0 La musique assistée par ordinateur, qu’est-ce que c’est ? ...

• M.A.O.
• by Administrator
• 13-12-2018

Par définition, la musique assistée par ordinateur (MAO) désigne tous les usages de l’informatique dans l’optique de créer des œuvres amateurs ou professionnelles, de les personnaliser ou même d’apprendre à jouer et composer. Existant depuis les années 1970, cette pratique s’est largement démocratisée ces dernières années, notamment grâce au développement des technologies numériques et à leur accès simplifié sur le marché. Comment l’utiliser quand on débute dans la musique ? Est-ce une bonne alternative aux solutions traditionnelles ?Les origines de la musique assistée par ordinateurL’apparition du synthétiseur matérialise la première étape de la musique numérique, qui se distingue de celle que l’on produit de façon acoustique, par des actions mécaniques (souffler, pincer ou frotter des cordes, taper, etc.). Cette machine permet, à elle seule, de reproduire toutes sortes de sonorités, ce qui évite d’apprendre chaque instrument pour obtenir une musique complète.Cependant, on remarque très vite que le son du synthétiseur ne sonne pas comme un piano ou une guitare classique, par exemple. Si certains placent cette invention au rang des hérésies musicales, d’autres décident au contraire d’en tirer parti. Le synthétiseur inspire une génération entière de musiciens, bien déterminée à s’approprier les sonorités, pour placer des genres inédits sur le devant de la scène.Par la suite, les formes de musique numérique se sont largement développées : on a vu apparaître de nouveaux types d’instruments électroniques (batterie, guitare, etc.) et, bien sûr, des logiciels informatiques permettant également de créer. Désormais, dans certains concerts, on ne sollicite plus que la musique électronique — d’autres choisissent de la mobiliser pour enrichir leur registre sur scène et en album. En bref, la musique assistée par ordinateur s’est imposée dans le monde des professionnels et, par son accessibilité, elle séduit tout naturellement les amateurs souhaitant apprendre.     Dans quel contexte utilise-t-on la MAO ?On peut composer une chanson tout entière par MAO, c’est le cas en musique électronique — mais certains artistes traditionnels optent aussi pour cette méthode. Sur l’ordinateur, on trouve une large palette d’instruments «?virtuels?», auxquels on n’a pas accès sur le moment.En parallèle, certains se servent de logiciels MAO dans l’optique d'éditer leurs propres partitions ou tablatures. Il existe même des applications pour apprendre à rédiger, ce qui ouvre la pratique aux néophytes.L’enregistrement numérique représente lui aussi une méthode très connue. Les compositeurs la choisissent pour concevoir leurs maquettes, afin de les envoyer en radio ou de les exporter sur des sites d’écoute, par exemple. Il s’agit d’un excellent outil pour tous ceux qui envisagent une carrière dans la musique — mais ne disposent pas encore du confort d’un studio d’enregistrement.Enfin, la musique assistée par ordinateur permet de traiter les sons, d’ajouter des effets, de nuancer et moduler ses propres titres, de façon à y apporter sa touche personnelle pour se démarquer des autres.Avec très peu de matériel, on peut avoir un résultat quasi professionnel sur le plan sonore, grâce à la musique assistée par ordinateur. Toutefois, afin de réussir à créer des sons qualitatifs, il faut prendre le temps d’apprendre à maîtriser les différents outils, ainsi que les bases et fondements de la composition.    Comment débuter en MAO ?Si la MAO vous inspire, équipez-vous du minimum requis pour vous lancer : il vous faut d’abord un ordinateur (misez sur un disque dur SSD qui garantira un stockage optimisé de vos données, et sélectionnez une bonne carte son ainsi qu’un processeur suffisamment puissant). Puis, vous devrez choisir votre séquenceur, le logiciel permettant les enregistrements : regardez bien les fonctionnalités offertes par les différents programmes, les avis sur le web — et naturellement votre budget, car toutes les applications n’ont pas le même prix.Enfin, pour bien commencer, nous vous recommandons de vous procurer quelques librairies sonores. Si vous souhaitez composer sur ordinateur en vue de jouer en réel ensuite, il vous faudra des bandes avec chaque instrument séparé, peu importe la qualité sonore. En revanche, si vous envisagez de produire des bandes-son qui vous serviront de maquette, il faudra des librairies comprenant des sections mélangées, en visant la qualité?!La MAO paraît très accessible : en théorie, elle l’est vraiment, puisqu’un simple ordinateur et quelques programmes informatiques suffisent pour se lancer. Toutefois, la musique reste un art : pour maîtriser le tout, il vous faudra du temps, de la patience et surtout de la motivation. N’hésitez pas à demander des cours pour vous aider, les professeurs se spécialisent de plus en plus dans ce domaine.     

0 Qui sont nos élèves ? ...

• Pédagogie
• by Administrator
• 13-12-2018

Nous aurions du mal à définir un profil type de nos élèves. Nos cours sont ouverts à tous sans exception ! Les cours démarrent à partir de 4 ans environ avec l’éveil musical. Et nous n’avons pas d’âge maximum… Les doyens de nos élèves dépassent les 90 ans.   Qu’il s’agisse d’enfants ou d’adultes, beaucoup d’aspirants musiciens sont confrontés à un problème : comment trouver l’enseignement qui leur correspondra ? Les conservatoires et écoles de musique ne sont pas toujours adaptés et on a souvent peur de s’engager dans des cours de musique qui ne nous plairont pas.Les cours particuliers sont une bonne réponse car ils permettent vraiment à chaque élève d’avoir un professeur qui ne se consacre qu’à lui, ses objectifs et éventuellement ses difficultés.   Beaucoup de nos élèves sont donc débutants, ou de niveau « intermédiaire » : par exemple nous connaissons beaucoup d’adultes ayant pratiqué la musique dans leur enfance ou leur jeunesse et ayant arrêté, faute de temps ou de motivation. Ils souhaitent « s’y remettre » mais ce n’est pas toujours évident de franchir le pas !Autre exemple, certains enfants ou adolescent ayant commencé la musique au conservatoire ou une école de musique. Le cadre formel de ces institutions, les programmes préétablis ou encore le manque d’ouverture vers des styles musicaux plus modernes sont souvent cités par les parents comme étant un motif de démotivation de leurs enfants. Leur proposer de poursuivre les cours avec nous est une bonne solution car nous proposons des cours personnalisés tout en gardant un excellent niveau musical.Nous proposons également des cours à des élèves de niveau avancé. Ceux-ci prennent des cours soit pour le plaisir de se perfectionner, mais le plus souvent les cours sont liés à un projet professionnel : par exemple étudiants en musique préparant un examen ou un concours, musicien professionnel souhaitant s’initier à un autre style musical ou même un autre instrument.   Tous les instruments, tous les styles !Depuis notre existence, nos conseillers ont reçu des demandes pour des dizaines d’instruments différents. Tout en haut du podium, et quasiment ex-aequo, se trouvent deux instruments-stars : le piano et la guitare. Viennent ensuite le chant, le violon, la batterie, l’accordéon, le saxophone…Mais nous recevons également parfois des élèves souhaitant aborder des disciplines plus originales : nous avons eu des demandes pour le didgeridoo (mais si, vous connaissez, c’est cet instrument à vent des aborigènes d’Australie), la guimbarde ou même la direction d’orchestre…Au niveau des répertoires, là encore nous proposons tous les styles de musique sans exception, et les élèves s’en donnent à cœur joie : variété, classique mais aussi clarinette klezmer, guitare bossa nova, flûte irlandaise…Leur point commun : le plaisir de jouer de la musiqueQuel que soit leur niveau, leur instrument ou leur style, nos élèves sont toujours dans une démarche de plaisir.Ce qui fait notre différence par rapport à un conservatoire par exemple, c’est que les élèves sont pris en compte individuellement. Rien ne leur est imposé : ni l’instrument, ni le style musical, ni la pédagogie. Ainsi par exemple si vous souhaitez jouer de la guitare, vous n’aurez pas d’obligation d’apprendre le solfège « classique » si vous ne le souhaitez pas.Plaisir d’apprendre, de progresser, et tout simplement de jouer de la musique pour soi-même ou en groupe : c’est vraiment le point commun de tous nos élèves !    

0 Rendre son jeu de guitare plus fluide malgré les idées reçues ...

• La Guitare
• by Administrator
• 12-12-2018

Tout semble si facile lorsque vous regardez vos guitaristes préférés. Les accords s’enchaînent, les arpèges filent une parfaite harmonie, le rythme est régulier, bref vous rêvez de pouvoir jouer à la perfection ! Bonne nouvelle, vous pouvez tout à fait apprendre à jouer aussi bien si vous adoptez les bonnes méthodes. Savoir gérer l’excédent de tension dans votre corps pourrait d’ailleurs être une solution pour améliorer votre technique. Beaucoup d'entre nous se mettent des barrières, s'attardant sur des idées reçues qui n'ont pas toujours lieu d'être, vous allez voir.    Mythe n° 1 : Je suis désavantagé car mes doigts sont trop courts ou trop largesBien sûr, avoir des doigts longs et fins peut vous faciliter les choses, mais si ce n’est pas le cas, rien n’est perdu ! Une guitare peut s’adapter à toutes les morphologies. C’est la raison pour laquelle les adultes comme les enfants peuvent apprendre à en jouer, quelle que soit la taille de leurs mains.Ce qui importe, ce n’est pas la proportion de vos doigts, mais leur agilité. Il s’agira donc de vous exercer régulièrement pour pouvoir maîtriser correctement votre instrument et ainsi jouer de façon plus fluide.     Mythe n° 2 : Impossible de me relaxer quand je joue de la guitareEn réalité, il est impossible d’être totalement relaxé lorsque l’on joue de la guitare (au sens propre du terme.) Vos muscles se contractent pour frotter les cordes avec le médiator et pour les pincer de l’autre main. Votre but sera alors d’éviter toute tension supplémentaire et non désirée. Si vous êtes trop contracté, vous ne pourrez jamais faire sonner votre instrument comme vous le souhaitez. Définir des objectifs précis vous aidera également à vous concentrer sur ce qui est important pour vous entraîner et progresser rapidement à la guitare. Mythe n° 3 : Les meilleurs guitaristes ont peu d'efforts à faireLes plus grands musiciens dépensent beaucoup d’énergie. Le niveau de tension présent dans leur corps dépend du morceau qu’ils jouent. Certaines techniques de guitare nécessitent en effet de pincer les cordes de façon plus prononcée. Par exemple : faire une note tirée en vibrato ou avoir un jeu en double corde tirée demandera plus d’efforts à votre main que de jouer simplement des gammes. La main qui tient le médiator doit quant à elle être plus énergique pour jouer des rythmes plus « metal » (par exemple) , mais jouer des arpèges lui demandera moins d’efforts.     Le défi pour vous sera alors de mettre en jeu la tension adéquate pour obtenir le son que vous voulez, mais sans forcer beaucoup plus.Vous devez trouver le niveau de tension idéal pour chaque phrase musicale ou morceau que vous aurez à jouer. Ensuite, apprenez à vos mains à se mouvoir correctement sans les contracter plus que nécessaire. Votre jeu n’en sera que plus fluide. Mythe n° 4 : Jouer lentement est le seul moyen d’évacuer l’excès de tension   Vous pouvez (et devez), vous relaxer pour jouer n’importe quel rythme. Vous devez également élaborer un entraînement spécifique pour pouvoir jouer sans tension supplémentaire à une vitesse soutenue. Par exemple, s’entraîner à jouer avec de soudaines accélérations et de nombreux changements de rythme. Voici une méthode : jouez 4 à 6 notes avec un tempo très rapide, puis stoppez tout. Essayez de vous relaxer si vous ressentez une tension dans votre corps. Rejouez la même suite de notes en gardant une vitesse identique. Travaillez cet exercice encore et encore, jusqu’à ne plus ressentir de contractions dans vos muscles. Ajoutez ensuite 2 à 4 notes à votre mélodie et répétez ce processus. Après quelque temps vous devriez être capable de jouer sans tension excessive.Le mot de la fin Sachez qu'il n’existe aucun instrument « facile ». Ainsi, savoir jouer de la guitare vous demandera de l’entraînement afin d’acquérir la coordination nécessaire et obtenir les sons que vous désirez.    

0 Tout ce que vous devez savoir avant d'apprendre à jouer du violon ? ...

• Le Violon
• by Administrator
• 12-12-2018

Le violon est un instrument qui jouit d’une image de prestige. C’est un instrument qui nous semble toujours puissant, fragile, et très difficile à manier. Nous vous proposons de découvrir tout ce que vous devez avoir en tête, avant d’apprendre à jouer du violon.    Le violon, portrait d’un instrument historique et authentiqueLe violon est un instrument de la famille des cordes frottées, comme l’alto, le violoncelle ou la contrebasse. Il a pour ancêtre le rebab des pays arabes, utilisé depuis le Xème siècle, mais aussi la vièle, très en vogue en Europe depuis le Moyen-Age. Il ne faut pas confondre les instruments à cordes frottées, avec les instruments à cordes pincées, dont le plus célèbre est la guitare. Les cordes du violon sont, soit frottées, soit pincées selon les morceaux et les choix de l’instrumentiste.Du point de vue de sa fabrication, le violon est un instrument complexe constitué pour les modèles de base de 71 pièces : entre table, fonds, tête, chevalet, taquets…Enfin, un violon classique possède quatre cordes, accordées à la quinte soit : sol, ré, la, mi. Toutes ces données sont valables pour un violon dit « classique » mais d’autres pièces ou d’autres cordes peuvent être ajoutées.       Devenir violoniste sans casser les oreilles de ses proches, c’est possible !Nous avons tous en tête les sons grinçants d’un violoniste débutant, entouré de ses proches, les mains posées sur leurs oreilles… Oui, la façon dont l’élève posera et fera vibrer son archet sur les cordes sera déterminant pour le son produit mais si l’on décidait d’être positif ? Et si l’archet était bien positionné dès les premières leçons, tout simplement ?Les premières séances d’apprentissage du violon, réalisées au côté d'un de nos professeurs diplômés, peuvent être décisives pour la suite de votre apprentissage.Le violon reste tout de même, comme la majorité des instruments, un outil qu’il faut travailler quotidiennement. C’est un instrument qui demande une réelle rigueur mais qui apporte aussi beaucoup de plaisir.    Un violon, combien cela coûte en réalité ?Le violon, constitué d’un long et complexe assemblage de pièces, est un instrument précieux. Fragile, il doit être manié avec une grande précaution, d’autant que son prix peut très vite grimper. Comptez entre 400€ et 500€ pour un bon violon d’étude et une fourchette de prix allant de 800€ à 2000€ pour un violon de maître fabriqué en France. Vous pouvez également faire le choix de louer l’instrument auprès d’une école de musique ou d’un professionnel extérieur.Idéalement, un violon d’étude est proposé pour les violonistes ayant entre 6 et 13 ans. Plusieurs tailles d’instruments se succèdent : 1/8, 1/4, 1/2, 3/4, 7/8 et 4/4 pour la dernière version. Ce choix est à faire avec les conseils d’un professionnel de la vente ou d’un professeur de violon. En fonction de la taille de l’enfant, le format du violon ne sera pas la même.Au prix de l’instrument, s’ajoute ensuite celui de ses accessoires et notamment de l’archet. De très bons archets sont disponibles pour un prix d’environ 80€ puis, suivant le jeu, la matière, l’aspect de celui-ci, il pourra vous coûter plusieurs centaines d’euros.Notez enfin qu’un jeu de cordes complet de violon coûte environ 40€ et que les cordes se changent idéalement une fois par an pour les instrumentistes réguliers.Le violon est un incroyable instrument qui vous permettra de passer de Vivaldi à Louise Attaque en quelques instants, du classique au contemporain, en passant par la musique celte ou tzigane.      

0 La musique c’est la santé - Episode # 3 : La joie et l'optimisme ...

• Les Vertus de la Musique
• by Administrator
• 02-12-2018

Ante : Selon des statistiques qui nous parviennent d'un centre de recherche Norvégien sur l'étude des comportements musicaux, les personnes pratiquant la musique sont 76% à voir plutôt le verre à moitié plein, alors que chez les personnes non musiciennes le taux descend à 54%, alors que le niveau dans le verre, lui, n'a pas changé. Nous avons vu précédemment en quoi la pratique de la musique permettait de gagner en souplesse et de rester énergique, nous avons également parlé de ses vertus relaxantes. Aujourd'hui nous abordons une autre de ses multiples facettes au travers de sa capacité à développer en nous joie et optimisme.En effet, si la musique adoucit les moeurs, c'est surement parce qu'elle est une discipline formidable qui permet de trouver ou re-trouver une certaine harmonie et de multiplier les liens entre notre corps et notre esprit. On sait par exemple que la pratique de la musique sollicite de plus nombreuses zones de notre cerveaux (droit et gauche) que la pratique de la lecture. A ce niveau là, on constate donc encore une fois que la musique est un formidable catalyseur, créateur de passerelles entre nos différentes fonctions corporelles et psychologiques.Et c'est en créant ces liens, nombreux et transversaux, que la musique semble alors détenir sur nous un pouvoir magique, quelque chose que nous avons aujourd'hui, en terme scientifique, toujours du mal à expliquer. La joie de pouvoir jouer son premier enchaînement accord de piano, sans fausses notes, en rythme, et l'envie de le jouer en boucle sans fin, tant le sens que l'on donne aux sons est fort. Cela se rapproche parfois même d'une prière, d'un mantra, que l'on répète sans cesse afin de nourrir d'autant plus ce pouvoir musical dont nous sommes la source créatrice. Prendre enfin confiance dans sa voix, et trouver la justesse des notes.Chanter seul, a capella, ou s'exprimer au sein d'une chorale en sentant résonner autour de soi et en soi les vibrations vocales de l'ensemble du groupe. Comme une évidence qui se révèle à nous, tant la fulgurance de cette cohérence sonore nous surpasse. Taper sur un fût, y mettre ses tripes. Etre heureux, ici et maintenant, de se retrouver au centre de cette énergie débordante que nous n'aurions pas soupçonnée, et le sourire enfantin d'une joie spontanée se dessinant aux commissures de nos lèvres, parcourant notre coeur et se prolongeant dans nos bras.    

0 Comment jouer de la batterie Jazz ? ...

• La Batterie
• by Administrator
• 30-11-2018

Miles Davis, Louis Amstrong, Ella Fitzgerald et bien d’autres pointures de la musique Jazz ont ouvert la voie à de nombreux musiciens. Aujourd’hui, le Jazz continue d’attirer et de séduire par ses sonorités atypiques et ses rythmes décalés. De nombreux Saxophonistes, chanteurs, pianistes, mais également des batteurs s’épanouissent dans ce répertoire musical dans lequel la liberté semble être le maître mot. En revanche, comme dans tous les styles musicaux, avant de se lancer corps et âmes il y a certaines connaissances à acquérir afin d’être capable d’improviser des rythmes Jazz sur sa batterieOn tout ce dont vous aurez besoin de savoir pour devenir un batteur de Jazz aguerri. Les origines du Jazz, quelques mots sur son histoireLe Jazz naît aux États-Unis au début du XXe siècle au sein de la communauté afro-américaine, très présente en Nouvelle Orléans. Il est issu du Gospel, qui était chanté à l'époque essentiellement lors de cérémonies religieuses. Au fil des décennies, le Jazz évolue, se libère et prend une ampleur différente. Voici les principales dates clés :1930 : Naissance du swing qui se joue en orchestre à 3 sections1940 : Evolution vers le Bebop qui est marqué par des tempos rapides et se joue plutôt en petite formation1950 : Le Bebop évolue vers le Hardbop qui adopte un tempo un peu plus lent1950 (fin) : Développement du Free Jazz. Comme son nom l’indique le Jazz se libère de toutes les conventions auxquelles il était attaché lors des 3 décennies précédentes. Le Free Jazz est également une volonté de la communauté afro-américaine de rompre avec la musique occidentale.1960-70 : Le Jazz fusionne avec d’autres genres musicaux ce qui donne notamment le Latin jazz, le Jazz rock, le Jazz funk et l’Acid Jazz.      Les Balais, les baguettes préférées des JazzmenLe rythme a une importance capitale dans le Jazz. Même si la mélodie peut parfois donner une impression de décadence, un morceau de Jazz est très structuré par le rythme. Le rythme c’est l’essence même d’un morceau, et apporte la structure. Cependant, jouer du jazz et jouer du rock à la batterie, cela n’a rien de comparable. Le Jazz exige certaines subtilités qui sont difficiles à faire ressortir avec les traditionnelles baguettes de batterie. C’est pour cela que dans les années 1920 les balais ont apparu et se sont réellement imposés dans les années 1930. Les balais sont une variante des traditionnelles baguettes de batterie, à la différence qu’ils ne possèdent pas d’olives, mais des brins métalliques, qui permettent des frappes plus nuancées sur les peaux et les cymbales de la batterie. Les balais sont très utiles pour jouer les « ghost notes » (frappes douces sur la caisse claire) que l’on retrouve fréquemment dans le genre musical. Balais rétractables métalliques, balais en plastique, balais en métal tressé, il existe plusieurs modèles de balais disponibles dans les magasins de musiques et sur les sites marchands spécialisés.Jouer du Jazz : La technique des balaisPour jouer du jazz à la batterie, on ne frappe pas les peaux et les cymbales avec les balais comme on les frappe avec des baguettes traditionnelles. Il existe plusieurs techniques de frappe lorsque l’on joue avec des balais.Technique n°1La première technique consiste à faire des cercles sur la caisse claire avec la main gauche de manière rythmée, tout en faisant des arcs de cercle avec la main droite sur le haut de la caisse claire. Ces différents mouvements doivent s’effectuer de manière synchronisée en fonction du rythme choisi.Technique n°2Pour la seconde technique, le mouvement de la main gauche reste identique à celui de la technique n°1. La main droite en revanche dessinera des croissants de lune sur le côté de droit de la caisse claire, toujours en rythme.Technique n°3La troisième technique consiste à croiser les balais en faisant des allers-retours en rajoutant des accentuations et des « feelings ».Technique n°4Pour cette dernière technique, il s’agit d’effectuer un cercle avec chaque main en tournant dans le sens opposé, en rajoutant des accentuations.Bien sûr, quelle que soit la technique utilisée, les mouvements doivent être effectués dans une parfaite synchronisation, être régulier dans un rythme typiquement jazz.    Les rythmes du JazzPour jouer du Jazz il est recommandé de posséder des bases solides en batterie, car c’est un genre musical complexe qui nécessite une parfaite maîtrise rythmique, mais également, car il s’agit pour la plupart du temps d’improvisation et non de la lecture d’une partition. Pour les débutants qui souhaitent jouer du Jazz, il n’est pas impossible de s'entraîner à jouer du jazz, et cela les fera même progresser. En revanche, pour faciliter son apprentissage du Jazz il est recommandé de jouer d’abord du rock et surtout du blues qui constitue une bonne préparation au Jazz. Le Jazz se joue en rythme ternaire, c’est-à-dire que chaque temps est divisé en 3 croches égales. Pour maîtriser un rythme de Jazz il est donc indispensable de bien maîtriser les triolets.Le rythme de base consiste à accentuer la 1re et la 3e croche d’un triolet. Quant à la 2e, elle n'est pas frappée. Cela s’appelle shuffle feel et se joue sur la cymbale ride.      Il existe de nombreux rythmes différents en Jazz qui demandent un certain entrainement. Surtout pour commencer, n’hésitez pas à faire appel à un professeur de batterie qui vous enseignera les rudiments du Jazz, et qui vous donnera tout un panel de conseils pour vous aider à maîtriser toutes les subtilités du genre musical.      

0 10 femmes guitaristes célèbres de 1960 à aujourd’hui ...

• La Guitare
• by Administrator
• 27-11-2018

La musique laisse parfois peu de place aux femmes. Sélective comme l’est le monde du travail, elle accorde des statuts privilégiés aux musiciens en oubliant les musiciennes de talent qui regorgent au cœur de chaque décennie. Les médias eux-mêmes se montrent peu nombreux à mettre en avant celles qui ont chamboulé la musique par leur créativité et leur technique. De 1960 à notre époque, partez à la découverte de 10 guitaristes féminines aux doigts de fée, qui égalent ou ont égalé sans conteste les hommes les plus virtuoses du domaine.Les guitaristes femmes dans la musique classique   Élitiste, la musique classique ? Pour les femmes, sans doute moins que d'autres domaines, bien que le choix de l'instrument joue beaucoup sur les chances de percer dans le milieu. En tous les cas, une chose est indéniable : les guitaristes qui figurent dans cette catégorie ont fait preuve d'un entraînement sans faille pour parvenir à exceller dans leur milieu.1980 : Kaori Muraji, passionnée de guitare depuis ses 3 ansLe monde occidental se laisse difficilement conquérir par les artistes asiatiques. C'est pourtant la prouesse qu'a réussie Kaori Muraji en signant un contrat exclusif avec la maison de disques britannique Decca Records, connue pour avoir refusé les Beatles lors de leur première audition. Bien qu'elle se soit aujourd'hui retirée du monde professionnel pour des raisons de santé, la musicienne laisse un héritage important, mêlant dans ses interprétations une sensibilité fine, une apparente tranquillité apaisante et une excellente technique. Autant de qualités qui lui permettent de jouer un air de Chopin et d'en restituer toute l'élégance :  Your browser does not support the video tag.  1990 : Ana Vidovic, la prodige aux multiples récompensesÀ seulement onze ans, la jeune Ana parcourt déjà les scènes internationales pour donner des concerts en Europe et aux États-Unis. Elle intègre l'École Nationale de Musique de Zagreb puis étudie la guitare à Baltimore. S'ensuivent de nombreux prix et récompenses pour des concours prestigieux comme le Francisco Tárrega Competition en Espagne. Son jeu impressionne les plus grands : sa précision, sa chaleur et son émotion, la variété de son répertoire donnent une dimension inégalable à chacune de ses représentations. Elle pourrait bien vous donner envie de débuter la guitare classique...  Your browser does not support the video tag.  2000 : Tatyana Ryzhkova, la révélation championne du webSur la plateforme YouTube, elle cumule à elle seule les meilleures notes de la catégorie guitare classique. Mais c'est au cours de ses nombreux concerts partout dans le monde que Tatyana construit peu à peu son public, enchanté par ses interprétations pleines de fraîcheur et de sensibilité. Sa reprise de "Fantasia La Traviata" de F.Tarrega reste saisissante par les intentions qu'elle y met, la technique parfaite qu'elle y montre, et la passion indubitable qui l'y lie à son instrument (admirez ses expressions faciales et la joie qui l'anime !) :  Your browser does not support the video tag.  Vous voulez plus de références de femmes guitaristes talentueuses dans la musique classique ? Demandez à votre professeur de cours de guitare de vous citer sa musicienne préférée, si elle ne figure pas dans ce classement.   Les guitaristes femmes dans le rock et le métal   Voici un domaine autrement plus difficile pour les femmes. S'y faire une place, y acquérir une notoriété et une légitimité relève parfois du pur défi. Pourtant, vous constaterez que les guitaristes féminines disposent d'autant d'énergie et de dextérité que leurs homologues masculins.1970 : Joan Jett, pionnière du punk féminin et glamour des 70’sGuitariste et chanteuse au sein du groupe féminin The Runaways, Joan Jett connait le succès avec des tubes internationaux tels que I Love Rock'n'Roll ou Bad Reputation qui amènent la renommée des interprètes jusqu'au Japon. La rupture du groupe tient à des divergences musicales, Joan préférant le punk au métal, à l'inverse de ses coéquipières. Dans le film "The Runaways", on comprend l'influence majeure qu'a eu ce groupe sur les artistes féminines, libérées des carcans de la pop suave et enfin légitimes dans le milieu du hard-rock.  Your browser does not support the video tag.  1990 : Jennifer Batten, la représentante des femmes aux guitar heroesConnaissez-vous ce classement non officiel qui rassemble les plus éminents guitaristes du rock et du blues, les guitar heroes ? Jennifer Batten y tient la seule place attribuée à une femme, place qu'elle mérite amplement au vu de son parcours. La guitariste a en effet accompagné Mickael Jackson sur l'intégralité de trois tournées, délivrant des solos absolument titanesques affublée de sa longue crête de cheveux blonds. Artiste à part entière, elle suit ensuite le grand Jeff Beck en live comme en studio et se paie même le luxe de composer à la guitare trois albums solos. Une référence incontournable pour tous les guitaristes, hommes ou femmes.  Your browser does not support the video tag.  2000 : Orianthi Panagaris, l’Australienne qui enchaîne les grosses collaborationsPrince, Steve Vai, Carlos Santana : ils sont autant de grands noms de la guitare à lui faire de l’œil depuis ses débuts. C’est sans préciser qu’en 2009, la jeune Orianthi, alors âgée de 24 ans, est retenue par Michael Jackson lui-même pour figurer comme guitariste principale de sa tournée (dont elle n’assurera finalement que les répétitions, du fait du décès prématuré du chanteur). Elle exerce trois ans dans le groupe Alice Cooper et sort plusieurs albums en solo ou coécrits avec le guitariste Richie Sambora (du groupe Bon Jovi).Cette blonde électrique, dotée d’une énergie extraordinaire et d’un vrai charisme, possède une technicité absolument phénoménale :  Your browser does not support the video tag.  Les guitaristes femmes dans le folk et les musiques latines   Entre ballades accrocheuses et technique rythmique précise, la musique folk et les musiques latines représentent un univers bien particulier au cœur duquel certaines musiciennes s'épanouissent avec une beauté et une émotion rares. Bien que la dextérité soit au rendez-vous, la véritable pépite réside dans l'ensemble créé, l'harmonie recherchée entre l'instrument et la guitariste.   1960 : Joni Mitchell, une voix d’ange alliée à un jeu plein de douceurC’est en autodidacte que la jeune Joan s’initie à la guitare à l’âge de 9 ans. De cette phase autonome, elle gardera une façon très particulière d’accorder son instrument au gré des chansons folks qu’elle offre à un public charmé. Devenue une icône des mouvements sociaux des années 1960, elle reçoit le prix Polar Music en 1996 en récompense de sa carrière riche et marquante pour le monde de la musique. En effet, de nombreux guitaristes de renommée internationale ne cachent pas leur admiration pour la chanteuse interprète et musicienne, à l’instar de Neil Young, Robert Plant ou Jeff Buckley.  Your browser does not support the video tag.  1970 : Bonnie Raitt, la « blueswoman » activiste et récompenséeC’est durant les années 1970 que la jeune femme se fait connaitre, en participant à des concerts de blues en faveur de causes environnementales. Son disque « I'm in the mood » coécrit avec John Lee Hooker lui permet de remporter un prestigieux Grammy Awards. En l’année 2000, Bonnie Raitt entre dans la légende comme membre du Panthéon du rock, le fameux Rock’n’roll Hall of Fame, aux côtés d’artistes légendaires tels qu’Elvis Presley, James Brown, John Lennon ou Michael Jackson. Une consécration ultime pour celle qui se bat toujours avec sa musique contre les dégradations environnementales, les inégalités sociales et le non-respect des droits de l’homme.  Your browser does not support the video tag.  2000 : Gabriela, le rythme endiablé du groupe Rodrigo y GabrielaRévélée par son duo avec Rodrigo Sanchez dans leur groupe éponyme ces dernières années, Gabriela Quintero commence sa carrière de guitariste en jouant des reprises de métal dans les rues mexicaines, avant de se tourner vers l’Irlande où elle offre un jeu plus adapté au grand public. Sans renier ses préférences initiales (que l’on retrouve dans le choix des morceaux et dans l’énergie incroyable délivrée par la musicienne), elle a développé une très grande technicité à la guitare acoustique, et particulièrement pour la partie rythmique qu’elle assure entièrement au sein du duo. Percussions sur toutes les parties de la guitare, accords enchaînés avec une aisance impensable, Gabriela emprunte aux Tziganes ce qu’elle réinjecte dans des reprises qui ont su conquérir l’Europe en seulement quelques mois. Parfois laissée dans l’ombre au détriment des solos et des lignes mélodiques de Rodrigo, elle tient une place essentielle dans ce groupe, et inspirera sans aucun doute des générations de guitaristes. Leur titre le plus connu a fait le tour de la planète :  Your browser does not support the video tag.  2000 : Paulette Wright, multi-instrumentaliste à la voix délicatePianiste, guitariste, comédienne, chanteuse, de quels talents pouvait bien manquer la Française Paulette Wright ? À l’entendre, difficile de ne pas rester subjugué par son univers empreint de douceur, de musicalité et de rêveries imaginaires. Disparue en 2018 à l’âge de 28 ans, elle lègue au monde un témoignage discret, mais émotionnellement puissant de la féminité transcendée par la musique.  Your browser does not support the video tag.     Jouer de la guitare en étant une fille, c'est possible !Et c'est même une excellente idée, car comme vous avez pu le constater, l'instrument ne nécessite aucune disposition particulière qui réserverait son usage aux hommes. Que ce soit dans un groupe de hard rock bien suintant, au sein d'un orchestre de chambre intimiste ou en solitaire le cœur en bandoulière, les musiciennes continueront à délivrer leurs émotions et leur technique, pour le plus grand plaisir des mélomanes.

0 Top 5 des meilleurs exercices de solfège pour progresser ...

• Le Violon
• by Administrator
• 25-11-2018

Le solfège doit être travaillé tout autant que l’instrument pour progresser plus rapidement. Rythmes, lecture de notes, déchiffrage de partitions, il n’est pourtant pas toujours une partie de plaisir… Nos professeurs diplômés vous proposent quelques exercices de solfège pour progresser plus efficacement.   1. Décomposer les rythmes d’une nouvelle façonLes premières leçons de solfège que l’on suit à l’école, en primaire ou en maternelle, portent d’abord sur l’identification des notes. On apprend alors que chaque symbole renvoie à une note, mais aussi à un rythme bien précis. « Noire, noire, deux croches noire, blanche »… Nous avons tous déjà scandé ces chansons rythmiques instituées par Maurice Marthenot, mais sachez qu’une autre méthode de décomposition chiffrée existe. Il peut en effet être plus facile et plus logique pour l’élève de nommer les temps « 1 - 2 – 3 – 4 » plutôt que de prononcer l’imprononçable « ron – on – on – de ». On parle alors de « subdivision numéraire ».    2. Progresser grâce à la lecture de notesDéchiffrer une partition ou une tablature, c’est parvenir à lire les ensembles de notes. Plus cette lecture sera fluide, plus votre jeu sera facilité. Pour progresser plus rapidement, prenez l’habitude de vous asseoir chaque jour quelques minutes devant une partition et de lire les notes. Vous entrainez ainsi visuellement votre cerveau à associer un symbole, à une note, puis à un doigté. Les notes situées au-dessus et en-dessous d’une portée vous demanderont plus d’entraînement.3. Alterner entre clé de sol et clé de faLes musiciens remarquent durant leurs premiers mois de solfège que la lecture des notes en clé de sol est toujours plus facile que celle en clé de fa. C’est cette clé que nous abordons durant notre parcours scolaire et donc celle qui est mémorisée plus rapidement par tous les élèves. Se forcer à alterner les deux lectures vous permettra de progresser plus rapidement, surtout pour les pianistes qui doivent souvent dédier une clé à chacune de leurs mains. N’hésitez pas à faire également des lectures de notes corrigées ou sous-titrées pour travailler votre mémoire. Certains instruments vous demanderont de maîtriser également la clé d’ut comme le violon par exemple.    4. Solfège, se laisser séduire par la dictée de noteSi vous n’avez pas la chance de prendre des cours de solfège, vous pouvez – et nous vous le conseillons vivement – réaliser vous-même des exercices théoriques chez vous. De la même façon que les dictées nous apprennent l’orthographe, les dictées de note permettent aux musiciens d’écrire la musique en respectant le rythme, de mieux percevoir les intervalles et les sons, mais aussi d’améliorer leur oreille musicale. Vous trouverez sur la toile de nombreux sites d’exercices en ligne. Si vous êtes accompagné par un professeur de musique, vous pouvez tenter d’écrire les notes et rythmes de vos morceaux préférés, et lui proposer de les corriger de temps en temps.5. Progresser en solfège avec les gammes majeures et leurs altérationsLe dièse, le bémol et le bécarre sont les trois types d’altération que l’on retrouve en musique et que vous devrez identifier sur vos partitions. Ils permettent de monter, de baisser une note ou d’effacer l’effet d’une ancienne altération. Il est alors nécessaire de bien connaître les règles d’écriture de ces petits symboles pour savoir à quelle note ils se rapportent exactement. Notez que les altérations constitutives - groupées et situées en tout début de partition, juste après la clé- diffèrent des altérations dites « accidentelles ». Là encore, le travail, la répétition et la mémorisation vous aideront à lire et à intégrer ces notions rapidement.     

0 Comment initier son enfant au solfège ? ...

• Le Coin des Parents
• by Administrator
• 25-11-2018

Il n’y a pas d’âge pour débuter la musique : à tout moment, on peut se familiariser avec un instrument. Mieux encore, plus les leçons commencent tôt, plus l'on multiplie ses chances de progresser rapidement, afin de devenir plus tard un excellent instrumentiste. Dès lors qu’un enfant éprouve le désir de découvrir cet art, il faut l’encourager, et l’accompagner en ce sens : l’envie doit toujours être le premier moteur. Mais comment s’y prendre pour passer l’étape du solfège, théorique, susceptible de faire peur aux plus jeunes ? Voici quelques astuces pour aider ces chères têtes blondes à comprendre les bases de la musique — vous serez surpris de voir à quelle vitesse ils peuvent assimiler toutes les connaissances.À partir de quel âge peut-on commencer la musique ?Beaucoup de parents se posent la question de l’âge à partir duquel il est possible d’inscrire son enfant à des cours de musique, afin de débuter le solfège et de découvrir un nouvel instrument comme la guitare, le violon ou encore le piano. Concrètement, tous les enseignants ne répondent pas de la même manière à cette question, car certains estiment qu’il n’est jamais trop tôt, tandis que d’autres préfèrent tout de même instruire des élèves qui ont déjà appris la lecture, par exemple (après le cours préparatoire).    Idéalement, on s’accorde souvent sur l’âge de 6-7 ans, qui semble totalement adapté à l’apprentissage du solfège. En effet, à ce moment, l’enfant est intellectuellement capable d’engranger une grande quantité d’informations. Il a bien travaillé sa mémoire, et il sait se moduler à de nouvelles formes d’apprentissage (c’est pour cette raison que l’on conseille aussi de débuter l’anglais à l’école primaire?!).Avant l’âge de 6 ans, les parents peuvent tout naturellement commencer l’éveil musical de l’enfant, au travers de différentes pratiques : lui faire écouter de la musique dès sa naissance, lui acheter des jeux musicaux destinés au premier âge, puis des petits pianos factices après 3 ans. Si vous avez un ou plusieurs instrument(s) authentique(s) à la maison, jouez-en devant l’enfant très tôt : il éprouvera logiquement l’envie de toucher, d’essayer et d’apprendre plus tard.Finalement, la découverte de la musique et des instruments précède souvent la familiarisation avec le solfège. Car s’il faut un minimum de capacités intellectuelles pour engranger toutes ces notions théoriques, on peut déjà développer un attrait pour la musique bien avant 6 ans?!Comment apprendre le solfège en s’amusant ?Puisque le solfège peut sembler compliqué et difficile d’accès au premier abord, quelques astuces facilitent son apprentissage, lorsque l’on doit composer avec un public jeune : il faut miser sur l’aspect ludique?!À titre d’exemple, il existe des jeux de cartes spécialement pensés pour apprendre progressivement le solfège. On débute avec les clés de sol et clés de fa, puis l’on introduit petit à petit de nouveaux éléments. L’enfant se familiarise avec la théorie sans même s’en rendre compte, puisqu’il a simplement l’impression d’être au cœur d’une partie de cartes?!Idéalement, on évite d’immerger l’enfant dans un livre de solfège, surtout s’il n’est pas destiné à cette cible. Si vous aimez ce support, choisissez des éditions adaptées à son âge. Sinon, jouez plutôt sur les couleurs, les ateliers avec des autocollants et les dessins en tous genres. Certains ont même conçu des cahiers de coloriage sur la thématique. Là encore, l’enfant ne se contente pas de s’amuser avec ses crayons, il apprend sans s’en rendre compte.Sur la toile, dans les librairies spécialisées ou auprès des professeurs dans les écoles de musique, les ressources ne manquent pas pour accompagner les plus jeunes dans la découverte du solfège. Demandez des conseils, armez-vous de supports adaptés à l’âge de l’enfant — et n’oubliez jamais que tant qu’il s’amuse, il continuera volontiers les leçons et progressera rapidement. Enfin, pour optimiser les chances de réussir l’apprentissage, le recours à des leçons avec un enseignant demeure la meilleure solution?!    

0 Les 10 plus beaux airs d'opéra à chanter ...

• Le Chant
• by Administrator
• 25-11-2018

L'opéra est depuis toujours vecteur de grandes émotions. La musicalité et la beauté de ses airs séduit même les plus néophytes en la matière. Il en existe toute une variété, et correspondant à toutes les tessitures possibles. Que vous souhaitiez chanter votre amour, exprimer votre colère ou confier votre peine, entonner un air d'opéra pourrait bien devenir votre catharsis personnelle.    Faut-il une voix particulière pour chanter de l'opéra ?Coffre, puissance, volume, hauteur, la voix d'un chanteur ou d'une chanteuse d'opéra remplit souvent un certain nombre de critères définis par les contraintes musicales et par l'interprétation requise. En fonction du type de voix de l’interprète, le personnage joué paraîtra plus ou moins agréable, méchant, drôle ou naïf. Si vous souhaitez chanter des airs célèbres avec conviction, choisissez ceux qui paraissent correspondre à votre tempérament et à votre façon de chanter. Voici quelques exemples des caractéristiques de voix souhaitées en fonction des personnages :Le héros : ténorL’héroïne : soprano lyriqueLa jeune femme, la soubrette : soprano légerLe jeune homme, le travesti, la servante : mezzo-sopranoLa séductrice, la méchante : mezzo-soprano dramatiqueLa sorcière, la femme âgée : contre-alto ou altoLe père, le mari, l'amant : barytonLe roi, le sage, le méchant : basseCes indications varient en fonction du compositeur, de l'époque, des capacités personnelles du chanteur. Vous pouvez donc tout à fait reprendre un air d'opéra pour baryton en étant soprano si le cœur vous en dit, en ajustant la tonalité.     Les airs d'opéras célèbres les plus connusVous les avez sans doute entendus dans une publicité, à la radio ou lors d'un concert. Ces airs très célèbres extraits des opéras les plus joués au monde font vibrer, tant par leur prouesse technique que par la vive émotion portée par le texte. Même si vous ne comprenez par l'italien ou l'allemand, vous serez certainement saisi par l'intensité des interprétations.     "L'amour est un oiseau rebelle" dans Carmen, de BizetConsacré et reconnu par le milieu populaire, l'opéra de Carmen reste l'un des plus chantés et des plus appréciés. Stromae lui-même s'en inspire largement dans sa chanson éponyme. L'histoire de cette femme extravagante, séduisante, au caractère trempé, qui préfère mourir libre plutôt que de vivre sous le joug de l'amour, a transcendé des générations. Dans cet air mélodieux, l'héroïne exprime sa vision particulière de la séduction et de l'amour, qui fuit celui qui le cherche mais trouve celui qui ne l'attend pas."L'air de la reine de la nuit" dans La Flûte Enchantée, de MozartAttention, voici un morceau qui n'est pas accessible à tout le monde, et pour cause. "L'air de la reine de la nuit" représente une véritable prouesse de soprano dramatique, à la fois de par ses notes hauts perchées atteignant le contre-fa, et de par ses trilles énergiques. Il en faut au moins autant pour arriver à la hauteur de la colère de cette méchante reine, qui demande à sa propre fille de tuer son adversaire, le sorcier, sans quoi la jeune fille sera répudiée. "Sempre libera" dans La Traviata, de VerdiCet opéra connut un succès quasi immédiat, après une première représentation quelque peu incomprise. Passion de l'amour interdit, sacrifice et destin tragique s'entremêlent dans cette composition émouvante qui laisse la part belle à l'héroïne, une courtisane mortellement atteinte de tuberculose. Dans cet air d'une rare difficulté technique, Violetta dévoile ses émotions face aux convenances qui l'estiment "perdue", le sens même du mot "traviata". "Non più andrai" dans Les Noces de Figaro, de MozartLe personnage de Figaro imaginé par Beaumarchais prend vie et couleur sous les notes du plus célèbre compositeur de tous les temps. Dans cet air, le valet Figaro fait une description pittoresque des amusements auxquels n'aura plus le droit le jeune Chérubin, amoureux invétéré de toutes les femmes, dès lors qu'il entrera dans l'armée. Malgré l'apparente facilité de la mélodie, c'est un morceau qui requiert toute la puissance d'une voix bien placée. "Largo al factotum" dans Le Barbier de Séville, de RossiniÀ nouveau sur un texte de Beaumarchais, mis cette fois en musique par l'italien Rossini, cet opéra-bouffe constitue les prémices du mariage de Figaro. On y retrouve donc dans cet air le barbier Figaro qui se présente avec panache et humour, interrompant la sérénade du comte envers la jeune Rosina. La rapidité des croches et du débit rendent ce morceau pour baryton aussi plaisant que technique. "Un bel di vedremo" dans Madame Butterfly, de PucciniMadame Butterfly est une histoire d'amour délicate entre une jeune geisha et un officier américain peu regardant sur la teneur de ses sentiments, qui l'épouse par fantaisie et retourne ensuite se marier en Amérique. La pauvre japonaise finit par se suicider, lui confiant le fils de leur union. Dans l'air de "Un bel di verdemo", la demoiselle essaie de se convaincre que son amant reviendra, éblouie par sa passion et sa foi. "Una furtiva lacrima" dans L'Elisir d'amore, de DonizettiAdina, riche fermière, est courtisée par Nemorino, simple paysan, qu'elle rejette inlassablement. Lorsque ce dernier devient un parti idéal à la suite d'un héritage, toutes les paysannes de la région veulent l'épouser. Adina comprend alors la réalité de ses sentiments et tente de faire comprendre à Nemorino la teneur de son amour. C'est dans cet air que le paysan devenu riche reconnaît une larme dans les yeux d'Adina à l'aube de son départ pour la guerre, preuve irréfutable pour lui qu'elle l'aime. Les deux amants pourront alors enfin être réunis. "Nessun Dorma" dans Turandot, de PucciniLe héros de cet opéra inachevé par son compositeur (décédé avant d'avoir fini d'écrire la dernière scène) tombe amoureux de la princesse Turandot, cruelle mais superbe, qui tue tous les prétendants incapables de résoudre ses énigmes. Après avoir réussi les épreuves, le jeune homme laisse la possibilité à la princesse de se dédire de leur engagement. Il confie dans cette scène son appréhension à la nuit, craignant de perdre l'amour de sa vie, mais ne pouvant lui imposer ses sentiments. "Air du Toréador" dans Carmen, de BizetUn autre air inoubliable de cet opéra chargé de pépites est chanté par le toréador Escamillo, second amant de Carmen après Don José. Le chœur qui l'accompagne clôture également la dernière scène, durant laquelle Don José poignarde son amante plutôt que de la laisser partir. Ici, Escamillo fait une entrée haute en couleur saluée par la foule, avant de pénétrer dans l'arène. "Air des clochettes" dans Lakmé, de DelibesCet air, très difficile de par la présence de notes extrêmement aiguës allant jusqu'au contre-mi, fait partie d'un opéra français moins connu du grand public. La jeune hindoue Lakmé tombe follement amoureuse de l'officier britannique Gerald. Le père de Lakmé, ayant découvert sa passion pour un étranger, lui demande de chanter en public cet air afin que l'officier se trahisse en reconnaissant la voix de la jeune fille.