actualité. Mais n'a-t-on pas tout à gagner en s'inspirant nous-mêmes de nos expériences et de nos vies qu'en cherchant à recréer ce qui a déjà été fait ?C'est justement pour cette raison que les anciennes gloires ne peuvent que gagner au change car on ne remplace pas ce qui a déjà été fait. La seule façon des les oublier ou au moins de les mettre de côté (car il faudra bien passer à autre chose) est peut être d'accepter que nous ne pourrons faire mieux que ces formations sur leur propre terrain.    Sommes-nous à l'aube d'une nouvelle ère musicale ?Les décennies passées auront montré que le rock se nourrit de sa propre histoire. Reste maintenant à se nourrir de la notre pour avancer. Notre décennie (2000/2010) aura montré que nous nous cherchons indéniablement, telle une transition à l'image des années 80 (passage difficile entre nouveauté, progrès technologiques et nostalgie du passé) associé à une dose non négligeable de frustration et d'un manque accru de créativité qui dans les années 80 n'existait pas.Toutefois, l'explosion actuelle des formes de communication (internet entre autres) a considérablement élargi l'offre. Pour le moment, nous n'avons pas encore un choix très accessible des genres puisque les groupes et les sites dédiés à la musique ont tendance à s'observer et se copier entre eux (cf. nouvelles vagues actuelles et les nouveaux tremplins dédiés aux artistes, les nouvelles plateformes de téléchargement, ou les systèmes de vote sur Internet type « mymajorcompany ») mais à l'avenir, espérons-le, ce formidable outil de communication nous permettra d'accéder à une vraie diversité. Souhaitons que nos professeurs, en contribuant à faire éclore le talent de leurs élèves, permettent à quelques uns de devenir les rock stars de notre époque !    

0 Travailler le rythme quand on est débutant, comment faire ? ...

• Le Solfège
• by Administrator
• 11-02-2019

On pense souvent que le rythme, c’est quelque chose d’inné. Pourtant, le solfège est l’une des disciplines qui permet aux musiciens débutants de jouer dans le bon tempo, ce qui est essentiel en musique. Alors comment travailler le rythme quand on commence à jouer d’un instrument ou à chanter ?   Le rythme nous conditionne et nous guide, même sans musiqueLa dernière chanson de Katy Perry « Chained to the rhythm » nous rappelle que le rythme est partout. Nous sommes tous guidés par des rythmes quotidiens : essuie-glaces, machine à laver, tic-tac d’une montre, horloge d’une église… Le rythme fait partie de notre quotidien. C’est lui qui va nous donner envie de bouger dès les premières notes d’une chanson de l’été.Des expressions telles qu’« elle a le rythme dans la peau » existent, comme si le rythme était une chose que l’on avait ou non, comme une fatalité. Pourtant, le rythme se travaille, comme la pratique d’un instrument ou le placement de sa voix.    Prendre le rythme ou l’apprendre quand on est un jeune musicien ?En musique, c’est le solfège qui nous permet d’apprendre et de comprendre le mécanisme du rythme. Selon les professeurs particuliers et les méthodes utilisées, le solfège sera introduit dès les premières leçons, ou bien se fera au fur et à mesure de la pratique et des progrès de l’élève. Dans une école de musique en revanche, un élève qui commence à prendre des cours, commencera simultanément à prendre des cours de solfège, signe que cette discipline est indispensable au parcours de l’apprenti musicien.Vous trouverez toujours de grands musiciens autodidactes qui vous diront que le solfège est facultatif, mais ils sont bien minoritaires. Le rythme en musique n’est pas qu’une histoire de ressenti.  « A chacun son rythme » : connaître ses points forts et ses lacunesNous avons tous des bases de solfège qui nous ont été inculquées à l’école, mais nous ne sommes pas nombreux à nous en souvenir clairement. Noire, blanche, croches, rondes… Les noms nous disent quelque chose, mais il est déjà plus complexe de savoir à combien de temps elles équivalent. Pour travailler le rythme lorsque l’on est un musicien débutant, il faut déjà avoir bien assimilé toutes les valeurs des notes.     Il faut ensuite ne pas avoir peur du ridicule et revenir aux exercices que l’on faisait à l’école ou que l’on pratique avec les plus jeunes lors des cours d’éveil musical : taper les rythmes avec ses mains en prononçant le nom des notes : noire/noire/deux croches/noires/blan-che/noire… Cet exercice est la meilleure manière de visualiser les rythmes et de les assimiler. Un métronome lumineux ou sonore sera indispensable pour cet exercice. « Garder le rythme » et travailler régulièrementComme presque toujours en musique, c’est en forgeant que l’on devient forgeron. Seuls le travail et la pratique d’exercices réguliers vous permettront de progresser. Cela concerne la pratique d’un instrument, l’indépendance des deux mains par exemple, mais aussi la justesse ou la rythmique.Les professeurs particuliers sont en mesure de vous proposer des stages ou des sessions de perfectionnement. Les méthodes papier, quel que soit l’instrument que vous pratiquez, sont aussi majoritairement pensées en fonction des progrès rythmiques de l’élève. Sachez enfin que de nombreuses applications ou sites internet pour vous entraîner existent sur la toile.La maîtrise du rythme est une donnée que l’on ne choisit pas, tout comme la justesse en chant par exemple. Pourtant, ce sont deux domaines qui se travaillent, seuls ou aux côtés de son professeur.     

0 Le vibrato en chant : l'apprendre et le maîtriser ? ...

• Le Chant
• by Administrator
• 11-02-2019

Véritable marque de fabrique de certains timbres célèbres, le vibrato en chant soulève les passions autant qu'il divise. La perfection de son exécution joue pour beaucoup dans l'adhésion des auditeurs. Vous voulez savoir comment exécuter un vibrato avec votre voix ? Quelles sont les erreurs à ne pas commettre ? Découvrez tout ce qu'il faut savoir sur cette technique des plus intéressantes.           Le vibrato de voix, qu'est-ce que c'est ? Mariah Carey, Whitney Houston, Susan Boyle... Qu'ont en commun ces femmes d'exception ? Elles possèdent toutes les trois un vibrato de chanteuse mémorable, propre à soulever à lui seul des montagnes d'émotion chez leurs auditeurs. Couplé à la justesse de la voix et à la puissance du coffre, le vibrato s'essaie à apporter des touches d'émotion puissantes, qui semblent venir vous chercher au plus profond de vous-même. Reconnaître un vibrato Le vibrato en chant est une technique de modulation du son, c'est-à-dire qu'il permet de faire varier l'intensité ou la hauteur d'une note tenue. Le résultat, lorsqu'il est maîtrisé, produit chez nombre d'admirateurs un sentiment immédiat d'adhésion à la mélodie. Attention, lorsqu'on parle de technique en vibrato, il ne s'agit pas à proprement parler de construire cette ondulation du son en la forçant, mais au contraire, d'apprivoiser un mouvement naturel de la voix.Concrètement, les notes effectuées pendant un vibrato sont la note initiale, le quart de ton ou demi-ton supérieur, ou le quart de ton ou demi-ton inférieur. Certains chanteurs poussent jusqu'aux 3/4 de ton, voire jusqu'au ton entier (c'est par exemple la différence qui existe entre la note do et la note ré). Comment se produit le vibrato en chant ? Quels sont les facteurs physiques responsables du vibrato de voix ? L'action de deux muscles situés dans la région du larynx, le thyro-aryténoïdien et son antagoniste le crico-thyroïdien, provoquent cette vibration naturellement présente chez tous les sujets potentiels à l'exercice.         Les cordes vocales, du fait de la pression exercée dans les deux sens, se retrouvent libres de vibrer et provoquent cette fameuse oscillation de la voix. Il est rare de retrouver un vibrato naturel chez un enfant, ce dernier apparaissant plutôt après la mue, autour de la puberté. Pour asseoir une certaine emprise sur cette technique, il est recommandé de travailler sur la respiration afin de développer les bons réflexes au niveau de l'abdomen et du diaphragme. Le souffle, aussi décrit comme une colonne d'air, doit rester constant lors du chant, et notamment lors de l'utilisation du vibrato. Ainsi en jetant les bases du travail de la voix, vous permettrez un certain relâchement dans votre organisme, propice à l'apparition d'un vibrato régulier et harmonieux. Les différents types de vibrato en chant La classification des types de vibrato dans le chant lyrique ou de variété peut se faire selon quatre qualifications : tonique ou lent, sobre ou appuyé. La tonicité se définit en fonction de la rapidité ou de la lenteur du vibrato, tandis que le caractère sobre ou appuyé concerne la différence de hauteur entre la note initiale et la modulation obtenue. Le vibrato tonique et sobre Rapide et de faible amplitude, ce vibrato s'éloigne très peu de la note originale. À l'oreille, vous distinguerez un léger tremblement en fin de phrase, qui apporte une touche d'émotion assez caractéristique. Caruso, considéré comme l'un des meilleurs chanteurs d'opéra, possédait ce type de vibrato sobre et à la fréquence relativement élevée. Léo Ferré en distille également au fil de ses mélodies. Du côté des chanteuses, Marie Laforêt produit des vibratos très rapides avec une hauteur à peine modulée.            Le vibrato tonique et appuyé L'amplitude atteint parfois le ton supérieur ou inférieur, ce qui produit un écart remarquable avec la note initiale. Mais la fréquence rapide du vibrato permet une intégration musicalement cohérente, comme le démontre la chanteuse Laura Pergolizzi (LP) qui parvient à conjuguer des vibratos rapides et de grande amplitude. C'est également l'arme redoutable utilisée par Édith Piaf avec un naturel désarmant. Ce vibrato ne passe pas inaperçu, même pour les oreilles moins averties. Il peut sembler lourd s'il est utilisé à profusion ou forcé par la voix.                  Le vibrato lent et sobre La lenteur du vibrato rend plus perceptibles la note initiale et le nombre de variations qui lui sont appliquées. Serge Lama l'exécute avec brio en modulant très peu la hauteur de sa note, produisant seulement un lent tremblement, comme pris par l'émotion. La très belle voix de Joan Baez s'enrichit aussi régulièrement de ces vibratos modérés qui apportent une résonance inégalable aux hymnes les plus classiques.             Le vibrato lent et appuyé Ce type de vibrato en chant se retrouve davantage dans un contexte lyrique ou classique. Le chanteur Luciano Pavarotti en est l'exemple type, avec des modulations d'amplitude fortement perceptibles, et une fréquence lente qui permet de bien ressentir les différentes oscillations.              Comment faire un vibrato avec sa voix ? La technique du vibrato en chant Vous vous demandez comment chanter avec un vibrato agréable ? Présent instinctivement chez certains, il n?apparaît chez d'autres qu'après un travail en profondeur sur la voix et le souffle. Avertissements réitérés : le vibrato ne se force pas, il se trouve. C'est en améliorant vos capacités de chanteur ou de chanteuse que vous parviendrez à créer cette subtile modulation. Plusieurs exercices existent dans le but d'éveiller votre conscience au passage du souffle dans la gorge et à son impact sur la pérennité du son. Vous pouvez par exemple saisir votre larynx entre les doigts et le faire osciller en produisant une note tenue. Autre possibilité, imiter le halètement d'un chien pour recréer des sensations dans la gorge et muscler le diaphragme. Expérimentez avec votre voix, mais prenez garde à ne pas forcer au risque de causer de vrais dommages à vos cordes vocales. Pour maîtriser le vibrato, il peut être intéressant de faire appel à un professionnel. Avez-vous déjà songé à suivre un cours de chant ? Nous vous proposons de nombreuses formules de cours qui pourront vous aider à affiner votre voix et comprendre la technique du vibrato. Les cours de chants sont d'ailleurs un moyen efficace de progresser sur la voie de la justesse, sans brusquer votre organe vocal. Quels sont les critères pour réussir un beau vibrato ? Tous les vibratos de voix ne rendent pas de la même façon. Innée ou acquise, cette technique peut toujours être améliorée en suivant les préceptes qui caractérisent un vibrato réussi : Il doit être régulier, tant dans la fréquence que dans l'intensité Les plus beaux vibratos semblent naturels, surtout pas forcés Comme tout ornement en chant, le vibrato se place avec parcimonie et non pas à chaque fin de phrase Mieux vaut s'abstenir que de pratiquer un vibrato non maîtrisé Le maître mot reste le lâcher-prise, car les contractions de la gorge empêchent l'apparition du vibrato Entraînement, persévérance et respect de la voix donneront leurs fruits Ni trop lent, ni trop rapide, le vibrato réussi ne doit pas demander d'effort Le vibrato forcé : comment le reconnaître et pourquoi l'éviter Il existe des méthodes utilisées par certains professionnels ou amateurs afin de recréer un vibrato simulé.La première consiste à s'entraîner à alterner deux notes proches, d'abord sur un rythme lent, puis en accélérant progressivement le tempo. La seconde technique de vibrato s'effectue à partir du diaphragme. En relâchant et contractant successivement ce muscle hautement sollicité dans la pratique du chant, le chanteur fait varier l'intensité de la note et produit une impression de vibrato. Cependant, il n'y a dans ce deuxième cas pas de modification de la hauteur de la note. Vous entendrez un do plus ou moins fort, qui restera un do.La beauté du vibrato, vous l'aurez compris, s'appuie sur le maintien d'une fluidité dans la force du son. S'il commence doucement, il doit continuer doucement. S'il est lancé à fort volume, il doit maintenir ce volume. La variation du volume sonore sur une même note n'est pas un vibrato, mais un trémolo, celui-là même que vous obtenez lorsque vous avez du mal à parler sous le coup de l'émotion ou que vous sautillez à vélo sur un chemin caillouteux. Pas très élégant... Une hauteur trop importante entre la note initiale et celle visée par le vibrato vous emmènera vers la trille, autre technique utilisée au piano qui consiste à alterner rapidement deux notes proches. Si Nathalie Dessay, cantatrice à la voix de soprano colorature, maîtrise à la perfection cet ornement des plus difficiles, elle concentre également des années de pratique nécessaires pour rendre la trille aussi agréable à l'oreille. Pour peu que votre vibrato soit trop lent, en utilisant la première technique par exemple, votre chant ressemblera plus à la voix d'une personne âgée à qui la tonicité musculaire fait progressivement défaut. En résumé, faites confiance à votre voix et continuez de travailler régulièrement sur des exercices de respiration et des vocalises progressives. L'apparition du vibrato sera la récompense de tous vos efforts. Vibratos et autres ornements dans les genres musicaux Le vibrato chez les chanteurs lyriques Dans le chant lyrique, la majorité des professionnels possèdent ce vibrato naturel, considéré comme le garant d'une bonne santé vocale. Il permet d'atteindre et de tenir des notes difficiles et de jouer légèrement avec la justesse sans que cela paraisse faux. Réaliser un vibrato lyrique se justifie également par la présence des orchestres qui accompagnent les chanteurs. Ce son projeté dépasse l'instrumentation et rend plus audible la mélodie chantée, qui à l'opéra n'est bien sûr pas amplifiée par micro. Pour diversifier vos techniques de chant, vous pouvez aussi apprendre à chanter les notes aiguës ou tenter ces astuces pour augmenter votre puissance. En effet, le vibrato apparaît plus facilement lorsque le chanteur possède déjà une certaine capacité pulmonaire. Les techniques ornementales du chant oriental Traditionnellement, le chant oriental possède de nombreux ornements chargés de développer la sensorialité et l'émotivité de la mélodie. Le vibrato oriental, à l'image de cette profusion d'expressivité, s'y fait d'une rare profondeur. L'incarnation la plus célèbre de ce timbre se nomme Oum Kalthoum, dont la voix exceptionnellement riche était admirée de Maria Callas elle-même. La chanteuse égyptienne impressionnait par des envolées légères complètement maîtrisées, et des vibratos en quart de ton distillés tout au long des morceaux sans jamais sembler ostentatoires. Les techniques de chant oriental peuvent s'apprendre en suivant des cours particuliers avec un professeur expérimenté en la matière. Qu'elle vienne d'Arménie, du Maghreb, de Chine ou d'Inde, la musique orientale s'appuie de façon plus explicite sur le transfert des émotions, d'où cette surabondance d'effets, détestée ou adorée, qui la distingue des répertoires occidentaux plus rectilignes.         Le vibrato instrumental : guitare, violon, saxophone, etc. Le principe reste le même pour tous les instruments. La réalisation du vibrato se produit en faisant varier la hauteur d'une note, plus ou moins vite, avec plus ou moins d'amplitude. Là où le geste diffère, c'est sur la partie technique. Le vibrato en violon, et sur tous les instruments à cordes, nécessite un apprentissage afin de faire osciller la corde tenue pour produire cette variation régulière. C'est exclusivement dans le travail du bras, du poignet et du doigt que se concentre le caractère de réussite, bien que la technique requiert également un certain lâcher-prise de l'ensemble du corps. Dans la famille des instruments à vent, le vibrato peut s'obtenir de façon mécanique, mais aussi de façon plus naturelle avec un jeu sur le souffle semblable à celui produit par la voix. Comme pour le chant, la technique du vibrato sert dans l'expressivité du musicien, sur des passages qui nécessitent un appui particulier. Son utilisation parcimonieuse le rend encore plus délectable.  Vous connaissez à présent l'essentiel sur la technique du vibrato. Cet article vous a-t-il donné envie de vous lancer dans les cours de chants ? Si vous avez encore des craintes à ce sujet, découvrez comment vaincre votre timidité pour trouver le professeur idéal qui saura vous guider vers le vibrato, et surtout, vers le plaisir de chanter.